EL CINE
El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento. Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han buscado procedimientos para reproducir la realidad. Es el caso de las representaciones con sombras que fueron los primeros espectáculos en público con proyección de imágenes animadas y la utilizada ya en el siglo XVI, la cámara oscura permitía la proyección de imágenes externas dentro de un espacio. De la misma manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de cine, logrando proyectar imágenes sobre una superficie plana. Con el fin de hacerlas llegar a todos los lugares, los feriantes viajaban con sus linternas dejando boquiabiertos a los espectadores. Sobre todo cuando hacían servir ingeniosos dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares, que hacían mover las imágenes.
Un invento capital aparece en el siglo XIX: la fotografía. Por vez primera, era posible impresionar y guardar una imagen del mundo que nos envuelve. Pero algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con objetos en movimiento, una de esas primeras maquinas fue una especie de fusil fotográfico capaz de captar las diferentes fases de un movimiento. Pero esa no fue la única ya que a largo del siglo, toda una serie de inventores construyen aparatos -mitad genios, mitad juguetes-, que buscan producir la ilusión del movimiento. Se trata del Taumatropo, el Fenaquistoscopio, el Zootropo y el Praxinoscopio. Una variante de este último, el Teatro óptico, construido por Emile Reynaud, es lo que más se acerca a lo que será el cine. Con el fin de producir una acción continua, se proyectaban largas bandas de más de 500 transparencias de dibujos a partir de un aparato cilíndrico que, juntamente con la proyección de una imagen de fondo desde una linterna, proporcionaba la proyección de los primeros dibujos animados.
Ya tenemos, pues, los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de la visión, la fotografía y la proyección. Pero faltaban dos más de fundamentales: la película perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve. Y fue en los EE.UU. donde, en 1890, se solucionó el problema, de la mano del gran inventor Edison y de Dickson.
En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison, cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película... individualmente. Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. ¡Cuan equivocado estuvo, como el tiempo llegó a demostrar...! Sin embargo, la invención del cine no puede ser atribuida, específicamente, a nadie. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.
Pero, un 28 se diciembre de 1895 se rompe la historia del arte, la imagen deja de ser estática, la maquina por fin a superado al hombre, los impresionistas artistas del momento son obsoletos y los futuristas están en su momento, nace una nueva cultura, el cine.
Los hermanos Lumière dan inicio a ese nuevo mundo de ciencia, feria, distracción y espectáculo.
El cine como ciencia, es un proceso físico óptico que tiene sus inicios en aquellas fotografías de Daguere y Niepce de 1823 que necesitaban 14 horas de exposición para capturar aquellas imágenes borrosas de las cuales solo queda el recuerdo, la fotografía fue progresando hasta imprimirle movimiento. “el movimiento fotográfico se sustenta en el poder que tiene el ojo de retener durante poco mas de 2/45 de segundo un objeto luminoso. A partir de dicho principio, si fotografiamos una secuencia que luego es proyectada una a una las fotografías por un lapso no menor a 2/45 de segundo logramos la sensación de movimiento”.
El cine como feria, distracción y espectáculo inicia en el café Boulevard des Capucines de Paris, con 35 espectadores. Las primeras películas eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) a el debemos los millones de espectadores en el mundo que disfrutan día a día la magia del cine en cafés, bares, restaurantes, centros comerciales, etc. el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo. Pero desde luego el cine es mas que un espectáculo divertido de fines de semana o de cinéfilos, el cine es un arte, más aún, el heredero de todas las artes, su magia tiene el poder de transportarnos a la realidad o a otra realidad.
El cine como espectáculo y obra de arte se disfruta de manera estética, ante estos elementos brindare algunos aspectos esenciales para su comprensión y disfrute.
¿Cómo nace una obra de arte cinematográfica?
A- Preproducción
Se manejan tres pasos esenciales
+ Tema: Este lo podemos ubicar según el genero (histórico, drama, etc.)
+ Idea: corresponde a los elementos fundamentales de la historia a realizar y que dan pie a que el producto final posea unidad- interés- profundidad y originalidad.
+ Argumento: Comprende a una sinopsis de la historia teniendo en cuenta personajes y espacios, sin llegar a un aspecto descriptivo.
B- Producción
Es el soporte fundamental en la realización del producto cinematográfico y se tienen los siguientes pasos:
+ Guión literario: Es un texto que se fundamenta en la descripción psicológica y física de los personajes. Incluye diálogos que determinan así el tiempo y ritmo de la obra cinematográfica.
+ History Work: es una sustentación visual del guión literario que a través de dibujo se representan personajes, espacios y escenas a desarrollar durante la fimación y que sirven como soporte al guión técnico “lo mas parecido al history work son las tiras cómicas”.
+ Guión técnico: Es un texto detallado y es esencial para el momento de la filmación y contiene acciones, espacios, tiempos, diálogos organizados de la siguiente manera:
Secuencia (contiene una escena o varias que se desarrollan en un espacio y van numeradas para lograr la edición fílmica)
Escena (corresponde a sucesos y diálogos y se enumeran dentro de una secuencia)
Tiempo (corresponde a día o noche y sus características)
Espacio (corresponde si es abierto o cerrado y sus características)
Suceso (Corresponde a las actitudes de los personajes diálogos y manejo de cámara)
Esquema general:
TITULO DEL FILM
Secuencia____
Escena ____
Tiempo __________________________________________________
Espacio __________________________________________________
Suceso ___________________________________________________
+ Proceso fílmico: Es el proceso de filmación e intervienen las siguientes personas:
Clacletista Es quien enumera la secuencia y la escena de acuerdo al guión técnico en el momento de filmarse. Es indispensable para el momento de la edición.
Script Es quien esta tomando nota durante el rodaje y tiene a la mano el guión técnico para que no existan errores de secuencia cinematográfica.
Director artístico Es quien esta encargado de la escenografia, maquillaje y vestuario pertinente a la historia.
Director de fotografía Es el encargado de los espacios y encuadres de las escenas.
Ingeniero de sonido Esta encargado de registrar los sonidos del ambiente, diálogos, y banda sonora de la producción.
Director Esta encargado de todo el proceso fílmico.
C- Pos – producción
Corresponde a sacar en limpio el proceso fílmico así:
+ Edición Este proceso esta realizado por un editor que trabaja de la mano del director, productor y demás colaboradores del proceso fílmico, teniendo en cuenta el trabajo del claquetista.
+ Comercialización esta se encuentra en manos del productor (persona que consigue el dinero o realiza la inversión económica para el film)
D- Critica
La critica esta determinada por los espectadores y en gran parte por los cinéfilos, que tienen como elementos para la critica entre otros muchos aspectos los siguientes:
+ Estructura fílmica
Relación idea – guión
-Tiempos El tiempo físico tiene una sola dimensión lineal, una sola dirección y una sola marcha, totalmente contrario a lo que sucede con el tiempo fílmico que esta en manos del guionista y el director. Los más utilizados son los siguientes:
· Adecuación:
Es la historia fílmica lineal, donde tiempo, acción y hechos no se aíslan del tiempo real.
· Condensación:
Es muy utilizado en las historias fílmicas donde los años y meses se reducen a minutos. Esta actividad se conoce como elipsis.
· Distensión:
Es el alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción ej: cuando un pensamiento excede al tiempo real del pensamiento.
· Continuidad:
Cuado el tiempo fílmico corre a la par del tiempo real (Es muy común en las filmaciones caseras).
· Simultaneidad
Es cuando se presentan dos tiempos vitales en un solo plano, es decir en el plano existen varias escenas al mismo tiempo.
· Flash back
Cuando el tiempo se detiene y existe un retroceso en él.
· Tiempo sicológico
Se habla de este tiempo cuando las escenas así lo ameriten es decir existen escenas de transición y de tensión y son quienes determinan el ritmo de la película.
· Representación del pasado
Se habla de este tiempo cuando se representa el pasado de manera cotidiana (Recuerdo del pasado) a partir de virados (imagen en un solo color)
· Elipsis
Son elementos visuales que nos determinan el tiempo. (Cuando por ejemplo muestran la imagen de un árbol cambiando las hojas para ilustrarnos el paso del tiempo).
-Ritmo
Podemos decir que ritmo es la cadencia producida en la proyección de acuerdo a las secuencias fílmicas, en los cuales se destacan el ritmo visual, el ritmo auditivo y el ritmo de la acción que encuentran su valor a partir de los tiempos sicológicos empleados por el guionista o el director. Esta clase de ritmos los podemos nombrar así:
· Analítico
Planos cortos muy numerosos, es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo.
· Sintético
Planos largos y poco numerosos, resulta un ritmo lento.
· In crescendo
Planos cada ves mas breves; significa tensión y dinamismo y planos cada ves mas largos; nos hacen sentir relajación y serenidad.
· Arrítmico
los planos son breves o largos, sin tonalidad espacial, cambiando de manera brusca generando sorpresa.
+ Técnico
Nos limitaremos al manejo de cámara:
El movimiento interior de la imagen se añade el movimiento de la cámara que se desplaza, variando el encuadre de las mismas figuras. El movimiento se ejecuta bajo tres ejes:
X: Balanceo
Y: Cabeceo
Z: Mirada en rededor.
Estos tres movimientos son mezclados con
Panorámica Horizontal, Panorámica vertical y movimiento de balanceo y estos movimientos con:
Descriptivo Reconocemos el escenario
Dramático Va presentando los diversos elementos de la acción.
Subjetivo la cámara parece meterse dentro de los personajes.
y existen otros movimientos como son los de translación (las demás cámaras eran estáticas) estos movimientos los podemos dividir en:
Travelling de profundidad en avance la cámara se traslada desde un punto de profundidad a otro más cercano y el contrario es Travelling de profundidad en retroceso.
Travelling vertical La cámara sube y baja
Travelling lateral Cuando la cámara acompaña a una persona en el espacio.
Movimientos complejos Cuando la cámara se monta en una grúa
Tipos deplanos-:
· Plano general: cuando se enfoca un personaje completo.
· Plano americano: cuando el encuadre se encuentra a la altura de la pierna hacia arriba.
· Primer plano: cuando de enfoca un sector del objeto.
· Primerisimo plano: cuando se encuadra mas haya de un pequeño sector del objeto.
sábado 25 de agosto de 2007
LA FOTOGRAFIA
LA FOTOGRAFIA
La fotografía como arte práctico se inicio en 1831 con los trabajos de Daguerre Jacques y Niepce Nicéforo. La fotografía consiste esencialmente, en un proceso óptico de captación de imágenes a través de una cámara oscura y un proceso químico de impresión.
Proceso físico
Luz y color implican factores físicos, fisiológicos y psicológicos. Los especialistas en física se ocupan de la energía, de las ondas luminosas y de la interacción de la luz con la materia; los fisiólogos, de la percepción visual y del color, o sea que desarrollan distintos puntos de vista y utilizan diferentes léxicos al tratar de la luz y el color. No obstante, se ha determinado una terminología definida.
Las mediciones científicas de la luz, exigen el uso de cantidades grandes y pequeñas, unidades relacionadas entre si y de una gran exactitud. En algunos países , las unidades de medida en parte en el sistema ingles de pulgadas , galones y libras. El sistema métrico es el preferido por los científicos porque la relación entre las unidades de longitud y peso es mas sencilla; además, los decimales dan mayor seguridad y exactitud a los cálculos y a las cantidades de muchas cifras se pueden expresar concisamente. Nosotros utilizaremos las unidades métricas.
La velocidad de la luz en el espacio o en el vacío es de 300000Km por segundo, aproximadamente, ósea 186282 millas por segundo, que al parecer es el limite natural de la velocidad en el universo. La velocidad de la luz en el vacío es un constante representada por C en las ecuaciones ; por ejemplo E=mc2 no importa cual sea la fuente de luz .y esta es perceptible a través de ondas.
La luz es una onda electromagnética que se transporta a través del universo, vibrando en planos perpendiculares a la dirección de la onda, tales ondas muestran una serie continua de frecuencias y longitud de onda, la frecuencia es el numero de crestas de onda que pasan por un punto en un segundo, es de anotar que lo que nosotros conocemos como color visible solo depende de las longitudes de onda. Ejemplo:
Longitud de onda de los rayos:
MEDIDA Angströms
4000 Violeta
4500 Azul
5500 Verde
6000 Amarillo
6500 Anaranjado
7000 Rojo
La mezcla de los colores luz que producen el blanco se denomina mezcla aditiva.
El ojo es una cámara fotográfica
La mayoría de nosotros aprendimos en la escuela una simple y atractiva explicación de por que las cosas nos parecen lo que nos parecen, explicación basada en la analogía del ojo con la cámara fotográfica, según esta teoría, el ojo toma vistas de las escenas que tiene ante si. La luz que los objetos de la escena reflejan es enfocada por los objetivos que hay dentro del ojo y llega así hasta la retina, suerte de película sensible situada al fondo del globo ocular donde se forman las imágenes. Estas imágenes se transmiten entonces al cerebro, con lo que se generan las representaciones mentales de las escenas; nuestras percepciones.
La comparación es valida hasta cierto punto. En efecto. La imagen de una es cena enfocada sobre el filme en el interior de una cámara fotográfica, o, para el caso de la pintura, a la fiel reproducción de la escena lograda por el artista. El ojo tiene una lente- el cristalino- lo mismo que lo tiene la cámara, y, como en esta, también en aquel puede cambiar el enfoque. El ojo posee una abertura - la pupila – de diámetro variable para permitir el ingreso de la luz, igual que la cámara. Las imagen que se forma en la retina es una imagen invertida, exactamente igual que la imagen que se forma en la película fotográfica.
La cámara oscura
Sus inicios lo podemos ubicar a comienzos del siglo XVII, el filosofo Francés René Descartes describió un experimento que revelaría la imagen visual tal como aparece en la retina. Sacándole un ojo a un buey, poniéndolo luego en un marco y raspando su parte posterior para hacerla traslúcida, se podía ver dijo, fijando en la retina, como se proyectaba en ella en el mundo exterior.
Esta es simplemente una cámara que en latín significa cualquier aparato para captar imágenes. La mas sencilla es una caja opaca con un pequeño orificio en una cara y un pedazo de película sensible en la opuesta. La luz llega a esta cuando se obre el orificio por unos pocos segundos que luego por medio de un proceso químico es revelado y fijado en la superficie sensible a la luz.
Para mas detalles, la cámara oscura o maquina fotográfica para una perfecta obtención de imágenes va provista de un objetivo o sistema de lentes por donde penetra la luz; de un dispositivo de enfoque, para precisar las imágenes, y de un diafragma y de un obturador para regular la cantidad de luz que penetra en la maquina y el tiempo de exposición. Una ves impresionada la placa o film sensible a la luz, tiene lugar el revelado, mediante ciertos reactivos que dan como resultado una imagen negativa, en la que los blancos del objeto fotografiado aparecen negros y viceversa. Lavando la placa y quitando la sustancia no alterada por la luz resulta la prueba negativa. Aplicando esta sobre un papel sensible a la luz, se obtiene la prueba positiva final o fotografía que conocemos común mente.
La fotografía como arte práctico se inicio en 1831 con los trabajos de Daguerre Jacques y Niepce Nicéforo. La fotografía consiste esencialmente, en un proceso óptico de captación de imágenes a través de una cámara oscura y un proceso químico de impresión.
Proceso físico
Luz y color implican factores físicos, fisiológicos y psicológicos. Los especialistas en física se ocupan de la energía, de las ondas luminosas y de la interacción de la luz con la materia; los fisiólogos, de la percepción visual y del color, o sea que desarrollan distintos puntos de vista y utilizan diferentes léxicos al tratar de la luz y el color. No obstante, se ha determinado una terminología definida.
Las mediciones científicas de la luz, exigen el uso de cantidades grandes y pequeñas, unidades relacionadas entre si y de una gran exactitud. En algunos países , las unidades de medida en parte en el sistema ingles de pulgadas , galones y libras. El sistema métrico es el preferido por los científicos porque la relación entre las unidades de longitud y peso es mas sencilla; además, los decimales dan mayor seguridad y exactitud a los cálculos y a las cantidades de muchas cifras se pueden expresar concisamente. Nosotros utilizaremos las unidades métricas.
La velocidad de la luz en el espacio o en el vacío es de 300000Km por segundo, aproximadamente, ósea 186282 millas por segundo, que al parecer es el limite natural de la velocidad en el universo. La velocidad de la luz en el vacío es un constante representada por C en las ecuaciones ; por ejemplo E=mc2 no importa cual sea la fuente de luz .y esta es perceptible a través de ondas.
La luz es una onda electromagnética que se transporta a través del universo, vibrando en planos perpendiculares a la dirección de la onda, tales ondas muestran una serie continua de frecuencias y longitud de onda, la frecuencia es el numero de crestas de onda que pasan por un punto en un segundo, es de anotar que lo que nosotros conocemos como color visible solo depende de las longitudes de onda. Ejemplo:
Longitud de onda de los rayos:
MEDIDA Angströms
4000 Violeta
4500 Azul
5500 Verde
6000 Amarillo
6500 Anaranjado
7000 Rojo
La mezcla de los colores luz que producen el blanco se denomina mezcla aditiva.
El ojo es una cámara fotográfica
La mayoría de nosotros aprendimos en la escuela una simple y atractiva explicación de por que las cosas nos parecen lo que nos parecen, explicación basada en la analogía del ojo con la cámara fotográfica, según esta teoría, el ojo toma vistas de las escenas que tiene ante si. La luz que los objetos de la escena reflejan es enfocada por los objetivos que hay dentro del ojo y llega así hasta la retina, suerte de película sensible situada al fondo del globo ocular donde se forman las imágenes. Estas imágenes se transmiten entonces al cerebro, con lo que se generan las representaciones mentales de las escenas; nuestras percepciones.
La comparación es valida hasta cierto punto. En efecto. La imagen de una es cena enfocada sobre el filme en el interior de una cámara fotográfica, o, para el caso de la pintura, a la fiel reproducción de la escena lograda por el artista. El ojo tiene una lente- el cristalino- lo mismo que lo tiene la cámara, y, como en esta, también en aquel puede cambiar el enfoque. El ojo posee una abertura - la pupila – de diámetro variable para permitir el ingreso de la luz, igual que la cámara. Las imagen que se forma en la retina es una imagen invertida, exactamente igual que la imagen que se forma en la película fotográfica.
La cámara oscura
Sus inicios lo podemos ubicar a comienzos del siglo XVII, el filosofo Francés René Descartes describió un experimento que revelaría la imagen visual tal como aparece en la retina. Sacándole un ojo a un buey, poniéndolo luego en un marco y raspando su parte posterior para hacerla traslúcida, se podía ver dijo, fijando en la retina, como se proyectaba en ella en el mundo exterior.
Esta es simplemente una cámara que en latín significa cualquier aparato para captar imágenes. La mas sencilla es una caja opaca con un pequeño orificio en una cara y un pedazo de película sensible en la opuesta. La luz llega a esta cuando se obre el orificio por unos pocos segundos que luego por medio de un proceso químico es revelado y fijado en la superficie sensible a la luz.
Para mas detalles, la cámara oscura o maquina fotográfica para una perfecta obtención de imágenes va provista de un objetivo o sistema de lentes por donde penetra la luz; de un dispositivo de enfoque, para precisar las imágenes, y de un diafragma y de un obturador para regular la cantidad de luz que penetra en la maquina y el tiempo de exposición. Una ves impresionada la placa o film sensible a la luz, tiene lugar el revelado, mediante ciertos reactivos que dan como resultado una imagen negativa, en la que los blancos del objeto fotografiado aparecen negros y viceversa. Lavando la placa y quitando la sustancia no alterada por la luz resulta la prueba negativa. Aplicando esta sobre un papel sensible a la luz, se obtiene la prueba positiva final o fotografía que conocemos común mente.
TECNICA ESCULTURA
LA ESCULTURA
Para comenzar hay que delimitar y definir el concepto escultura desde el punto artístico. Las ideas que se exponen a continuación no son en absoluto originales ya que son el producto de unas lecturas previas.
Como una finalidad meramente didáctica partiremos del termino plástica que se considera como el arte de modelar, y se refiere en concreto a la manipulación de materiales blandos, modelables por las manos (plastilina, arcilla, porcelanicrom, yeso etc.) y se diferencia del termino escultura, que se utiliza para la manipulación de materiales duros (madera, piedra, metales etc.) manipulados bajo la utilización de herramientas acordes al material intervenido.
Aclarado estos dos conceptos entramos en una ambivalencia conceptual basada en la consideración de que estos son sinónimos en el ámbito cultural. Aun mas existe otro termino que entra en juego y es el de forma el cual esta ligado estrictamente al producto de los dos términos tratados y son susceptibles al sentido del tacto y la vista.
Hemos terminado de definir los conceptos tradicionales cuando nos encontramos que a partir del siglo XX aparecen otras tendencias que nos complican aun mas, ya que en ocasiones en la escultura actual no existe una forma tangible a los sentidos.
Delimitado este paradigma entramos en una breve comentario de la escultura que nos aclarara o nos confundirá mas.
En un principio la escultura no fue un arte libre como la pintura ya que la escultura generalmente hacía parte de la arquitectura. Las más antiguas construcciones estaban destinadas a monumentos funerarios y religiosos. Esto no significa que no existiera una arquitectura destinada para la vivienda, pero si descubrimos que fue mas importante la arquitectura funeraria de los “Dolmenes” y de las pirámides así como la arquitectura religiosa de los templos de Egipto , Mesopotámica, China, India, y de todas las culturas posteriores se hizo frecuente la utilización de elementos escultóricos en sus fachadas o interiores en unos casos en bulto y en otros casos a manera de bajos relieves brindando carácter a los elementos arquitectónicos.
Podemos tomar como punto de partida la estatuaria egipcia, y la escultura en bloque, con base en los cuatro planos descritos (anterior, posterior, y laterales) donde podemos observar lo que se llamo la ley de la frontalidad, luego, podemos mencionar la escultura Griega en la cual predomina la belleza ideal y sobresale una unidad orgánica en las distintas partes o miembros (Diartrosis) la cual abandonando el carácter cúbico de las esculturas Egipcias. Y en esa secuencia histórica por instantes se renuncia a la belleza para dar paso a los cánones religiosos establecidos en la edad media hasta el surgimiento de la razón en el Renacimiento. Que da un ímpetu nuevo al trabajo artístico.
El ímpetu moderno en la escultura lo podemos marcar en el siglo XX, donde la escultura marca una ruptura rotunda con el pasado, en un fenómeno plástico de desarrollo paralelo al experimentado por la pintura. En realidad la pintura y la esculturan aparecen como dos frentes complementarios de una misma búsqueda formal.
Los cambios en la escultura moderna parten de la perdida de las tradiciones técnicas y en la caída en desuso del carácter conmemorativo y celebrativo de estas en el ámbito cultural. La escultura ya no es el vinculo del pensamiento y de la ética, es, una nueva simbología para la expresión escultórica.
En esa nueva búsqueda encontramos algunas manifestaciones que podemos enmarcar en la escultura:
Arte conceptual, Arte corporal, Arte de Acción, Happening, Fluxus, Arte Procesual, Ready–made, Environment, Land art, Arte mecanisita, Acumulación, Arte objetual, Cinética, Contrarelieve, Minimal art, Nuevo realismo, Sofá-esculture, Etc.
Bibliografía
BORRAS, Gonzalo, Introducción general al arte, Editorial Istmo, Madrid, 1994, Pp 139 – 193.
RECASENS, José, Apreciación artística, Editorial Voluntad, Bogota, 1978, Pp 78- 81.
Para comenzar hay que delimitar y definir el concepto escultura desde el punto artístico. Las ideas que se exponen a continuación no son en absoluto originales ya que son el producto de unas lecturas previas.
Como una finalidad meramente didáctica partiremos del termino plástica que se considera como el arte de modelar, y se refiere en concreto a la manipulación de materiales blandos, modelables por las manos (plastilina, arcilla, porcelanicrom, yeso etc.) y se diferencia del termino escultura, que se utiliza para la manipulación de materiales duros (madera, piedra, metales etc.) manipulados bajo la utilización de herramientas acordes al material intervenido.
Aclarado estos dos conceptos entramos en una ambivalencia conceptual basada en la consideración de que estos son sinónimos en el ámbito cultural. Aun mas existe otro termino que entra en juego y es el de forma el cual esta ligado estrictamente al producto de los dos términos tratados y son susceptibles al sentido del tacto y la vista.
Hemos terminado de definir los conceptos tradicionales cuando nos encontramos que a partir del siglo XX aparecen otras tendencias que nos complican aun mas, ya que en ocasiones en la escultura actual no existe una forma tangible a los sentidos.
Delimitado este paradigma entramos en una breve comentario de la escultura que nos aclarara o nos confundirá mas.
En un principio la escultura no fue un arte libre como la pintura ya que la escultura generalmente hacía parte de la arquitectura. Las más antiguas construcciones estaban destinadas a monumentos funerarios y religiosos. Esto no significa que no existiera una arquitectura destinada para la vivienda, pero si descubrimos que fue mas importante la arquitectura funeraria de los “Dolmenes” y de las pirámides así como la arquitectura religiosa de los templos de Egipto , Mesopotámica, China, India, y de todas las culturas posteriores se hizo frecuente la utilización de elementos escultóricos en sus fachadas o interiores en unos casos en bulto y en otros casos a manera de bajos relieves brindando carácter a los elementos arquitectónicos.
Podemos tomar como punto de partida la estatuaria egipcia, y la escultura en bloque, con base en los cuatro planos descritos (anterior, posterior, y laterales) donde podemos observar lo que se llamo la ley de la frontalidad, luego, podemos mencionar la escultura Griega en la cual predomina la belleza ideal y sobresale una unidad orgánica en las distintas partes o miembros (Diartrosis) la cual abandonando el carácter cúbico de las esculturas Egipcias. Y en esa secuencia histórica por instantes se renuncia a la belleza para dar paso a los cánones religiosos establecidos en la edad media hasta el surgimiento de la razón en el Renacimiento. Que da un ímpetu nuevo al trabajo artístico.
El ímpetu moderno en la escultura lo podemos marcar en el siglo XX, donde la escultura marca una ruptura rotunda con el pasado, en un fenómeno plástico de desarrollo paralelo al experimentado por la pintura. En realidad la pintura y la esculturan aparecen como dos frentes complementarios de una misma búsqueda formal.
Los cambios en la escultura moderna parten de la perdida de las tradiciones técnicas y en la caída en desuso del carácter conmemorativo y celebrativo de estas en el ámbito cultural. La escultura ya no es el vinculo del pensamiento y de la ética, es, una nueva simbología para la expresión escultórica.
En esa nueva búsqueda encontramos algunas manifestaciones que podemos enmarcar en la escultura:
Arte conceptual, Arte corporal, Arte de Acción, Happening, Fluxus, Arte Procesual, Ready–made, Environment, Land art, Arte mecanisita, Acumulación, Arte objetual, Cinética, Contrarelieve, Minimal art, Nuevo realismo, Sofá-esculture, Etc.
Bibliografía
BORRAS, Gonzalo, Introducción general al arte, Editorial Istmo, Madrid, 1994, Pp 139 – 193.
RECASENS, José, Apreciación artística, Editorial Voluntad, Bogota, 1978, Pp 78- 81.
TECNICA DE PINTURA EL TEMPLE
RESUMEN HISTORICO DE EL TEMPLE POLIMERO
La conquista mas resiente en el campo de los procedimientos pictóricos la constituyen las resinas sintéticas polimerizadas, que se empezaron a utilizar regularmente en Estados Unidos desde 1950.
Estas resinas no sustituyen a ningún otro aglutinante, como alguien a pretendido decir, sino que constituye una aportación mas al campo de los procedimientos pictóricos, con identidad y características propias.
El desarrollo de las resinas sintéticas como aglutinante nació como consecuencia de una necesidad social. Hacia la década de 1920, un grupo de pintores latinoamericanos, como Orozco, Siqueiros, Rivera, entre otros quisieron pintar grandes murales sobre cemento y al aire libre. Ni el óleo ni el fresco resultaban lo suficiente prácticos ya que necesitaban un material que secara mas rápidamente; este material ya existía en el campo industrial, aunque no se había empleado nunca como aglutinante en la pintura artística.
Así empezó la investigación y la búsqueda de pinturas para uso artístico, y en este sentido se investigo tanto el medio acrílico como el vinílico.
La experimentación continuo en Estados Unidos, donde en los años cincuenta ya se podía encontrar en el mercado pinturas artísticas; en Europa no se difundieron hasta los años sesenta. Muchos artistas pintores las han adoptado como un procedimiento preferido.
EL TEMPL,E POLIMERO
Es la pintura cuyo aglutinante esta constituido por una emulsión acuosa de un plástico ( sustancia hoy totalmente sintética, cuya principal cualidad es la plasticidad. Los primeros plásticos fueron obtenidos a partir de productos naturales como el celuloide, de la celulosa en 1869; el caucho, de un látex vegetal, mientras que actualmente son totalmente sintéticos, obtenidos de hidrocarburos por sisaseis química. La industria ofrece una gama extensisima de estos productos de múltiples aplicaciones, desde fibras textiles, colas adhesivas y pinturas de toda clase de objetos.)estos plásticos son de un alto grado de proliferación (la proliferación es el proceso químico en el que se unen unas moléculas llamadas monomeros de la misma clase, formando otras moléculas mas grandes ,estas macromoléculas reciben el nombre de polímeros – poli > muchos –meros >partes). De aquí procede el nombre de temple polímero.
Al escarce el aglutinante, es decir, al evaporarce el agua o el liquido que mantiene en suspención las partículas de plástico, estas se juntan formando una capa de piel continua, transparente y resistente al agua.
Así pues, cuando decimos plástico nos estamos refiriendo al nombre genérico de unas resinas sintéticas polimerizadas.
Algunas de estas resinas sintéticas se presentan en estado de dispersión (liquidas), a manera de colas y aglutinantes, aptas para mezclarles pigmentos y constituir las llamadas vulgarmente pinturas plásticas.
Desde el año 1948 se a producido un desarrollo continuado de estos aglutinantes en todos los campos, especialmente en el de la pintura, en donde se utilizan sobre todo los vinílicos y los acrílicos; no obstante, la pintura industrial el numero de estos materiales es mas extenso. ( tengamos en cuenta que fuera de las dispersiones acuosas, existen también las disoluciones que tienen por diluyente el aguarrás. En el campo industrial es quizá donde mas se utilizan estas resinas, a manera de ligantes, tanto para pinturas como para barnices, como las resinas alquímicas y de poliester, así como las acrílicas, las aminicas, las fenólicas las apoxi Etc.)
Algunos pintores, por desconocimiento, llaman acrílica a cualquier pintura de este tipo.
El AGLUTINANTE VINILICO
El acetato de polivinilo (PVA), o poliacetato de vinilo, es una dispersión blanca y lechosa, vulgarmente llamada látex sintético, (El verdadero látex natural es el jugo lechoso de algunos vegetales que circulan por los vasos lacticiferos y que fluye de las heridas o incisiones producidas en el tronco de estas plantas. Su composición es compleja, y, según la especie de que se trate, se consiguen sustancias tan diversas como el caucho, la gutapercha, Etc., sus mejores propiedades son la elasticidad y la consistencia.) esta sustancia se puede utilizar como aglutinante y que admite el agua como diluyente. Su precio relativamente económico hace que sea muy utilizado para pinturas de corta duración, como la de los anuncios publicitarios, Etc.(muchas de las colas que hoy ofrece el mercado bajo nombres distintos son, en el fondo, vinílicas, como la “cola blanca o colbon” que usan los carpinteros.)
EL AGLUTINANTE ACRILICO
Otro aglutinante es la emulsión de acrilato ( o polímero acrílico). Es igualmente de color blanco lechoso y posee una gran dureza y resistencia, sobre todo para exteriores, más que los propios vinílicos.
Los pigmentos que se pueden utilizar con estos aglutinantes son los mismos que se utilizan para temples y óleo en general; sin embargo, deben emplearce el blanco de titanio, ya que los otros blancos no son del todo compatibles con la naturaleza alcalina del medio polímero.
Los establecimientos especializados proporcionan pinturas ya preparadas con estos aglutinantes, así como también otros accesorios y aditivos- unos mas útiles que otros -, unos para retardar o acelerar el secado según el gusto del artista.
SOPORTES
Como soporte puede utilizarce: papel, cartón, lienzo, tabla, muro ,Etc. Ha de ser limpio, exento de grasa y bien seco. Se puede preparar de manera acostumbrada o también aplicándole una mano de látex rebajado o alguno de los subproductos existentes como el tapaporos, el gesso Etc. Procurando siempre no impermeabilizar la superficie.
BIBLIOGRAFIA
Pedrola, ANTONI, Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Ed Ariel Patrimonio Histórico, Barcelona , 1998, Pp137 –141.
La conquista mas resiente en el campo de los procedimientos pictóricos la constituyen las resinas sintéticas polimerizadas, que se empezaron a utilizar regularmente en Estados Unidos desde 1950.
Estas resinas no sustituyen a ningún otro aglutinante, como alguien a pretendido decir, sino que constituye una aportación mas al campo de los procedimientos pictóricos, con identidad y características propias.
El desarrollo de las resinas sintéticas como aglutinante nació como consecuencia de una necesidad social. Hacia la década de 1920, un grupo de pintores latinoamericanos, como Orozco, Siqueiros, Rivera, entre otros quisieron pintar grandes murales sobre cemento y al aire libre. Ni el óleo ni el fresco resultaban lo suficiente prácticos ya que necesitaban un material que secara mas rápidamente; este material ya existía en el campo industrial, aunque no se había empleado nunca como aglutinante en la pintura artística.
Así empezó la investigación y la búsqueda de pinturas para uso artístico, y en este sentido se investigo tanto el medio acrílico como el vinílico.
La experimentación continuo en Estados Unidos, donde en los años cincuenta ya se podía encontrar en el mercado pinturas artísticas; en Europa no se difundieron hasta los años sesenta. Muchos artistas pintores las han adoptado como un procedimiento preferido.
EL TEMPL,E POLIMERO
Es la pintura cuyo aglutinante esta constituido por una emulsión acuosa de un plástico ( sustancia hoy totalmente sintética, cuya principal cualidad es la plasticidad. Los primeros plásticos fueron obtenidos a partir de productos naturales como el celuloide, de la celulosa en 1869; el caucho, de un látex vegetal, mientras que actualmente son totalmente sintéticos, obtenidos de hidrocarburos por sisaseis química. La industria ofrece una gama extensisima de estos productos de múltiples aplicaciones, desde fibras textiles, colas adhesivas y pinturas de toda clase de objetos.)estos plásticos son de un alto grado de proliferación (la proliferación es el proceso químico en el que se unen unas moléculas llamadas monomeros de la misma clase, formando otras moléculas mas grandes ,estas macromoléculas reciben el nombre de polímeros – poli > muchos –meros >partes). De aquí procede el nombre de temple polímero.
Al escarce el aglutinante, es decir, al evaporarce el agua o el liquido que mantiene en suspención las partículas de plástico, estas se juntan formando una capa de piel continua, transparente y resistente al agua.
Así pues, cuando decimos plástico nos estamos refiriendo al nombre genérico de unas resinas sintéticas polimerizadas.
Algunas de estas resinas sintéticas se presentan en estado de dispersión (liquidas), a manera de colas y aglutinantes, aptas para mezclarles pigmentos y constituir las llamadas vulgarmente pinturas plásticas.
Desde el año 1948 se a producido un desarrollo continuado de estos aglutinantes en todos los campos, especialmente en el de la pintura, en donde se utilizan sobre todo los vinílicos y los acrílicos; no obstante, la pintura industrial el numero de estos materiales es mas extenso. ( tengamos en cuenta que fuera de las dispersiones acuosas, existen también las disoluciones que tienen por diluyente el aguarrás. En el campo industrial es quizá donde mas se utilizan estas resinas, a manera de ligantes, tanto para pinturas como para barnices, como las resinas alquímicas y de poliester, así como las acrílicas, las aminicas, las fenólicas las apoxi Etc.)
Algunos pintores, por desconocimiento, llaman acrílica a cualquier pintura de este tipo.
El AGLUTINANTE VINILICO
El acetato de polivinilo (PVA), o poliacetato de vinilo, es una dispersión blanca y lechosa, vulgarmente llamada látex sintético, (El verdadero látex natural es el jugo lechoso de algunos vegetales que circulan por los vasos lacticiferos y que fluye de las heridas o incisiones producidas en el tronco de estas plantas. Su composición es compleja, y, según la especie de que se trate, se consiguen sustancias tan diversas como el caucho, la gutapercha, Etc., sus mejores propiedades son la elasticidad y la consistencia.) esta sustancia se puede utilizar como aglutinante y que admite el agua como diluyente. Su precio relativamente económico hace que sea muy utilizado para pinturas de corta duración, como la de los anuncios publicitarios, Etc.(muchas de las colas que hoy ofrece el mercado bajo nombres distintos son, en el fondo, vinílicas, como la “cola blanca o colbon” que usan los carpinteros.)
EL AGLUTINANTE ACRILICO
Otro aglutinante es la emulsión de acrilato ( o polímero acrílico). Es igualmente de color blanco lechoso y posee una gran dureza y resistencia, sobre todo para exteriores, más que los propios vinílicos.
Los pigmentos que se pueden utilizar con estos aglutinantes son los mismos que se utilizan para temples y óleo en general; sin embargo, deben emplearce el blanco de titanio, ya que los otros blancos no son del todo compatibles con la naturaleza alcalina del medio polímero.
Los establecimientos especializados proporcionan pinturas ya preparadas con estos aglutinantes, así como también otros accesorios y aditivos- unos mas útiles que otros -, unos para retardar o acelerar el secado según el gusto del artista.
SOPORTES
Como soporte puede utilizarce: papel, cartón, lienzo, tabla, muro ,Etc. Ha de ser limpio, exento de grasa y bien seco. Se puede preparar de manera acostumbrada o también aplicándole una mano de látex rebajado o alguno de los subproductos existentes como el tapaporos, el gesso Etc. Procurando siempre no impermeabilizar la superficie.
BIBLIOGRAFIA
Pedrola, ANTONI, Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Ed Ariel Patrimonio Histórico, Barcelona , 1998, Pp137 –141.
ARTES GRAFICAS
Serigrafía
Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.
En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida en Bogotá 1932 por Guillermo Jaramillo. Pintor aficionado, monto su primera empresa para realizar vallas y carteles. La llamo Gráficas Jaramillo. Por encargo realizaba todo tipo de publicidad impresa y llego a tener 40 operarios De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.
La serigrafía como técnica artística en Colombia tubo su gran empuje a través del diseñador David Consuegra y Juan Antonio Roda ya que el primero cuando regreso al país procedente de Estados Unidos, Consuegra recibe una invitación del decano de Arquitectura de la Universidad de los Andes para organizar una escuela de diseño gráfico. Infortunadamente, la iniciativa no se llevo a cavo, pero en su efecto recibió la invitación de Juan Antonio Roda como director de la Escuela de Bellas Artes del mencionado centro educativo para ser profesor de procedimientos de grabado.
Se han mencionado hasta ahora algunos antecedentes aislados que activaron la gráfica serigrafía en el país, el único antecedente directo, es decir artístico, lo constituyen tres trabajos hechos por Enrique Grau en Nueva York, durante su estadía de 1941 a 1943. Como alumno del Art. Students League, el artista cartagenero se inicio en la serigrafía con dos ensayos ”Yellow nude y Green Nude”.
El periodo de 1970 – 1974 corresponde a la primera etapa de la historia de la serigrafía en Colombia, esta comienza con una exposición internacional dedicada a la gráfica: la bienal del Grabado Latinoamericano, en San Juan de Puerto Rico, y la Exposición Panamericana de Artes Gráficas, germen de la futura Bienal organizada por el Museo La Tertulia en Cali, es así como nace un gran interés en Colombia por tal manifestación artística.
En la segunda etapa, con la información de los talleres editores, el uso de la serigrafía se amplia; muchos artistas que no se avían interesado en los primeros años justamente por no disponer de elementos adecuados, encuentran en las casa editoras un mecanismo que les permite realizar trabajos serigraficos sin asumir personalmente el proceso de estampación. Esta misma características presenta en los últimos años de la década 1970- 1980.
El ritmo acelerado del aprendizaje y difusión de la estampación esta marcado por algunas circunstancias favorables y hechos históricos que convulsionaron al país en su momento (económicos, sociales y políticos).
El proceso de la serigrafía esta estrechamente relacionado con la técnica del estarcido. Ya que el proceso esta mediado por la fabricación de un clisé que permite el paso de la pintura a través de una seda de tramado fino, la pintura es aplicada a partir de una rasqueta o peine que porta una lamina de plástica que arrastra de manera uniforme la pintura. De esta manera se obtiene el producto final o estampación.
BIBLIOGRAFIA
Iriarte, Maria Elvira, Historia de la serigrafía en Colombia, Ed. Universidad Nacional De Colombia, 1986, Bogotá.
Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.
En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida en Bogotá 1932 por Guillermo Jaramillo. Pintor aficionado, monto su primera empresa para realizar vallas y carteles. La llamo Gráficas Jaramillo. Por encargo realizaba todo tipo de publicidad impresa y llego a tener 40 operarios De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.
La serigrafía como técnica artística en Colombia tubo su gran empuje a través del diseñador David Consuegra y Juan Antonio Roda ya que el primero cuando regreso al país procedente de Estados Unidos, Consuegra recibe una invitación del decano de Arquitectura de la Universidad de los Andes para organizar una escuela de diseño gráfico. Infortunadamente, la iniciativa no se llevo a cavo, pero en su efecto recibió la invitación de Juan Antonio Roda como director de la Escuela de Bellas Artes del mencionado centro educativo para ser profesor de procedimientos de grabado.
Se han mencionado hasta ahora algunos antecedentes aislados que activaron la gráfica serigrafía en el país, el único antecedente directo, es decir artístico, lo constituyen tres trabajos hechos por Enrique Grau en Nueva York, durante su estadía de 1941 a 1943. Como alumno del Art. Students League, el artista cartagenero se inicio en la serigrafía con dos ensayos ”Yellow nude y Green Nude”.
El periodo de 1970 – 1974 corresponde a la primera etapa de la historia de la serigrafía en Colombia, esta comienza con una exposición internacional dedicada a la gráfica: la bienal del Grabado Latinoamericano, en San Juan de Puerto Rico, y la Exposición Panamericana de Artes Gráficas, germen de la futura Bienal organizada por el Museo La Tertulia en Cali, es así como nace un gran interés en Colombia por tal manifestación artística.
En la segunda etapa, con la información de los talleres editores, el uso de la serigrafía se amplia; muchos artistas que no se avían interesado en los primeros años justamente por no disponer de elementos adecuados, encuentran en las casa editoras un mecanismo que les permite realizar trabajos serigraficos sin asumir personalmente el proceso de estampación. Esta misma características presenta en los últimos años de la década 1970- 1980.
El ritmo acelerado del aprendizaje y difusión de la estampación esta marcado por algunas circunstancias favorables y hechos históricos que convulsionaron al país en su momento (económicos, sociales y políticos).
El proceso de la serigrafía esta estrechamente relacionado con la técnica del estarcido. Ya que el proceso esta mediado por la fabricación de un clisé que permite el paso de la pintura a través de una seda de tramado fino, la pintura es aplicada a partir de una rasqueta o peine que porta una lamina de plástica que arrastra de manera uniforme la pintura. De esta manera se obtiene el producto final o estampación.
BIBLIOGRAFIA
Iriarte, Maria Elvira, Historia de la serigrafía en Colombia, Ed. Universidad Nacional De Colombia, 1986, Bogotá.
TECNICA ARTES GRAFICAS
Marco teórico Artes Gráficas
Lo impreso es algo que puede ser visto como empresa, ya que son multitud de usos los que pueden ser percibidos con nuestros ojos, sin tener en cuenta la multitud de formas de impresión.
Si miramos des de el hombre y su historia impresa, los primeros ensayos hechos por el hombre para tratar de tener un elemento visual de su vida data de hace 30000 años, todos ellos llamados Pictogramas y seguidos de los ideogramas, los cuiniformes Persas, los jeroglíficos Egipcios, y diez siglos después por la escritura de los Fenicios.
La evidencia del primer ejemplo de impresión por medio de tipos móviles fue descubierta en 1908 por un arqueólogo Italiano en la isla de Creta. El encontró un cilindro de arcilla en las ruinas del palacio de Faistos que data del año 1500 a.C.
La impresión de tipos móviles apareció en China y en Corea en el siglo XI. En 1041, un chino Pi-Sheng, desarrollo caracteres de arcilla endurecida. No tuvieron completo éxito. Luego en Corea se desarrollo un tipo de móviles fundidos en bronce que se utilizaron ampliamente también en China. Hasta que apareció el sistema de Johann Gutenberg de caracteres separados para la impresión con tinta en papel a partir de una prensa. Algunos consideran que este es el fin de la edad media y el inicio de la edad moderna.
A partir de ese momento hasta nuestros días a existido un cambio radical en el modo de transferir la imagen al papel a través de la prensa y de esta manera podemos clasificarlo en cuatro tipos:
1- Imprenta
2- Litografía
3- Serigrafía
4- Huecograbado
1- Imprenta:
Es el más antiguo y el más versátil de los métodos de impresión existiendo equipos para tirajes cortos, medianos y largos: es utilizado común mente para el tiraje de libros, periódicos, revistas, etiquetas y decoraciones.
La imprenta imprime por medio de relieve, es el único proceso que utiliza tipo de imprenta directa. la impresión se hace a partir de una plancha fundida donde las áreas de impresión están en relieve sobre la superficie. Para este tipo de impresiones existen diferente tipo de prensas: prensa de platina, prensa de cama y cilindro y la rotativa.
2- Litografía:
El principio básico de la litografía es escribir en piedra, fue descubierto `por Alois Senefelder en Munich alrededor de 1798, trabajando sobre una piedra muy porosa, se dibuja el diseño con una sustancia grasosa la cual es absorbida por la piedra, luego se moja toda la superficie de la piedra, absorbiendo esta en las partes no dibujadas mientras que las otras la repelen, luego se esparce la tinta sobre la superficie y se nota que esta solo se adhiere sobre la superficie dibujada, luego de este proceso se utiliza la prensa para la impresión. A partir de este proceso se deriva el de Litografía Offset, consiste en el mismo método anterior pero sobre láminas de metal, es hoy día el más empleado.
3- Serigrafía:
Conocido inicialmente como Silk Screen (malla de seda) este método emplea un estencil poroso. Una malla fina de seda, montada en un marco en la cual se realiza la imagen o en su efecto se hace un clisé en cartón para ser estampado después de aplicar tinta sobre este y ser esparcido con una banda de caucho o rasqueta. Es muy utilizado en la estampación de ropa, afiches, pasacalles etc.
4- Huecograbado
Mientras en la imprenta y en la tipografía se imprime la parte superior en este tipo de técnica lo que se imprime es el hueco previamente entintado, este se desarrolla sobre laminas de metal, madera o acrílicos que son intervenidos de manera manual o por la acción de químicos abrasivos que realizan la incisión necesaria, estos toman diferentes nombres: aguafuerte, aguatinta, punta seca, linóleo, xilograbado, impresión indirecta, monotipo. Etc.
· Monotipo:
Se considera monotipo, el resultado de una matriz que no permite una serie o tiraje consecutivo, pero si un original o varios con diferentes resultados. Dentro de este tipo de copias podemos ubicar las pruebas de estado (P/E) o las pruebas de autor (P/A).
· Impresión indirecta:
Se considera impresión indirecta, el resultado obtenido después de transferir una imagen ya impresa por medio de disolventes sobre otra superficie deseada.
· Xilograbado:
Se considera xilograbado, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de madera. El procedimiento es censillo, si partimos de una zona ennegrecida sobre la superficie de madera y retiramos partes formando huecos con una herramienta corto punzante, construiremos a manera de dibujo las partes blancas de la imagen, la matriz de madera es entintada de manera superficial para realizar la impresión gráfica.
· Linóleo:
Se considera linóleo, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de un material sintético con el que se fabrican suelas para zapato. Se desarrolla el mismo procedimiento del xilograbado pero la impresión es de diferente calidad ya que este no posee texturas de tramas como el existente en la madera. El proceso mas cercano o idéntico a este proceso grafico son los sellos de las diferentes oficinas.
· Punta seca:
Se considera Punta seca, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal o lamina sintética. El procedimiento esta estrechamente relacionado con el rasgar, ya que la superficie es presionada por medio de un punzón que retira levemente el material de la superficie a lado y lado de la incisión, el material sobrante del procedimiento, de esta manera se deja impresa la imagen deseada sobre la matriz. Para desarrollar la impresión grafica; se esparce pintura dentro de las incisiones y se elimina el exceso de pintura existente sobre la superficie que luego es impresa sobre un soporte de papel por medio de una prensa de torniquete.
· Aguafuerte:
Se considera aguafuerte, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal (hierro, cobre, cinc). En el proceso de fabricación de la matriz son empleados asidos abrasivos que retiran el material para dejar la incisión requerida para representar la imagen. Nota: el mismo proceso se desarrolla para el aguatinta. Para desarrollar la impresión se desarrolla el mismo procedimiento empleado en la punta seca.
Como dijimos antes el grabado a existido desde que existe el hombre pero debemos destacar algunos grabadores en la historia del arte:
Juan Van Eyck, Aldo Manucio, Durero, Francesco Mazzuoli, Rafael, Rembrandt, Goya. Etc.
Lo impreso es algo que puede ser visto como empresa, ya que son multitud de usos los que pueden ser percibidos con nuestros ojos, sin tener en cuenta la multitud de formas de impresión.
Si miramos des de el hombre y su historia impresa, los primeros ensayos hechos por el hombre para tratar de tener un elemento visual de su vida data de hace 30000 años, todos ellos llamados Pictogramas y seguidos de los ideogramas, los cuiniformes Persas, los jeroglíficos Egipcios, y diez siglos después por la escritura de los Fenicios.
La evidencia del primer ejemplo de impresión por medio de tipos móviles fue descubierta en 1908 por un arqueólogo Italiano en la isla de Creta. El encontró un cilindro de arcilla en las ruinas del palacio de Faistos que data del año 1500 a.C.
La impresión de tipos móviles apareció en China y en Corea en el siglo XI. En 1041, un chino Pi-Sheng, desarrollo caracteres de arcilla endurecida. No tuvieron completo éxito. Luego en Corea se desarrollo un tipo de móviles fundidos en bronce que se utilizaron ampliamente también en China. Hasta que apareció el sistema de Johann Gutenberg de caracteres separados para la impresión con tinta en papel a partir de una prensa. Algunos consideran que este es el fin de la edad media y el inicio de la edad moderna.
A partir de ese momento hasta nuestros días a existido un cambio radical en el modo de transferir la imagen al papel a través de la prensa y de esta manera podemos clasificarlo en cuatro tipos:
1- Imprenta
2- Litografía
3- Serigrafía
4- Huecograbado
1- Imprenta:
Es el más antiguo y el más versátil de los métodos de impresión existiendo equipos para tirajes cortos, medianos y largos: es utilizado común mente para el tiraje de libros, periódicos, revistas, etiquetas y decoraciones.
La imprenta imprime por medio de relieve, es el único proceso que utiliza tipo de imprenta directa. la impresión se hace a partir de una plancha fundida donde las áreas de impresión están en relieve sobre la superficie. Para este tipo de impresiones existen diferente tipo de prensas: prensa de platina, prensa de cama y cilindro y la rotativa.
2- Litografía:
El principio básico de la litografía es escribir en piedra, fue descubierto `por Alois Senefelder en Munich alrededor de 1798, trabajando sobre una piedra muy porosa, se dibuja el diseño con una sustancia grasosa la cual es absorbida por la piedra, luego se moja toda la superficie de la piedra, absorbiendo esta en las partes no dibujadas mientras que las otras la repelen, luego se esparce la tinta sobre la superficie y se nota que esta solo se adhiere sobre la superficie dibujada, luego de este proceso se utiliza la prensa para la impresión. A partir de este proceso se deriva el de Litografía Offset, consiste en el mismo método anterior pero sobre láminas de metal, es hoy día el más empleado.
3- Serigrafía:
Conocido inicialmente como Silk Screen (malla de seda) este método emplea un estencil poroso. Una malla fina de seda, montada en un marco en la cual se realiza la imagen o en su efecto se hace un clisé en cartón para ser estampado después de aplicar tinta sobre este y ser esparcido con una banda de caucho o rasqueta. Es muy utilizado en la estampación de ropa, afiches, pasacalles etc.
4- Huecograbado
Mientras en la imprenta y en la tipografía se imprime la parte superior en este tipo de técnica lo que se imprime es el hueco previamente entintado, este se desarrolla sobre laminas de metal, madera o acrílicos que son intervenidos de manera manual o por la acción de químicos abrasivos que realizan la incisión necesaria, estos toman diferentes nombres: aguafuerte, aguatinta, punta seca, linóleo, xilograbado, impresión indirecta, monotipo. Etc.
· Monotipo:
Se considera monotipo, el resultado de una matriz que no permite una serie o tiraje consecutivo, pero si un original o varios con diferentes resultados. Dentro de este tipo de copias podemos ubicar las pruebas de estado (P/E) o las pruebas de autor (P/A).
· Impresión indirecta:
Se considera impresión indirecta, el resultado obtenido después de transferir una imagen ya impresa por medio de disolventes sobre otra superficie deseada.
· Xilograbado:
Se considera xilograbado, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de madera. El procedimiento es censillo, si partimos de una zona ennegrecida sobre la superficie de madera y retiramos partes formando huecos con una herramienta corto punzante, construiremos a manera de dibujo las partes blancas de la imagen, la matriz de madera es entintada de manera superficial para realizar la impresión gráfica.
· Linóleo:
Se considera linóleo, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de un material sintético con el que se fabrican suelas para zapato. Se desarrolla el mismo procedimiento del xilograbado pero la impresión es de diferente calidad ya que este no posee texturas de tramas como el existente en la madera. El proceso mas cercano o idéntico a este proceso grafico son los sellos de las diferentes oficinas.
· Punta seca:
Se considera Punta seca, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal o lamina sintética. El procedimiento esta estrechamente relacionado con el rasgar, ya que la superficie es presionada por medio de un punzón que retira levemente el material de la superficie a lado y lado de la incisión, el material sobrante del procedimiento, de esta manera se deja impresa la imagen deseada sobre la matriz. Para desarrollar la impresión grafica; se esparce pintura dentro de las incisiones y se elimina el exceso de pintura existente sobre la superficie que luego es impresa sobre un soporte de papel por medio de una prensa de torniquete.
· Aguafuerte:
Se considera aguafuerte, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal (hierro, cobre, cinc). En el proceso de fabricación de la matriz son empleados asidos abrasivos que retiran el material para dejar la incisión requerida para representar la imagen. Nota: el mismo proceso se desarrolla para el aguatinta. Para desarrollar la impresión se desarrolla el mismo procedimiento empleado en la punta seca.
Como dijimos antes el grabado a existido desde que existe el hombre pero debemos destacar algunos grabadores en la historia del arte:
Juan Van Eyck, Aldo Manucio, Durero, Francesco Mazzuoli, Rafael, Rembrandt, Goya. Etc.
TECNICA DE DIBUJO A LA TINTA
TECNICA DE DIBUJO A LA TINTA
En un sentido literal tinta es todo elemento colorante que tiñe una superficie. En el mercado existen un sin numero de materiales que cumplen tal objetivo de los cuales podemos mencionar: lapiceros, estilógrafos, tinta china, y además debemos incluir todos los materiales orgánicos que manchan cualquier tipo de superficie.
La mas mencionada en el mercado del arte es la tinta china, liquido resinoso extraído mediante la combustión de algunos arbustos, que permite un sin numero de tratamientos técnicos para la ejecución de obras artísticas.
El tratamiento gráfico más cotidiano es el lineal, que se ejecuta a partir de un instrumento conocido como plumilla (punta metálica con diferentes formas y durezas con una extensión) la cual permite una gran elaboración de trazos y valoraciones tonales al fluir la tinta sobre la superficie.
La plumilla permite un trazo continuo e uniforme por lo que su uso se hace indispensable en el dibujo a línea en tinta. El trazo realizado con plumilla puede ser entrecortado o bien continuo, teniendo que recargar la pluma de tinta cuando esta se haya agotado.
El dibujo realizado con plumilla dura podrá ser reemplazado por el estilografo o por su efecto el lapicero de uso cotidiano.
Las degradaciones tonales están determinadas en unos casos por el entramado de líneas o por la saturación de la tinta.
Pero se debe mencionar que existe otro tipo de técnica, que parte de la utilización de pinceles, donde la tinta impresa logra diferente calidad de grises al disolverce en su vehículo dispersor.
La técnica de la aguada posee elementos pictóricos pero se encuentra mas cerca del dibujo ya que posee elementos monocromáticos durante su ejecución, es decir un solo tinte.
La aguada parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza de menos a mas, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros sean los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo es de suma importancia dejar establecido desde un primer momento cual va a ser la principal zona de trabajo en el dibujo; para de esta forma poder medir con exactitud que tonalidades de grises corresponden a cada zona.
El método más sencillo realizar boceto a lápiz y luego determinar los tonos por zonas y realizar reservas de blancos con pegaucho y en caso de equivocare utilizar papel absorbente en las zonas húmedas resientes.
En nuestra materia practicaremos la técnica de la tinta así:
· Los elementos lineales a partir de la utilización del lapicero de tinta negra o en su efecto azul.
· La aguada será trabajada a partir de la tinta del café instantáneo
BIBLIOGRAFIA
Parramon, Manual de Dibujo, 1996, Ed Parramon Pp 58-59, 70-75, 84-87
En un sentido literal tinta es todo elemento colorante que tiñe una superficie. En el mercado existen un sin numero de materiales que cumplen tal objetivo de los cuales podemos mencionar: lapiceros, estilógrafos, tinta china, y además debemos incluir todos los materiales orgánicos que manchan cualquier tipo de superficie.
La mas mencionada en el mercado del arte es la tinta china, liquido resinoso extraído mediante la combustión de algunos arbustos, que permite un sin numero de tratamientos técnicos para la ejecución de obras artísticas.
El tratamiento gráfico más cotidiano es el lineal, que se ejecuta a partir de un instrumento conocido como plumilla (punta metálica con diferentes formas y durezas con una extensión) la cual permite una gran elaboración de trazos y valoraciones tonales al fluir la tinta sobre la superficie.
La plumilla permite un trazo continuo e uniforme por lo que su uso se hace indispensable en el dibujo a línea en tinta. El trazo realizado con plumilla puede ser entrecortado o bien continuo, teniendo que recargar la pluma de tinta cuando esta se haya agotado.
El dibujo realizado con plumilla dura podrá ser reemplazado por el estilografo o por su efecto el lapicero de uso cotidiano.
Las degradaciones tonales están determinadas en unos casos por el entramado de líneas o por la saturación de la tinta.
Pero se debe mencionar que existe otro tipo de técnica, que parte de la utilización de pinceles, donde la tinta impresa logra diferente calidad de grises al disolverce en su vehículo dispersor.
La técnica de la aguada posee elementos pictóricos pero se encuentra mas cerca del dibujo ya que posee elementos monocromáticos durante su ejecución, es decir un solo tinte.
La aguada parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza de menos a mas, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros sean los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo es de suma importancia dejar establecido desde un primer momento cual va a ser la principal zona de trabajo en el dibujo; para de esta forma poder medir con exactitud que tonalidades de grises corresponden a cada zona.
El método más sencillo realizar boceto a lápiz y luego determinar los tonos por zonas y realizar reservas de blancos con pegaucho y en caso de equivocare utilizar papel absorbente en las zonas húmedas resientes.
En nuestra materia practicaremos la técnica de la tinta así:
· Los elementos lineales a partir de la utilización del lapicero de tinta negra o en su efecto azul.
· La aguada será trabajada a partir de la tinta del café instantáneo
BIBLIOGRAFIA
Parramon, Manual de Dibujo, 1996, Ed Parramon Pp 58-59, 70-75, 84-87
PROGRAMA ED. ARTISTICA
Institución Educativa Rural el Hatillo Barbosa - Antioquia - Colombia
Educación Artística propuesta Docente Juan Carlos Florez Arcila
El programa implementado dentro de la institución busca en sus alumnos una capacidad de reflexión ante su entorno, brindándole una optima capacitación en técnicas artísticas apropiadas para sus elementos expresivos durante su desarrollo.
El Dibujo
El dibujo es la manifestación primaria de todo proceso creativo en el Arte, que busca representar el mundo exterior al plano.
Métodos en el Dibujo
* Expresivo:
Son los movimientos lineales que dejan huella de representación, su principal característica es la individualidad expresiva, la más común es la letra de cada persona.
* Cuadricula:
Método de reproducción para reducir o ampliar una representación ya existente a la cual se le genera una cuadricula acorde a la imagen.
*Visor:
Método de reproducción del mundo real a partir de una ventana a través de la cual se observa para realizar la reproducción.
* Canon:
Método de reproducción de figuras a partir de elementos o reglas preestablecidas por una cultura.
* Perspectiva:
Método de reproducción de elementos arquitectónicos de manera tridimensional en un plano las mas utilizadas son Paralela, Oblicua, Aérea.
Técnicas de Dibujo
En el mercado existen diferentes utensilios artísticos para la huella en el dibujo, entre muchos mencionaré los siguientes:
* Lápiz:
Es un elemento construido a partir de partículas de grafito con un aglutinante de resina más un componente de petróleo los cuales determinan el grado de dureza del lápiz.
Blandos (B) Duros (H). la principal característica del lápiz es la calidad de grises.
* Pastel:
Es un elemento construido a partir de partículas de creta y minerales el aglutinante es una mínima parte de resina, la principal característica los colores que poseen una alta intensidad de luminosidad.
* Lápiz de Color:
Es un elemento construido a partir de tierras minerales, resina y un componente de petróleo que determina su dureza, se emplea de la misma manera que el lápiz pero bajo la presencia del color.
* Aguada:
Es toda pintura monocromática diluida en agua que se aplica con pincel determinando la diferente calidad de escalas tonales.
Técnica de Grabado
Se considera grabado toda sustracción de material que genere incisión o ranura en una superficie, por lo cual es considerada una de las técnicas más antiguas en la historia del Hombre
En nuestra época contemporánea los artistas y algunos teóricos del arte le han designado algunos nombres característicos a los deferentes métodos implementados para el desarrollo de la técnica del grabado:
* Impresión indirecta:
Cuando una imagen ya impresa se traspasa a una superficie limpia por acción de un disolvente.
* xilograbado:
Cuando se realiza la incisión sobre una plancha de madera y luego es impresa en papel por acción manual.
* Punta Seca:
Cuando se realiza una incisión a una superficie por medio de un punzón y luego es impresa en un papel en limpio por acción de una prensa
* Agua Fuerte:
Cuando se realiza una incisión a una superficie por medio de un ácido y luego es impresa en un papel en limpio por acción de una prensa
Pintura Acrílica
Esta pintura es relativamente joven ya que fue puesta en consideración por la mayoría de los artistas a mediados del año de 1950 en Estados Unidos para luego ser difundida por todo el mundo.
Este tipo de pintura esta compuesta por un pigmento o colorante y un aglutinante que es un polímero sintético (Acrilato) o nombre común (acronal), su diluyente es el agua, su principal característica el rápido secado.
Uno de los máximos exponentes de este tipo de pintura en Colombia fue Alejandro Obregón.
Pintura al Temple
Algunas personas consideran que es una de las pinturas mas antiguas ya que se encuentran registros de su utilización en Egipto, aunque su gran auge se presento durante la época Medieval para la decoración de iglesias y perduro hasta principios del Renacimiento donde fue sustituido en gran parte en las pinturas de caballete por el Óleo
Este tipo de pintura esta compuesta por un pigmento o colorante y un aglutinante compuesto por huevo y aceite de linaza, su diluyente es el agua, su principal característica es su aplicación sobre superficies duras como madera o muro su rápido secado y apariencia brillante.
Sus máximos exponentes se encuentran en la época Medieval y algunos artistas del Renacimiento Italiano.
Serigrafía
Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.
En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida por la familia Jaramillo en Bogota. De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.
Técnica de Escultura
En un concepto tradicional se considera elemento escultórico todo objeto que podemos observar y tocar bajo tres dimensiones (alto, ancho, largo y profundidad) y en nuestra época contemporánea surgen otros conceptos que rompen con lo anteriormente señalado:
Arte conceptual, Arte corporal, Arte de accion, Happening, Fluxus, Arte procesual, Ready-made, Environment, Land art, Arte mecanicista, Acumulación, Arte objetual, Cinetica, Contrarelieve, Minimal Art, Nuevo realismo, Sofa-escultura…Etc.
Técnica de Fotografía
La fotografía es un proceso físico y químico que tiene sus inicios en 1823 con los hermanos Daguere y Niepce quienes a través de una toma fotográfica de 14 horas lograron revelar su primera fotografía, nada comparable con el hoy.
La cámara es un elemento sencillo compuesto por un sito aislado a la luz donde se encuentra la película o rollo fotográfico (la película esta compuesta por haluros de plata), y delante de esta existe un orificio o lente por donde entra un rayo de luz al tomarse la fotografía, la toma o exposición corresponde a fracciones de segundo, donde los haluros de plata entran en contacto con la luz y se oxidan, así se genera lo que conocemos como negativo. El negativo entra en un proceso químico, conocido comúnmente como revelado, el paso final de copiado viene a ser el producto que se recibe del laboratorio fotográfico (imagen).
Técnica del Cine
El cine nace como sensación de feria o innovación científica un 28 de diciembre de 1895 en París. Los hermanos Lumiere son artífices de este nuevo Arte, el cual es más que un espectáculo, por ser el heredero rotundo de todas las manifestaciones artísticas en la historia del arte.
El cine como ciencia, es un proceso físico óptico que tiene sus inicios con la fotografía con la innovación fundamental del movimiento fotográfico sustentado en el poder que tiene el ojo de retener durante poco mas de 2/45 de segundo un objeto luminoso, a partir de dicho principio, si fotografiamos una secuencia que luego es proyectada una a una las fotografías por un lapso no mayor a 2/45 fracciones de segundo logramos la sensación de movimiento.
Para lo que nosotros conocemos por película pasa por los siguientes procesos:
· Pre- producción
· Producción
· Pos - Producción
Educación Artística propuesta Docente Juan Carlos Florez Arcila
El programa implementado dentro de la institución busca en sus alumnos una capacidad de reflexión ante su entorno, brindándole una optima capacitación en técnicas artísticas apropiadas para sus elementos expresivos durante su desarrollo.
El Dibujo
El dibujo es la manifestación primaria de todo proceso creativo en el Arte, que busca representar el mundo exterior al plano.
Métodos en el Dibujo
* Expresivo:
Son los movimientos lineales que dejan huella de representación, su principal característica es la individualidad expresiva, la más común es la letra de cada persona.
* Cuadricula:
Método de reproducción para reducir o ampliar una representación ya existente a la cual se le genera una cuadricula acorde a la imagen.
*Visor:
Método de reproducción del mundo real a partir de una ventana a través de la cual se observa para realizar la reproducción.
* Canon:
Método de reproducción de figuras a partir de elementos o reglas preestablecidas por una cultura.
* Perspectiva:
Método de reproducción de elementos arquitectónicos de manera tridimensional en un plano las mas utilizadas son Paralela, Oblicua, Aérea.
Técnicas de Dibujo
En el mercado existen diferentes utensilios artísticos para la huella en el dibujo, entre muchos mencionaré los siguientes:
* Lápiz:
Es un elemento construido a partir de partículas de grafito con un aglutinante de resina más un componente de petróleo los cuales determinan el grado de dureza del lápiz.
Blandos (B) Duros (H). la principal característica del lápiz es la calidad de grises.
* Pastel:
Es un elemento construido a partir de partículas de creta y minerales el aglutinante es una mínima parte de resina, la principal característica los colores que poseen una alta intensidad de luminosidad.
* Lápiz de Color:
Es un elemento construido a partir de tierras minerales, resina y un componente de petróleo que determina su dureza, se emplea de la misma manera que el lápiz pero bajo la presencia del color.
* Aguada:
Es toda pintura monocromática diluida en agua que se aplica con pincel determinando la diferente calidad de escalas tonales.
Técnica de Grabado
Se considera grabado toda sustracción de material que genere incisión o ranura en una superficie, por lo cual es considerada una de las técnicas más antiguas en la historia del Hombre
En nuestra época contemporánea los artistas y algunos teóricos del arte le han designado algunos nombres característicos a los deferentes métodos implementados para el desarrollo de la técnica del grabado:
* Impresión indirecta:
Cuando una imagen ya impresa se traspasa a una superficie limpia por acción de un disolvente.
* xilograbado:
Cuando se realiza la incisión sobre una plancha de madera y luego es impresa en papel por acción manual.
* Punta Seca:
Cuando se realiza una incisión a una superficie por medio de un punzón y luego es impresa en un papel en limpio por acción de una prensa
* Agua Fuerte:
Cuando se realiza una incisión a una superficie por medio de un ácido y luego es impresa en un papel en limpio por acción de una prensa
Pintura Acrílica
Esta pintura es relativamente joven ya que fue puesta en consideración por la mayoría de los artistas a mediados del año de 1950 en Estados Unidos para luego ser difundida por todo el mundo.
Este tipo de pintura esta compuesta por un pigmento o colorante y un aglutinante que es un polímero sintético (Acrilato) o nombre común (acronal), su diluyente es el agua, su principal característica el rápido secado.
Uno de los máximos exponentes de este tipo de pintura en Colombia fue Alejandro Obregón.
Pintura al Temple
Algunas personas consideran que es una de las pinturas mas antiguas ya que se encuentran registros de su utilización en Egipto, aunque su gran auge se presento durante la época Medieval para la decoración de iglesias y perduro hasta principios del Renacimiento donde fue sustituido en gran parte en las pinturas de caballete por el Óleo
Este tipo de pintura esta compuesta por un pigmento o colorante y un aglutinante compuesto por huevo y aceite de linaza, su diluyente es el agua, su principal característica es su aplicación sobre superficies duras como madera o muro su rápido secado y apariencia brillante.
Sus máximos exponentes se encuentran en la época Medieval y algunos artistas del Renacimiento Italiano.
Serigrafía
Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.
En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida por la familia Jaramillo en Bogota. De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.
Técnica de Escultura
En un concepto tradicional se considera elemento escultórico todo objeto que podemos observar y tocar bajo tres dimensiones (alto, ancho, largo y profundidad) y en nuestra época contemporánea surgen otros conceptos que rompen con lo anteriormente señalado:
Arte conceptual, Arte corporal, Arte de accion, Happening, Fluxus, Arte procesual, Ready-made, Environment, Land art, Arte mecanicista, Acumulación, Arte objetual, Cinetica, Contrarelieve, Minimal Art, Nuevo realismo, Sofa-escultura…Etc.
Técnica de Fotografía
La fotografía es un proceso físico y químico que tiene sus inicios en 1823 con los hermanos Daguere y Niepce quienes a través de una toma fotográfica de 14 horas lograron revelar su primera fotografía, nada comparable con el hoy.
La cámara es un elemento sencillo compuesto por un sito aislado a la luz donde se encuentra la película o rollo fotográfico (la película esta compuesta por haluros de plata), y delante de esta existe un orificio o lente por donde entra un rayo de luz al tomarse la fotografía, la toma o exposición corresponde a fracciones de segundo, donde los haluros de plata entran en contacto con la luz y se oxidan, así se genera lo que conocemos como negativo. El negativo entra en un proceso químico, conocido comúnmente como revelado, el paso final de copiado viene a ser el producto que se recibe del laboratorio fotográfico (imagen).
Técnica del Cine
El cine nace como sensación de feria o innovación científica un 28 de diciembre de 1895 en París. Los hermanos Lumiere son artífices de este nuevo Arte, el cual es más que un espectáculo, por ser el heredero rotundo de todas las manifestaciones artísticas en la historia del arte.
El cine como ciencia, es un proceso físico óptico que tiene sus inicios con la fotografía con la innovación fundamental del movimiento fotográfico sustentado en el poder que tiene el ojo de retener durante poco mas de 2/45 de segundo un objeto luminoso, a partir de dicho principio, si fotografiamos una secuencia que luego es proyectada una a una las fotografías por un lapso no mayor a 2/45 fracciones de segundo logramos la sensación de movimiento.
Para lo que nosotros conocemos por película pasa por los siguientes procesos:
· Pre- producción
· Producción
· Pos - Producción
ELEMENMTOS DEL DIBUJO
ELEMENTOS DEL DIBUJO
Para comenzar el dibujo sobrepasa todos los ámbitos del producto artístico, ya que interviene también el mundo cotidiano, y es ese concepto cotidiano que le da el gran valor al producto intervenido llámese obra de arte u objeto banal.
El dibujo como mencioné antes esta en cada una de nuestras actividades desde el hecho cotidiano de escribir, es decir un simple gesto que concreta una estructura mediada por una expresión que da sentido a las ideas del creador.
Cuando hablamos del gesto, nos referimos a la huella marcada por el creador que nos permite establecer un orden en el momento de valorar la obra de arte el cual es personal y único.
La representación obtenida a partir de la gestualidad establece una mayor complejidad, ya que determina una forma sensible a nuestros sentidos, esta forma permite establecer una lectura mas conceptual. Sabemos también por lecturas anteriores que el concepto de la forma esta establecida por la cultura; y en ocasiones la cultura supera a la forma dándole a esta el sentido de patrimonio innegable.
Que son entonces los dibujos. Los dibujos fuera de representar así parezca obvio son dibujos. Pero poseen la particularidad de que son elementos concretos determinados por los científicos, los arquitectos, los geógrafos y los artistas obviamente que determinan cualidades determinadas por sus destrezas.
En este caso nos interesa el concepto de dibujo planteado por los artistas; existen muchísimos conceptos apropiados y validos que podemos mencionar, pero para no confundirnos miraremos uno que es muy apropiado:
BRUCE NAUMAN (Americano)
“Dibujar es equivalente a pensar. Algunos dibujos se hacen con la misma intención con que se escribe: son notas que se toman. Otros tratan de resolver el ejercicio de una escultura en particular, o de imaginar como funciona, existe otro tipo de dibujos representasionales de obras, que se realizan después de las mismas, dándoles un nuevo enfoque. Todos ellos posibilitan una aproximación sistemática en el trabajo, incluso si a menudo fuerzan su lógica interna hasta el absurdo.” Aunque podemos hablar de otros conceptos como: “ Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.” A partir de esto podríamos preguntarnos cual es nuestro concepto de dibujo?
Cuando hablamos de dibujo tenemos que entrar en un elemento particular y necesario los instrumentos y los soportes. En ese caso podemos decir: Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite
Hablando un poco más en detalle de historia,los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en (abrigos) rocosos y en el interior de cuevas. Desde estos tiempos, muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y pensamientos. Estos dibujos constituyen las formas más primitivas de escritura, que luego se convirtió en símbolos usados en la escritura actual.
El hombre desarrolló la representación gráfica en dos direcciones distintas, atendiendo a su propósito: La Artística y Técnico. Desde el comienzo de los tiempos, los artistas utilizaron dibujos para expresar ideas estética, filosóficas o abstractas grafía. En los tiempos antiguos grafía, prácticamente todo el mundo era iletrado. No existía la imprenta, y por tanto, no había periódicos ni libros se escribían como los hay en asequibles al publico en general. Las gentes aprendían escuchando a sus nuestros días. Los libros se escribían a mano en papiro o en pergamino y no eran superiores y mirando esculturas, cuadros o dibujos en los lugares públicos. Todos podían atender un, cuadros, y éstos eran la fuentes principal de información. El artista no era simplemente un artista en sentido esté, era un maestro o un filósofo, un medio de expresión y de comunicación. La otra directiva que guió al dibujo en su desarrollo fue la historia la técnica. Desde los comienzos de la historia registrada, el hombre se valió de dibujos para representar su diseño de los objetos por fabricar o construir. No queda rastro alguno de estos primeros dibujo, pero se sabe en forma definitiva que el hombre usó dibujos, porque no podría haber diseñado y construido lo que hizo sin usar dibujos relativamente precisos.
El dibujo técnico más antiguo que se conoce, y que todavía existe, es la vista en planta del diseño de una fortaleza que hizo el ingeniero caldeo Cudea, y que aparece grabado en una loseta de piedra, es notable la semejanza que guarda este dibujo con los preparados por los arquitectos de nuestros días, a pesar de haber sido “ dibujado” miles de años antes de que se inventara el papel. La primera prueba escrita de la aplicación del dibujo técnico tuvo lugar en el año 30 a.C., cuando el arquitecto romano Vitruvius escribió un tratado sobre arquitectura en el que dice, “El arquitecto debe ser diestro con el lápiz y tener conocimiento del dibujo, de manera que pueda preparar con facilidad y rapidez los dibujos que se requieran para mostrar la apariencia de la obra que se proponga construir”. Luego continúa discutiendo el uso de la regla y de los compases para las construcciones geométricas, para el trazado de la planta y la elevación de un edificio y para dibujar perspectivas. En los museos pueden verse ejemplares reales de los primeros instrumentos de dibujo. Los compases eran de bronce y tenían aproximadamente el mismo tamaño que los de hoy día. El compás antiguo se parecía a los compases de puntas de la actualidad. Las plumillas se cortaban de tallos delgados. La teoría de las proyecciones de objetos sobre planos imaginarios de proyección no se desarrolló sino hasta la primera parte del siglo quince, y su desarrollo se debe a los arquitectos italianos Albe Brunelleschi y otros. Es del conocimiento general que Leonardo da Vinci usaba dibujos para transmitir a los demás sus ideas y diseños para construcciones mecánicas, y muchos de tales dibujos existen hoy en día. Sin embargo, no está muy claro, si Leonardo hizo alguna vez dibujos mecánicos en los que aparecieran las vistas ortográficas como las que se hacen en la actualidad, pero es muy probable que sí. Monografía Julián Tiburcio G. País: República Dominicana
Bibliografía
www.monografias.com
www.dibujotecnico.com
GOMEZ, Juan José, LAS LECCIONES DE DIBUJO, ed. Cátedra, 1995
Para comenzar el dibujo sobrepasa todos los ámbitos del producto artístico, ya que interviene también el mundo cotidiano, y es ese concepto cotidiano que le da el gran valor al producto intervenido llámese obra de arte u objeto banal.
El dibujo como mencioné antes esta en cada una de nuestras actividades desde el hecho cotidiano de escribir, es decir un simple gesto que concreta una estructura mediada por una expresión que da sentido a las ideas del creador.
Cuando hablamos del gesto, nos referimos a la huella marcada por el creador que nos permite establecer un orden en el momento de valorar la obra de arte el cual es personal y único.
La representación obtenida a partir de la gestualidad establece una mayor complejidad, ya que determina una forma sensible a nuestros sentidos, esta forma permite establecer una lectura mas conceptual. Sabemos también por lecturas anteriores que el concepto de la forma esta establecida por la cultura; y en ocasiones la cultura supera a la forma dándole a esta el sentido de patrimonio innegable.
Que son entonces los dibujos. Los dibujos fuera de representar así parezca obvio son dibujos. Pero poseen la particularidad de que son elementos concretos determinados por los científicos, los arquitectos, los geógrafos y los artistas obviamente que determinan cualidades determinadas por sus destrezas.
En este caso nos interesa el concepto de dibujo planteado por los artistas; existen muchísimos conceptos apropiados y validos que podemos mencionar, pero para no confundirnos miraremos uno que es muy apropiado:
BRUCE NAUMAN (Americano)
“Dibujar es equivalente a pensar. Algunos dibujos se hacen con la misma intención con que se escribe: son notas que se toman. Otros tratan de resolver el ejercicio de una escultura en particular, o de imaginar como funciona, existe otro tipo de dibujos representasionales de obras, que se realizan después de las mismas, dándoles un nuevo enfoque. Todos ellos posibilitan una aproximación sistemática en el trabajo, incluso si a menudo fuerzan su lógica interna hasta el absurdo.” Aunque podemos hablar de otros conceptos como: “ Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.” A partir de esto podríamos preguntarnos cual es nuestro concepto de dibujo?
Cuando hablamos de dibujo tenemos que entrar en un elemento particular y necesario los instrumentos y los soportes. En ese caso podemos decir: Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite
Hablando un poco más en detalle de historia,los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en (abrigos) rocosos y en el interior de cuevas. Desde estos tiempos, muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y pensamientos. Estos dibujos constituyen las formas más primitivas de escritura, que luego se convirtió en símbolos usados en la escritura actual.
El hombre desarrolló la representación gráfica en dos direcciones distintas, atendiendo a su propósito: La Artística y Técnico. Desde el comienzo de los tiempos, los artistas utilizaron dibujos para expresar ideas estética, filosóficas o abstractas grafía. En los tiempos antiguos grafía, prácticamente todo el mundo era iletrado. No existía la imprenta, y por tanto, no había periódicos ni libros se escribían como los hay en asequibles al publico en general. Las gentes aprendían escuchando a sus nuestros días. Los libros se escribían a mano en papiro o en pergamino y no eran superiores y mirando esculturas, cuadros o dibujos en los lugares públicos. Todos podían atender un, cuadros, y éstos eran la fuentes principal de información. El artista no era simplemente un artista en sentido esté, era un maestro o un filósofo, un medio de expresión y de comunicación. La otra directiva que guió al dibujo en su desarrollo fue la historia la técnica. Desde los comienzos de la historia registrada, el hombre se valió de dibujos para representar su diseño de los objetos por fabricar o construir. No queda rastro alguno de estos primeros dibujo, pero se sabe en forma definitiva que el hombre usó dibujos, porque no podría haber diseñado y construido lo que hizo sin usar dibujos relativamente precisos.
El dibujo técnico más antiguo que se conoce, y que todavía existe, es la vista en planta del diseño de una fortaleza que hizo el ingeniero caldeo Cudea, y que aparece grabado en una loseta de piedra, es notable la semejanza que guarda este dibujo con los preparados por los arquitectos de nuestros días, a pesar de haber sido “ dibujado” miles de años antes de que se inventara el papel. La primera prueba escrita de la aplicación del dibujo técnico tuvo lugar en el año 30 a.C., cuando el arquitecto romano Vitruvius escribió un tratado sobre arquitectura en el que dice, “El arquitecto debe ser diestro con el lápiz y tener conocimiento del dibujo, de manera que pueda preparar con facilidad y rapidez los dibujos que se requieran para mostrar la apariencia de la obra que se proponga construir”. Luego continúa discutiendo el uso de la regla y de los compases para las construcciones geométricas, para el trazado de la planta y la elevación de un edificio y para dibujar perspectivas. En los museos pueden verse ejemplares reales de los primeros instrumentos de dibujo. Los compases eran de bronce y tenían aproximadamente el mismo tamaño que los de hoy día. El compás antiguo se parecía a los compases de puntas de la actualidad. Las plumillas se cortaban de tallos delgados. La teoría de las proyecciones de objetos sobre planos imaginarios de proyección no se desarrolló sino hasta la primera parte del siglo quince, y su desarrollo se debe a los arquitectos italianos Albe Brunelleschi y otros. Es del conocimiento general que Leonardo da Vinci usaba dibujos para transmitir a los demás sus ideas y diseños para construcciones mecánicas, y muchos de tales dibujos existen hoy en día. Sin embargo, no está muy claro, si Leonardo hizo alguna vez dibujos mecánicos en los que aparecieran las vistas ortográficas como las que se hacen en la actualidad, pero es muy probable que sí. Monografía Julián Tiburcio G. País: República Dominicana
Bibliografía
www.monografias.com
www.dibujotecnico.com
GOMEZ, Juan José, LAS LECCIONES DE DIBUJO, ed. Cátedra, 1995
HISTORIA ARTE MODERNO
¿HACIA DONDE VA EL ARTE?
¿Hacia donde va el arte? ¿Cuáles son las tendencias artísticas del siglo XXI? Los conceptos de uno de los críticos de arte mas calificados de Hispanoamérica. Su visión de perspectiva sobre las tendencias y corrientes contemporáneas.
Por Leonel Estrada
Para muchos amantes de la cultura, la única salvación que le queda al arte actual es un regreso a lo de antes. Volver a lo académico, al realismo y ante todo, despojarlo de sofisticamientos y de experimentaciones. Sin embargo, es bien distinto lo que piensa la mayoría de los artistas y creadores del mundo actual. Los constantes avances científicos y tecnológicos, el lógico evolucionar del gusto y de las modas, el distinto funcionamiento de la sociedad obligan a aceptar que estos hechos tienen que seguir influyendo en los constantes cambios que van a continuar revelando en actitudes diferentes ante él hecho estético.
Con la llegada en 1860 del Impresionismo se rompe con el tradicional concepto del cuadro como ”ventana abierta hacia el horizonte” y se inicia también las corrientes modernas que dan rienda suelta a la creatividad hasta producir un hastío que hace pensar, unos años mas tarde, en “ la muerte del arte”. Pero en verdad, no se sucede tal muerte y por el contrario, el ambiente del siglo XX esa de apertura y de búsqueda. Al comenzar el año 1900 toman fuerza además del Impresionismo, el Expresionismo y el Fauvismo. Siguieron a estos el Cubismo, el Futurismo y el Surrealismo, prácticamente estos movimientos fueron los que rompieron con la pintura académica y realista. Aparece luego el Arte Abstracto y sobre una nueva autopista para toda clase de libertades: el Geometrismo, el Tachismo, el Espacialismo, la pintura Matérica, y el Antiarte.
Pero las mayores empresas se suceden después de 1950. Surge el Antiarte, el Sonocinetismo y lo menos esperado, el Pop Art o arte de la sociedad de consumo que incorpora el arte comercial, lo urbano, las etiquetas de los supermercados, Etc. Posteriormente llegan los Happenings, el Arte Blando y el Arte de Borde Duro. Comenzando el año 1960, las revoluciones artísticas llegan a su acmé. Surgen aportes del cine, de las tiras cómicas, de la publicidad, etc. Los nuevos descubrimientos como la televisión, el vídeo, los escaners, los CDR, el fax, las multicopiadoras favorecen la inventiva y permiten realizar búsquedas que se relacionan con otras artes como la música, la poesía, la danza. Pero la marcha no se detiene, aparece el Arte Antimuseo, el Arte Corporal o Body Art, el Arte de Ideas, conocido como Arte Conceptual. Ya a finales del siglo XX aparecen el Deconstructivismo, el llamado Aperto 90, el Kalte Kunst o Arte Frío, el Arte Global, las Instalaciones, y los Espacios Poéticos, que son escenarios en que se combina la realidad con la ficción, lo objetivo con lo simulado, mas todas las tendencias y experiencias del momento. El panorama sigue cambiando y esto lo revelan eventos importantes como las bienales de Venecia con sus cien años de existencia, la de Florencia, la de Sao Paulo y la de Kassel en Alemania. Precisamente en esta ultima y a propósito de la pasada XI Documenta de Kassel del 2002 se opero un desconcertante cambio de orientación que fue de impacto. Su director, el nigeriano Okwui Enwezor, abrió todas las fronteras de la plástica y permitió pasar lo estético a un segundo plano para, en cambio, generar ideas y preguntas. Los 118 artistas participantes en ella no se preocuparon ni de soportes ni de medios plásticos. Se debatieron temas como la contaminación ambiental, la recuperación ecológica, la economía y otros asuntos tan extraños como la ética y la justicia social a través de la radio, la televisión y el teatro. Asuntos muy ajenos a la plástica que exigieron un público más sensibilizado y preparado. Pero aún estas ideas y planteamientos no resultaron nuevos. Ya los dadaístas en 1918 y más tarde los creadores de arte conceptual desde mediados del siglo XX, habían buscado desmaterializar el arte y acabar con las obras originales que se llevaban a los museos, a las galerías o las casas de los coleccionistas. Precisamente en la propia Alemania surgió a mediados de los 70 un soñador y visionario romántico, a la vez que reformador radical, Joseph Beuys quien buscó transformar el arte en conceptos sociológicos, en ideas políticas, en sentires. En nuestro continente americano, en la Argentina, también surge un artista que se atreve a realizar “intervenciones territoriales” Horacio Zabala es quien altera en mapas geográficos las fronteras soberanas de los países y hasta desvirtúa la extensión y el cubrimiento de los mares.
Imposible predecir que más puede venir ahora después del 2004. El hombre, el artista del siglo XXI (como lo hicieron en el siglo XX Picasso, Duchamp, Joseph Beuys, Christo Javacheff, Andy Warhol, etc.) continuará creando y muchos seguirán afirmando que el arte es “solo una simple huella en la arena del desierto”. La creatividad humana ayudada por la ciencia y con el aporte de los hemisferios cerebrales, seguirá produciendo inimaginables resultados y de esta manera cada país estará desarrollando su propia y original cultura: la cultura del siglo XXI.
BIBLIOGRAFÍA
ESTRADA, Leonel. El arte en el siglo XXII. El Colombiano, suplemento dominical, febrero 22 del 2004. PP 2, 3.
IMPRESIONISMO Y POS- IMPRESIONISMO
Otro gran sentimiento se llena en los corazones y es ¿cuándo empieza el arte moderno? ¿cuándo empieza a sentirce el bello aroma de nuestra época llena de cambios y adelantos en todos los ámbitos?
Podemos determinar a partir de la lectura de diferentes textos que ese momento es en el siglo XIX, ¿conque se da comienzo? O ¿conque obra representativa podemos dar ese comienzo? Creo que para cualquier interesado en las artes se le hace difícil y paradójico ubicar este santo grial.
No podemos entonces determinar cuando, como y por que se rompe alguna tendencia o manifestación artística, este es el verdadero caso de la aparición del Impresionismo que surge estrechamente ligado al Naturalismo, la suavidad de cambio estilístico no se hace casi notorio gracias a la estabilidad económica y social presente, ya que el año 1871 es un año relativamente transitorio en la historia de Francia a no ser por los grandes adelantos técnicos en su vida industrial. ¿podemos considerar estos grandes adelantos técnicos como precursores de una gran crisis intelectual y social? En cierta medida si, ya que el Hombre esta en continuo cambio y actualización, es eternamente moderno y competitivo y posee aquel impulso generador basado en el concepto de que lo nuevo es mejor.
La competencia va a la par de la velocidad técnica, a partir de esta premisa el intelectual de la época vivía una gran crisis alrededor de los nuevos centros urbanos, donde el tiempo y el hecho solo son elementos transitorios, donde la realidad no es un ser, sino un devenir, no un estado, sino un ocurrir. El intelectual de la época se preocupa por la representación de un equilibrio inestable que se funde en una experiencia concreta, temporal, y especialmente determinada: lo cotidiano la luz el color Etc.
Ante la aparición de un estilo o una nueva tendencia es prudente preguntare se trata realmente de una novedad o es la afloraciòn actualizada de ideas que coexistían vergonzosamente en épocas pasadas; podemos mencionar que ya en épocas pasadas como en el Romanticismo y en el Realismo ya existía un alto interés por el color y la luz e interpretaban estos fenómenos a través de diferentes estilos artísticos, algunos de estos estilos artistas que desarrollaron tal interés fueron: Jhon Constable, William Tuner, Gericault, Courbet, Camille Corot.
Courbet en cierta ocasión mencionaba “ El único tema posible en el arte es el realismo de la gente de la calle y la vida diaria” además este artista niega que la imaginación tenga algo que ver con el arte además afirmaba” El artista es capas de representar solamente lo que ve y toca y debe hacerlo con la mayor sencillez posible”. ¿ podemos nosotros considerar que esta aseveración pudo orientar a los artistas que le siguieron? Es de anotar que tal interés de Courbet le fue difícil ejecutar.
El anterior interés mencionado atrajo a dos jóvenes artistas del momento a Manet y Monet, Manet era el mayor de los dos con ocho años de diferencia, su interés pictórico se vio plasmado en escenas que fueron consideradas provocadoras para el momento con alto grado de interés que se salían de la realidad, y Claude Monet el menor quien fue considerado el jefe del grupo Impresionista y, mas que ningún otro pintor, el creador de la pintura del estilo en cuestión, párese no haber sentido interés por el arte del pasado y haber sentido terror hacia todas las teorías artísticas, su preocupación esencial durante toda su existencia fue el registrar sensaciones visuales a partir de colores primarios: amarillo, rojo, azul y sus tres complementarios y desapareciendo de sus paletas los colores terrosos y el negro.
Es de anotar que estos dos artistas no fueron los únicos interesados en el dilema también lo fueron sus amigos Frederic Bazille, Alfred Sisley, Pisarro, Auguste Renoir, Degas, Cesan y Berthe Morisot entre otros; su primera exposición fue en 1874 denominada la de los independientes ya que la mayoría de los trabajos fueron rechazados por el salón oficial.
A finales de 1880 se presenta una crisis en el arte impresionista, esta crisis ayuda a que dicha tendencia se salvara de llegar a la vulgarización del estilo, acompañada esta de los valores de la sociedad que se tornaron conflictivos a causa del cambio de siglo; esto contrajo ideas encontradas que generaron movimientos rivales pero frecuentemente relacionados y dirigidos respectivamente por George Seurat, Paul Gauguim y vincent Van Gogh.
Sgeorge Seurat, siendo un matemático deseoso por aclarar y clasificar e interesado por la pintura brillante determina una secuencia lógica de su ejecución así: primero el tono, luego el color, y finalmente la línea y la composición.
Paul Gauguin, este fue un artista visionario y rebelde comenzó con las ideas del impresionismo y las de Seurat pero después afirmo que el impresionismo era el creso error del naturalismo, al final y gran parte de su obra la podemos considerar simbolista dándole un sentido arbitrario al color obedeciendo a ideas expresivas.
Vincent Van Gogh, en la obra de este hombre podemos partir de su idea de que toda realidad es simbólica, esta afirmación la podemos constatar en cada una de sus cartas escritas a su hermano Teo y la percepción de cada una de sus obras sin afectar la maestría de este gran autor.
El tiempo tampoco fue misericordioso con la literatura, a diferencia de la pintura esta no fue tan definida, ya que sus inicios son apenas identificables en el complejo Naturalismo. Podemos identificar algunos elementos literarios marcados a finales del impresionismo pictórico y más concretamente en la decadencia del naturalismo que no es otra cosa que una crisis positivista del mundo donde los enemigos de la república en mayor parte son los enemigos del racionalismo, el materialismo y del progreso científico.
En esta tarea literaria estaba en manos de intelectuales estudiosos en su mayoría compuesto por burgueses del momento, su crisis gira alrededor de la cultura contaminada, es decir “ EL ARTE AL SERVICIO DE” su actitud fue tratar de ser mas espirituales y llenos de alma llegando al extremo de determinar que la naturaleza es fea y que solo se logra su belleza a través de la manifestación artística. Es decir la filosofía de “EL ARTE POR EL ARTE”
Algunos de estos literatos fueron Maupassant, Zola, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud Etc.
En la música durante este periodo especialmente Francia a mediados de 1870 se presenta cierta inclinación por el estatismo, cuya traducción estética seria el impresionismo. Este gusto entraña la noción del espacio que se manifiesta por el acorde en SI IMMOBILE y deplegado. Por otra parte, tiende a evitar las diversas atracciones melódicas y armónicas. No cabe duda de que, al proceder así, los compositores entran en conflicto con la esencia misma dando cabida a las melodías modales y a la música exótica.
Algunos de estos músicos fueron: César Franck y Camille Sain-Saëns.
IDEAS FUNDAMENTALES
· El impresionismo es un cumulo de ideas pictoricas heredadas de periodos artísticos anteriores llevados a una culminación.
· Entre los precursores del impresionismo tenemos a Jhon Constable, Willliam Turner, Guastave Courbet, Camille Corot.
· La idea básica del impresionismo fue la luz, hace desaparecer los contornos, donde la forma no es el resultado de la degradación tonal, sino de la yuxtaposición de colores.
· Las sombras también son color.
· En el impresionismo el color es abundante pero no tridente.
· El pintor impresionista no utiliza el negro.
· El impresionismo quiere expresar la fugacidad de las impresiones visuales debido a la luz cambiante.
· El impresionismo evoluciono hacia caminos distintos y personales.
· La característica común es la luz y el color.
· El pos-impresionismo es el resultado de ideas independientes marcadas por las ideas impresionistas. Orientados hacia la búsqueda de nuevos modos de interpretar la naturaleza.
· Dentro de la diversidad del pos-impresionismo aboga por un costructivismo que revoluciona la forma.
· Los pos-impresionistas señalan a frontera entre la pintura imitativa y el valor estético del color.
· Los músicos dejan su propia huella en el lenguaje musical saliendoce de esquemas tradicionales.
· Los compositores tienen en cuenta los sonidos exóticos.
· La literatura esta marcada por un grupo de intelectuales burgueses bohemios inconformes con el naturalismo defienden la teoría del arte por el arte.
BIBLIOGRAFIA
· Como conocer los estilos, Ed Parramon, Barcelona, España, 2000, Pp 60 –67.
· Alan, Bowness, Las bellas artes impresionistas y pos-impresionistas, Ed Grolier, México, 1973, Pp7 –14.
· JJ. Martin, Gonzalez, Historia del arte, EdGredos, Madrid España, 1992, Pp 468 – 483.
· Arnold, Hauser, Historia Social de la literatura y el Arte, tomo II Pp 402-461
ARTE DEL SIGLO XX
A comienzos del siglo XX existió un gran impulso por el cambio y fue un cambio radical que rompió con el pasado. Ya que este se consideraba agotado – la poesía debía liberarse de la rima y de la métrica, la música de la escala diatónica y la pintura de la imitación de las apariencias naturales.
En la historia del arte hasta el momento no ha existido un periodo tan productivo como el que inicia entre los años 1890 -1914, generado por ese gran impulso hacia lo nuevo mediado en parte por los grandes descubrimientos y postulados científicos – teoría de la relatividad, invención del avión, etc.- Generaron en el hombre de época un enorme desarrollo intelectual.
El artista adquiere de cierta manera un alto grado de libertad aparente. ya que al mismo tiempo crea cierta dependencia hacia la tecnología generando en este un cierto desasosiego, reflejado en su cambio continuo y en una constante competencia con el tiempo y la tecnología.
El arte, desde ese gran momento de inicio de siglo reflejo un alto grado de libertad para inventar y crear, pero es evidente que durante todo ese siglo XX se vivió una competencia constante entre dos grandes paralelos entre el tiempo – tecnología e ideas – innovaciones, que generaron en el arte una gran dicotomía entre acierto y desacierto.
Entre los desaciertos, aciertos, moda y lo kitsch podemos mencionar los siguientes:
Posimpresionismo, Modernismo, Simbolismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Suprematismo, Neoplastisismo, Futurismo, Surrealismo, Dadaísmo, Dadaísmo Pop-Art, Hiperrealismo, Superrealismo, Abstracción, Pintura metafísica, , Pintura no figurativa, Cientismo o Op-Art, Escultura no tradicional, Arte del cuerpo y sus variantes Etc.
Simbolismo:
Estrictamente es una escuela literaria iniciada en Francia a finales del siglo XX que puso de moda el verso libre y se destacaron en su tiempo Verlaine, Mallarme y Rimbaud que influenciaron en su tiempo a la pintura que busca la expresión de ideas mediante la representación de símbolos teniendo su mayor auge en la pintura decorativa. Algunos de los artistas mas reconocidos tenemos a Bocklin, Klinger, Moreau, y Puvis de Chavannes.
Fauvismo y Expresionismo:
Fauvismo, este fue el expresionismo Francés, y en Alemania adopta el grupo Die Brucke, el expresionismo tanto en Alemania como en Francia tiene sus orígenes en la influencia permanente de las ideas antipositivistas generadas por los diferentes cambios científicos y filosóficos de la época, es de aclarar que es difícil definir tal tendencia pero podemos decir que este istmo es sin duda un arte de oposición. Ya que nace de una protesta critica antinaturalita, antiimpresioniosta. y sin duda lo que mas les molestaba era la felicidad y el alto hedonismo de los artistas. para aclarar tales ideas a continuación citare el primer discurso que sintetizaba las ideas expresionistas. Hermann Bahr 1916 “Nosotros ya no vivimos –Escribía- hemos vivido. Ya no tenemos libertad, ya no sabemos decidirnos; el hombre a sido privado del alma; la naturaleza a sido privada del Hombre…nunca hubo época mas turbada por la desesperación y por el horror de la muerte. Nunca un tan sepulcral silencio ha reinado en el mundo. Nunca el hombre fue tan pequeño. Nunca estuvo mas inquieto. Nunca la alegría estuvo tan ausente y la libertad mas muerta. Y he aquí gritar la desesperación: el Hombre pide gritando su alma; un solo grito de angustia se eleva en nuestro tiempo. También el Arte grita en las tinieblas, pide socorro e invoca al espíritu” y terminare tal ilustración con las palabras de Goethe “el oído es mudo, la boca es sorda.
Podríamos determinar que los padres del expresionismo fueron Van Gogh, Ensor, Munich, y Gauguin y capitalizado por Matisse, Derain, Kandinsky, klee, Vlaminck, Beckmann, Ensor, Kokoschka, Otto Dix. Etc.
Cubismo:
Este movimiento es el padre de todas las tendencias abstractas Picasso y Braque fueron sus fundadores, en su intento por sustituir los meros efectos visuales, tan caros a los impresionistas, por una concepción mas intelectual de la forma y el color. su punto de partida fue la obra de Cezanne, que se avía ya formulado objetivos similares, aunque ellos llevaron hasta limites mucho mas avanzados su convicción acerca de la unidad básica de la superficie bidimensional del cuadro así como el análisis de la interacción de las formas. Estas son las causas de que estos pintores abandonasen deliberadamente el intento de representar las cosas como realmente aparecen, proponiéndose , en cambio, proporcionar al publico una descripción de la totalidad de un objeto determinado así como de la posición que ocupa en el espacio. Ello presentaba, en la practica, combinar varias vistas del objeto, más o menos superpuestas, expresando al final la idea que el artista tenia del objeto antes que su visión de el.
Suprematismo:
Movimiento promovido por Malevic, desarrollado en Rusia en 1913-1915 y considerado uno de los fundamentos claves en el nacimiento de la pintura abstracta, su base es esencialmente teórica y conceptual, sus principios se hayan en el manifiesto denominado del cubismo al suprematismo 1915. en el cual se determina la absoluta in objetividad, el empleo absoluto de objetos geométricos.
Neoplastisismo:
Este surge en intimo consorcio con la arquitectura funcional, su finalidad estribaba en obtener acoplamiento cromático a base de colore primarios, blanco y negro, aplicados de tal manera que se sectorizan los espacios a partir de rectángulos verticales y horizontales de manera plana. De esta manera la obra de arte se reduce a la pura experiencia de la sensibilidad. La relación de esta tendencia es patente con el cubismo, pero difieren con el concepto del volumen.
Futurismo:
Surge en Francia a partir de un artículo publicado el 9 de febrero de 1909, que tenia como autor al poeta Marinetti, en el que anuncio “Una nueva belleza…un automóvil crepitante, que avanza como una ametralladora y es mas hermoso que la victoria halada de soma tracia…queremos glorificar la guerra…”los artistas se detienen en las maquinas y el movimiento.
Dadaísmo:
Con este nombre se conoce un movimiento artístico precursor del surrealismo, que apareció por primera vez en zurich durante la primera guerra mundial. Producto de la histeria y del shock emocional que pretendía por entonces la vida europea, su periodo de esplendor se sitúa entre 1915 -1922. este movimiento tomo desde el principio posiciones contrarias al sentido común y a la propia actividad artística , proponiéndose sus miembros , ante todo, , escandalizar y violentar al publico burgués . uno de sus mas alto representante fue Duchamp.
Superrealismo- Surrealismo:
Nació de la unión del collage y los aspectos constructivitas del cubismo y el nihilismo de dada, y afirma poseer una larga tradición artística que abarca incluso el arte de Bosch, Goya, y cualquier otro artista que haya expresado lo misterioso y lo fantástico. Después de la desaparición de Dada en 1922, Andre Breton reunió los miembros que quedaban del grupo y adoptaron la palabra Surrealista el cual lo definían como automatismo. El surrealismo se dirigió bajo dos conceptos: Fantasía pura y la construcción de un mundo de sueños los máximos representantes son Dali, Magritte, Chirico, Klee.
Pop-Art:
Tendencia artística basada en la aceptación y empleo de artefactos, medios d comunicación, tanto de publicidad como de prensa, y productos de la vida moderna. Este tipo de arte aparece en estados unidos a mediados de los años sesenta y es de anotar que no es un Arte romántico pero en ocasiones es gracioso.
Hiperrealismo o Súper-realismo:
Esta es la derivación del Pop-Art. Se trata de una derivación mediata y con otros matices aun dentro del marco figurativo y realista que caracteriza el Arte popular, y llama en su ayuda a la técnica académica tradicional para la representación meticulosa de los objetos. En otras palabras el propósito del artista es reproducir la realidad tan perfecta que supere a la realidad. El mas representativo es el Alemán Asmas.
Abstracción
Este tipo de Arte se basa en la presunción de que las formas y los colores poseen en si mismos unos valores estéticos específicos, completamente independientes del tema de la pintura o escultura. Se trata de una visión ya formulada por primera ves en épocas antiguas que a llevado por una parte a la producción de piezas artísticas de características semimágicas, mientras que , por otra, a originado una gran calidad de creaciones de simple producción decorativa. Este es la visión prevaleciente de los países Musulmanes ya que se les prohíbe cualquier representación de figura humana.
Nota: Los otros istmos y manifestaciones artísticas han sido tratados en documentos anteriores.
Al observar la anterior lista nos queda evidente ese desasosiego creativo mencionado en líneas anteriores y podemos afirmar que el Arte a través del tiempo siempre a tenido la constante del cambio que no es otra cosa que la competencia del tiempo cronológico con el tiempo cultural, y como sucede a menudo es la lucha del artista como creador con el mundo como espectador.
El nuevo Arte en pos de lo moderno ayer y hoy siempre a estado mediado por el espectador que podemos determinar primario, secundario, especializado…….o simple espectador. Que hoy más que nunca genera a la obra de arte su valor característico. Decía el filosofo y escritor Antioqueño Fernando González “nuestra visión artística es una visión prostituida; capturadora de gustos” el autor desde ese sentido nos considera seres eunucos.
El artista del siglo XX en búsqueda de lo moderno retorna al pasado, pero ya no en los clásicos, su búsqueda “Creativa” mira, copia y modifica las manifestaciones culturales de África, América, india etc.
¿Existe acaso entonces un Arte moderno?
¿Cual arte moderno?
¿Cuáles nuevas tendencias?
En Arte actual, no hay tendencia o corriente nueva, todo, es un reciclaje bueno y malo. Percibiéndose mas lo anterior; repetiendoce a diario lo que decía Martha Traba “Colombia y el mundo esta condicionada a la arbitrariedad y los gustos particulares de los críticos con poder” cabe también allí lo que decía Herbertread “siempre son los mismos fenómenos fundamentales los que se confieren a una obra de arte su valor estético. ¿Cuáles son esos fenómenos? Únicamente fenómenos formales exagerados, llamativos o sobre manera pregnantes, que nos hacen salir de nuestros hábitos visuales y enseguida surge el auto engaño de lo omnicompresivo”. He allí lo que muchos llaman arte contemporáneo.
Termino este texto con un poema.
¿Donde esta, el carácter e identidad de la obra de Arte moderno?
Camaleones voraces infestados de renombre de indulgencias compartidas
Copartidarios y afines
Lagartos de toda índole,
que solventáis tu trabajo en herbarios de renombre
Cuando el día y la noche caen a tus espaldas
Sientes el peso de aquel fetiche,
Al que llamas Arte
y
Dándote golpes de pecho,
Justificas la iluminación divina
Adquirida en tus galpones de crianza,
y ….en medio de directrices copartidarias
te haces o heces, en aquellos que te iluminaron……
Juan C. Florez Arcila
¿Hacia donde va el arte? ¿Cuáles son las tendencias artísticas del siglo XXI? Los conceptos de uno de los críticos de arte mas calificados de Hispanoamérica. Su visión de perspectiva sobre las tendencias y corrientes contemporáneas.
Por Leonel Estrada
Para muchos amantes de la cultura, la única salvación que le queda al arte actual es un regreso a lo de antes. Volver a lo académico, al realismo y ante todo, despojarlo de sofisticamientos y de experimentaciones. Sin embargo, es bien distinto lo que piensa la mayoría de los artistas y creadores del mundo actual. Los constantes avances científicos y tecnológicos, el lógico evolucionar del gusto y de las modas, el distinto funcionamiento de la sociedad obligan a aceptar que estos hechos tienen que seguir influyendo en los constantes cambios que van a continuar revelando en actitudes diferentes ante él hecho estético.
Con la llegada en 1860 del Impresionismo se rompe con el tradicional concepto del cuadro como ”ventana abierta hacia el horizonte” y se inicia también las corrientes modernas que dan rienda suelta a la creatividad hasta producir un hastío que hace pensar, unos años mas tarde, en “ la muerte del arte”. Pero en verdad, no se sucede tal muerte y por el contrario, el ambiente del siglo XX esa de apertura y de búsqueda. Al comenzar el año 1900 toman fuerza además del Impresionismo, el Expresionismo y el Fauvismo. Siguieron a estos el Cubismo, el Futurismo y el Surrealismo, prácticamente estos movimientos fueron los que rompieron con la pintura académica y realista. Aparece luego el Arte Abstracto y sobre una nueva autopista para toda clase de libertades: el Geometrismo, el Tachismo, el Espacialismo, la pintura Matérica, y el Antiarte.
Pero las mayores empresas se suceden después de 1950. Surge el Antiarte, el Sonocinetismo y lo menos esperado, el Pop Art o arte de la sociedad de consumo que incorpora el arte comercial, lo urbano, las etiquetas de los supermercados, Etc. Posteriormente llegan los Happenings, el Arte Blando y el Arte de Borde Duro. Comenzando el año 1960, las revoluciones artísticas llegan a su acmé. Surgen aportes del cine, de las tiras cómicas, de la publicidad, etc. Los nuevos descubrimientos como la televisión, el vídeo, los escaners, los CDR, el fax, las multicopiadoras favorecen la inventiva y permiten realizar búsquedas que se relacionan con otras artes como la música, la poesía, la danza. Pero la marcha no se detiene, aparece el Arte Antimuseo, el Arte Corporal o Body Art, el Arte de Ideas, conocido como Arte Conceptual. Ya a finales del siglo XX aparecen el Deconstructivismo, el llamado Aperto 90, el Kalte Kunst o Arte Frío, el Arte Global, las Instalaciones, y los Espacios Poéticos, que son escenarios en que se combina la realidad con la ficción, lo objetivo con lo simulado, mas todas las tendencias y experiencias del momento. El panorama sigue cambiando y esto lo revelan eventos importantes como las bienales de Venecia con sus cien años de existencia, la de Florencia, la de Sao Paulo y la de Kassel en Alemania. Precisamente en esta ultima y a propósito de la pasada XI Documenta de Kassel del 2002 se opero un desconcertante cambio de orientación que fue de impacto. Su director, el nigeriano Okwui Enwezor, abrió todas las fronteras de la plástica y permitió pasar lo estético a un segundo plano para, en cambio, generar ideas y preguntas. Los 118 artistas participantes en ella no se preocuparon ni de soportes ni de medios plásticos. Se debatieron temas como la contaminación ambiental, la recuperación ecológica, la economía y otros asuntos tan extraños como la ética y la justicia social a través de la radio, la televisión y el teatro. Asuntos muy ajenos a la plástica que exigieron un público más sensibilizado y preparado. Pero aún estas ideas y planteamientos no resultaron nuevos. Ya los dadaístas en 1918 y más tarde los creadores de arte conceptual desde mediados del siglo XX, habían buscado desmaterializar el arte y acabar con las obras originales que se llevaban a los museos, a las galerías o las casas de los coleccionistas. Precisamente en la propia Alemania surgió a mediados de los 70 un soñador y visionario romántico, a la vez que reformador radical, Joseph Beuys quien buscó transformar el arte en conceptos sociológicos, en ideas políticas, en sentires. En nuestro continente americano, en la Argentina, también surge un artista que se atreve a realizar “intervenciones territoriales” Horacio Zabala es quien altera en mapas geográficos las fronteras soberanas de los países y hasta desvirtúa la extensión y el cubrimiento de los mares.
Imposible predecir que más puede venir ahora después del 2004. El hombre, el artista del siglo XXI (como lo hicieron en el siglo XX Picasso, Duchamp, Joseph Beuys, Christo Javacheff, Andy Warhol, etc.) continuará creando y muchos seguirán afirmando que el arte es “solo una simple huella en la arena del desierto”. La creatividad humana ayudada por la ciencia y con el aporte de los hemisferios cerebrales, seguirá produciendo inimaginables resultados y de esta manera cada país estará desarrollando su propia y original cultura: la cultura del siglo XXI.
BIBLIOGRAFÍA
ESTRADA, Leonel. El arte en el siglo XXII. El Colombiano, suplemento dominical, febrero 22 del 2004. PP 2, 3.
IMPRESIONISMO Y POS- IMPRESIONISMO
Otro gran sentimiento se llena en los corazones y es ¿cuándo empieza el arte moderno? ¿cuándo empieza a sentirce el bello aroma de nuestra época llena de cambios y adelantos en todos los ámbitos?
Podemos determinar a partir de la lectura de diferentes textos que ese momento es en el siglo XIX, ¿conque se da comienzo? O ¿conque obra representativa podemos dar ese comienzo? Creo que para cualquier interesado en las artes se le hace difícil y paradójico ubicar este santo grial.
No podemos entonces determinar cuando, como y por que se rompe alguna tendencia o manifestación artística, este es el verdadero caso de la aparición del Impresionismo que surge estrechamente ligado al Naturalismo, la suavidad de cambio estilístico no se hace casi notorio gracias a la estabilidad económica y social presente, ya que el año 1871 es un año relativamente transitorio en la historia de Francia a no ser por los grandes adelantos técnicos en su vida industrial. ¿podemos considerar estos grandes adelantos técnicos como precursores de una gran crisis intelectual y social? En cierta medida si, ya que el Hombre esta en continuo cambio y actualización, es eternamente moderno y competitivo y posee aquel impulso generador basado en el concepto de que lo nuevo es mejor.
La competencia va a la par de la velocidad técnica, a partir de esta premisa el intelectual de la época vivía una gran crisis alrededor de los nuevos centros urbanos, donde el tiempo y el hecho solo son elementos transitorios, donde la realidad no es un ser, sino un devenir, no un estado, sino un ocurrir. El intelectual de la época se preocupa por la representación de un equilibrio inestable que se funde en una experiencia concreta, temporal, y especialmente determinada: lo cotidiano la luz el color Etc.
Ante la aparición de un estilo o una nueva tendencia es prudente preguntare se trata realmente de una novedad o es la afloraciòn actualizada de ideas que coexistían vergonzosamente en épocas pasadas; podemos mencionar que ya en épocas pasadas como en el Romanticismo y en el Realismo ya existía un alto interés por el color y la luz e interpretaban estos fenómenos a través de diferentes estilos artísticos, algunos de estos estilos artistas que desarrollaron tal interés fueron: Jhon Constable, William Tuner, Gericault, Courbet, Camille Corot.
Courbet en cierta ocasión mencionaba “ El único tema posible en el arte es el realismo de la gente de la calle y la vida diaria” además este artista niega que la imaginación tenga algo que ver con el arte además afirmaba” El artista es capas de representar solamente lo que ve y toca y debe hacerlo con la mayor sencillez posible”. ¿ podemos nosotros considerar que esta aseveración pudo orientar a los artistas que le siguieron? Es de anotar que tal interés de Courbet le fue difícil ejecutar.
El anterior interés mencionado atrajo a dos jóvenes artistas del momento a Manet y Monet, Manet era el mayor de los dos con ocho años de diferencia, su interés pictórico se vio plasmado en escenas que fueron consideradas provocadoras para el momento con alto grado de interés que se salían de la realidad, y Claude Monet el menor quien fue considerado el jefe del grupo Impresionista y, mas que ningún otro pintor, el creador de la pintura del estilo en cuestión, párese no haber sentido interés por el arte del pasado y haber sentido terror hacia todas las teorías artísticas, su preocupación esencial durante toda su existencia fue el registrar sensaciones visuales a partir de colores primarios: amarillo, rojo, azul y sus tres complementarios y desapareciendo de sus paletas los colores terrosos y el negro.
Es de anotar que estos dos artistas no fueron los únicos interesados en el dilema también lo fueron sus amigos Frederic Bazille, Alfred Sisley, Pisarro, Auguste Renoir, Degas, Cesan y Berthe Morisot entre otros; su primera exposición fue en 1874 denominada la de los independientes ya que la mayoría de los trabajos fueron rechazados por el salón oficial.
A finales de 1880 se presenta una crisis en el arte impresionista, esta crisis ayuda a que dicha tendencia se salvara de llegar a la vulgarización del estilo, acompañada esta de los valores de la sociedad que se tornaron conflictivos a causa del cambio de siglo; esto contrajo ideas encontradas que generaron movimientos rivales pero frecuentemente relacionados y dirigidos respectivamente por George Seurat, Paul Gauguim y vincent Van Gogh.
Sgeorge Seurat, siendo un matemático deseoso por aclarar y clasificar e interesado por la pintura brillante determina una secuencia lógica de su ejecución así: primero el tono, luego el color, y finalmente la línea y la composición.
Paul Gauguin, este fue un artista visionario y rebelde comenzó con las ideas del impresionismo y las de Seurat pero después afirmo que el impresionismo era el creso error del naturalismo, al final y gran parte de su obra la podemos considerar simbolista dándole un sentido arbitrario al color obedeciendo a ideas expresivas.
Vincent Van Gogh, en la obra de este hombre podemos partir de su idea de que toda realidad es simbólica, esta afirmación la podemos constatar en cada una de sus cartas escritas a su hermano Teo y la percepción de cada una de sus obras sin afectar la maestría de este gran autor.
El tiempo tampoco fue misericordioso con la literatura, a diferencia de la pintura esta no fue tan definida, ya que sus inicios son apenas identificables en el complejo Naturalismo. Podemos identificar algunos elementos literarios marcados a finales del impresionismo pictórico y más concretamente en la decadencia del naturalismo que no es otra cosa que una crisis positivista del mundo donde los enemigos de la república en mayor parte son los enemigos del racionalismo, el materialismo y del progreso científico.
En esta tarea literaria estaba en manos de intelectuales estudiosos en su mayoría compuesto por burgueses del momento, su crisis gira alrededor de la cultura contaminada, es decir “ EL ARTE AL SERVICIO DE” su actitud fue tratar de ser mas espirituales y llenos de alma llegando al extremo de determinar que la naturaleza es fea y que solo se logra su belleza a través de la manifestación artística. Es decir la filosofía de “EL ARTE POR EL ARTE”
Algunos de estos literatos fueron Maupassant, Zola, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud Etc.
En la música durante este periodo especialmente Francia a mediados de 1870 se presenta cierta inclinación por el estatismo, cuya traducción estética seria el impresionismo. Este gusto entraña la noción del espacio que se manifiesta por el acorde en SI IMMOBILE y deplegado. Por otra parte, tiende a evitar las diversas atracciones melódicas y armónicas. No cabe duda de que, al proceder así, los compositores entran en conflicto con la esencia misma dando cabida a las melodías modales y a la música exótica.
Algunos de estos músicos fueron: César Franck y Camille Sain-Saëns.
IDEAS FUNDAMENTALES
· El impresionismo es un cumulo de ideas pictoricas heredadas de periodos artísticos anteriores llevados a una culminación.
· Entre los precursores del impresionismo tenemos a Jhon Constable, Willliam Turner, Guastave Courbet, Camille Corot.
· La idea básica del impresionismo fue la luz, hace desaparecer los contornos, donde la forma no es el resultado de la degradación tonal, sino de la yuxtaposición de colores.
· Las sombras también son color.
· En el impresionismo el color es abundante pero no tridente.
· El pintor impresionista no utiliza el negro.
· El impresionismo quiere expresar la fugacidad de las impresiones visuales debido a la luz cambiante.
· El impresionismo evoluciono hacia caminos distintos y personales.
· La característica común es la luz y el color.
· El pos-impresionismo es el resultado de ideas independientes marcadas por las ideas impresionistas. Orientados hacia la búsqueda de nuevos modos de interpretar la naturaleza.
· Dentro de la diversidad del pos-impresionismo aboga por un costructivismo que revoluciona la forma.
· Los pos-impresionistas señalan a frontera entre la pintura imitativa y el valor estético del color.
· Los músicos dejan su propia huella en el lenguaje musical saliendoce de esquemas tradicionales.
· Los compositores tienen en cuenta los sonidos exóticos.
· La literatura esta marcada por un grupo de intelectuales burgueses bohemios inconformes con el naturalismo defienden la teoría del arte por el arte.
BIBLIOGRAFIA
· Como conocer los estilos, Ed Parramon, Barcelona, España, 2000, Pp 60 –67.
· Alan, Bowness, Las bellas artes impresionistas y pos-impresionistas, Ed Grolier, México, 1973, Pp7 –14.
· JJ. Martin, Gonzalez, Historia del arte, EdGredos, Madrid España, 1992, Pp 468 – 483.
· Arnold, Hauser, Historia Social de la literatura y el Arte, tomo II Pp 402-461
ARTE DEL SIGLO XX
A comienzos del siglo XX existió un gran impulso por el cambio y fue un cambio radical que rompió con el pasado. Ya que este se consideraba agotado – la poesía debía liberarse de la rima y de la métrica, la música de la escala diatónica y la pintura de la imitación de las apariencias naturales.
En la historia del arte hasta el momento no ha existido un periodo tan productivo como el que inicia entre los años 1890 -1914, generado por ese gran impulso hacia lo nuevo mediado en parte por los grandes descubrimientos y postulados científicos – teoría de la relatividad, invención del avión, etc.- Generaron en el hombre de época un enorme desarrollo intelectual.
El artista adquiere de cierta manera un alto grado de libertad aparente. ya que al mismo tiempo crea cierta dependencia hacia la tecnología generando en este un cierto desasosiego, reflejado en su cambio continuo y en una constante competencia con el tiempo y la tecnología.
El arte, desde ese gran momento de inicio de siglo reflejo un alto grado de libertad para inventar y crear, pero es evidente que durante todo ese siglo XX se vivió una competencia constante entre dos grandes paralelos entre el tiempo – tecnología e ideas – innovaciones, que generaron en el arte una gran dicotomía entre acierto y desacierto.
Entre los desaciertos, aciertos, moda y lo kitsch podemos mencionar los siguientes:
Posimpresionismo, Modernismo, Simbolismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Suprematismo, Neoplastisismo, Futurismo, Surrealismo, Dadaísmo, Dadaísmo Pop-Art, Hiperrealismo, Superrealismo, Abstracción, Pintura metafísica, , Pintura no figurativa, Cientismo o Op-Art, Escultura no tradicional, Arte del cuerpo y sus variantes Etc.
Simbolismo:
Estrictamente es una escuela literaria iniciada en Francia a finales del siglo XX que puso de moda el verso libre y se destacaron en su tiempo Verlaine, Mallarme y Rimbaud que influenciaron en su tiempo a la pintura que busca la expresión de ideas mediante la representación de símbolos teniendo su mayor auge en la pintura decorativa. Algunos de los artistas mas reconocidos tenemos a Bocklin, Klinger, Moreau, y Puvis de Chavannes.
Fauvismo y Expresionismo:
Fauvismo, este fue el expresionismo Francés, y en Alemania adopta el grupo Die Brucke, el expresionismo tanto en Alemania como en Francia tiene sus orígenes en la influencia permanente de las ideas antipositivistas generadas por los diferentes cambios científicos y filosóficos de la época, es de aclarar que es difícil definir tal tendencia pero podemos decir que este istmo es sin duda un arte de oposición. Ya que nace de una protesta critica antinaturalita, antiimpresioniosta. y sin duda lo que mas les molestaba era la felicidad y el alto hedonismo de los artistas. para aclarar tales ideas a continuación citare el primer discurso que sintetizaba las ideas expresionistas. Hermann Bahr 1916 “Nosotros ya no vivimos –Escribía- hemos vivido. Ya no tenemos libertad, ya no sabemos decidirnos; el hombre a sido privado del alma; la naturaleza a sido privada del Hombre…nunca hubo época mas turbada por la desesperación y por el horror de la muerte. Nunca un tan sepulcral silencio ha reinado en el mundo. Nunca el hombre fue tan pequeño. Nunca estuvo mas inquieto. Nunca la alegría estuvo tan ausente y la libertad mas muerta. Y he aquí gritar la desesperación: el Hombre pide gritando su alma; un solo grito de angustia se eleva en nuestro tiempo. También el Arte grita en las tinieblas, pide socorro e invoca al espíritu” y terminare tal ilustración con las palabras de Goethe “el oído es mudo, la boca es sorda.
Podríamos determinar que los padres del expresionismo fueron Van Gogh, Ensor, Munich, y Gauguin y capitalizado por Matisse, Derain, Kandinsky, klee, Vlaminck, Beckmann, Ensor, Kokoschka, Otto Dix. Etc.
Cubismo:
Este movimiento es el padre de todas las tendencias abstractas Picasso y Braque fueron sus fundadores, en su intento por sustituir los meros efectos visuales, tan caros a los impresionistas, por una concepción mas intelectual de la forma y el color. su punto de partida fue la obra de Cezanne, que se avía ya formulado objetivos similares, aunque ellos llevaron hasta limites mucho mas avanzados su convicción acerca de la unidad básica de la superficie bidimensional del cuadro así como el análisis de la interacción de las formas. Estas son las causas de que estos pintores abandonasen deliberadamente el intento de representar las cosas como realmente aparecen, proponiéndose , en cambio, proporcionar al publico una descripción de la totalidad de un objeto determinado así como de la posición que ocupa en el espacio. Ello presentaba, en la practica, combinar varias vistas del objeto, más o menos superpuestas, expresando al final la idea que el artista tenia del objeto antes que su visión de el.
Suprematismo:
Movimiento promovido por Malevic, desarrollado en Rusia en 1913-1915 y considerado uno de los fundamentos claves en el nacimiento de la pintura abstracta, su base es esencialmente teórica y conceptual, sus principios se hayan en el manifiesto denominado del cubismo al suprematismo 1915. en el cual se determina la absoluta in objetividad, el empleo absoluto de objetos geométricos.
Neoplastisismo:
Este surge en intimo consorcio con la arquitectura funcional, su finalidad estribaba en obtener acoplamiento cromático a base de colore primarios, blanco y negro, aplicados de tal manera que se sectorizan los espacios a partir de rectángulos verticales y horizontales de manera plana. De esta manera la obra de arte se reduce a la pura experiencia de la sensibilidad. La relación de esta tendencia es patente con el cubismo, pero difieren con el concepto del volumen.
Futurismo:
Surge en Francia a partir de un artículo publicado el 9 de febrero de 1909, que tenia como autor al poeta Marinetti, en el que anuncio “Una nueva belleza…un automóvil crepitante, que avanza como una ametralladora y es mas hermoso que la victoria halada de soma tracia…queremos glorificar la guerra…”los artistas se detienen en las maquinas y el movimiento.
Dadaísmo:
Con este nombre se conoce un movimiento artístico precursor del surrealismo, que apareció por primera vez en zurich durante la primera guerra mundial. Producto de la histeria y del shock emocional que pretendía por entonces la vida europea, su periodo de esplendor se sitúa entre 1915 -1922. este movimiento tomo desde el principio posiciones contrarias al sentido común y a la propia actividad artística , proponiéndose sus miembros , ante todo, , escandalizar y violentar al publico burgués . uno de sus mas alto representante fue Duchamp.
Superrealismo- Surrealismo:
Nació de la unión del collage y los aspectos constructivitas del cubismo y el nihilismo de dada, y afirma poseer una larga tradición artística que abarca incluso el arte de Bosch, Goya, y cualquier otro artista que haya expresado lo misterioso y lo fantástico. Después de la desaparición de Dada en 1922, Andre Breton reunió los miembros que quedaban del grupo y adoptaron la palabra Surrealista el cual lo definían como automatismo. El surrealismo se dirigió bajo dos conceptos: Fantasía pura y la construcción de un mundo de sueños los máximos representantes son Dali, Magritte, Chirico, Klee.
Pop-Art:
Tendencia artística basada en la aceptación y empleo de artefactos, medios d comunicación, tanto de publicidad como de prensa, y productos de la vida moderna. Este tipo de arte aparece en estados unidos a mediados de los años sesenta y es de anotar que no es un Arte romántico pero en ocasiones es gracioso.
Hiperrealismo o Súper-realismo:
Esta es la derivación del Pop-Art. Se trata de una derivación mediata y con otros matices aun dentro del marco figurativo y realista que caracteriza el Arte popular, y llama en su ayuda a la técnica académica tradicional para la representación meticulosa de los objetos. En otras palabras el propósito del artista es reproducir la realidad tan perfecta que supere a la realidad. El mas representativo es el Alemán Asmas.
Abstracción
Este tipo de Arte se basa en la presunción de que las formas y los colores poseen en si mismos unos valores estéticos específicos, completamente independientes del tema de la pintura o escultura. Se trata de una visión ya formulada por primera ves en épocas antiguas que a llevado por una parte a la producción de piezas artísticas de características semimágicas, mientras que , por otra, a originado una gran calidad de creaciones de simple producción decorativa. Este es la visión prevaleciente de los países Musulmanes ya que se les prohíbe cualquier representación de figura humana.
Nota: Los otros istmos y manifestaciones artísticas han sido tratados en documentos anteriores.
Al observar la anterior lista nos queda evidente ese desasosiego creativo mencionado en líneas anteriores y podemos afirmar que el Arte a través del tiempo siempre a tenido la constante del cambio que no es otra cosa que la competencia del tiempo cronológico con el tiempo cultural, y como sucede a menudo es la lucha del artista como creador con el mundo como espectador.
El nuevo Arte en pos de lo moderno ayer y hoy siempre a estado mediado por el espectador que podemos determinar primario, secundario, especializado…….o simple espectador. Que hoy más que nunca genera a la obra de arte su valor característico. Decía el filosofo y escritor Antioqueño Fernando González “nuestra visión artística es una visión prostituida; capturadora de gustos” el autor desde ese sentido nos considera seres eunucos.
El artista del siglo XX en búsqueda de lo moderno retorna al pasado, pero ya no en los clásicos, su búsqueda “Creativa” mira, copia y modifica las manifestaciones culturales de África, América, india etc.
¿Existe acaso entonces un Arte moderno?
¿Cual arte moderno?
¿Cuáles nuevas tendencias?
En Arte actual, no hay tendencia o corriente nueva, todo, es un reciclaje bueno y malo. Percibiéndose mas lo anterior; repetiendoce a diario lo que decía Martha Traba “Colombia y el mundo esta condicionada a la arbitrariedad y los gustos particulares de los críticos con poder” cabe también allí lo que decía Herbertread “siempre son los mismos fenómenos fundamentales los que se confieren a una obra de arte su valor estético. ¿Cuáles son esos fenómenos? Únicamente fenómenos formales exagerados, llamativos o sobre manera pregnantes, que nos hacen salir de nuestros hábitos visuales y enseguida surge el auto engaño de lo omnicompresivo”. He allí lo que muchos llaman arte contemporáneo.
Termino este texto con un poema.
¿Donde esta, el carácter e identidad de la obra de Arte moderno?
Camaleones voraces infestados de renombre de indulgencias compartidas
Copartidarios y afines
Lagartos de toda índole,
que solventáis tu trabajo en herbarios de renombre
Cuando el día y la noche caen a tus espaldas
Sientes el peso de aquel fetiche,
Al que llamas Arte
y
Dándote golpes de pecho,
Justificas la iluminación divina
Adquirida en tus galpones de crianza,
y ….en medio de directrices copartidarias
te haces o heces, en aquellos que te iluminaron……
Juan C. Florez Arcila
HISTORIA BARROCO Y ROCOCO
BARROCO
Estrictamente hablando, arte Barroco es aquel que se extiende desde los primeros años del siglo XVII hasta mediados del XVIII. Se engendro en Italia, donde ya se desenvuelve a finales del siglo XVI, y perdura casi todo el siglo XVIII en algunos piases. Es el arte que se sigue al de la contrarreforma. Los piases exaltadamente en el Barroco fueron Italia, Alemania, y España, con sus dominios americanos.
Expresa el sentimiento de su época, es un arte brillante, ostentoso, expresando el poder y la grandeza de los monarcas y la fluyente riqueza de los estados y la prospera situación del catolicismo. Superando al Renacimiento, el barroco exalta la alegría del vivir, como algo sano y virtuoso, los grandes monumentos de la iglesia católica, con toda su imponente riqueza, atraen y deslumbran a los creyentes.
Hoy en día se considera uno de los periodos más maravillosos de la historia del arte y algunos teóricos determinan que todo periodo artístico posee una tercera fase denominada barroco es decir este es una constante histórica.
El patronazgo en esta época cobra formas diversas según los piases.
En Italia, son los papas los que impulsan el Barroco, en una dirección ostentosa y triunfalista. Están interesados en fomentar los tesoros artísticos, guardados en los grandes palacios de la ciudad de Roma. Un afán de emulación insaciable fomenta el coleccionismo entre las familias papales.
En Francia es el de serviré de arte para exaltar el soberano y con ello al estado. El centralismo es absorbente. Las palancas para ejercer este gobierno fueron los cargos de superintendentes y las academias. El ejemplo del monarca transmite a los altos cargos políticos, que tienen también sus palacios y ricas colecciones. Si Luis XIV elevo Versalles al mayor rango, Colbert se apunto el tanto de la inauguración del museo de Louvre, aunque quedara de momento alejado de la contemplación publica.
En Inglaterra, el arte fue objeto de protección oficial, la corona sufrago muchas obras, incluidas las religiosas, dado el papel del culto oficial. Pero sumemos la existencia de una aristocracia de la mayor exquisitez, que encierra en ostentosos palacios ricas colecciones.
En España, la realeza fue cliente ávido, fueron los monarcas fieles continuadores de sus antecesores en el gusto por el coleccionismo. Fue lastima que la extensa red palacial de la corona no contara con mejores edificios, asiendo el mayor contraste con abundancia de piezas de arte extranjeras, sobre todo de pintura. En cambio, pocas casas mobiliarias se distinguían por sus colecciones. Entre ellos el rey Felipe IV.
Volviendo al estilo Barroco, es de anotar que fue la mejor manera de expresar la idea de la iglesia triunfante, esta fuerza de la iglesia tuvo su equivalente, en Francia y en los piases protestantes, en el poder absoluto de los príncipes.
El Barroco tiende a las formas grandiosas y efectistas, desnaturalizado los elementos constructivos; las columnas, por ejemplo, dejan de ser un elemento sustentante para convertirce meramente en un elemento decorativo, y adoptan las mas insospechadas formas: retorcidas, helicoidales, etc; los arquitrabes se dislocan, y sobre ellos caen nuevos elementos decorativos sin la menor función constructiva, tales como nubes, rocas, etc.
El Barroco tiende a producir un efecto plástico acentuando vigorosamente los contrastes de claroscuro; los salientes se acentúan de manera violenta, los huecos se rehunden, los ángulos se hacen resaltar fuertemente. La dinámica línea curva es la dominante. Procuran evitarse las formas geométricas y definidas del Renacimiento. Se siguen empleando los ordenes grecorromanos y de ellos en especial el Jónico, de capiteles muy achatados y cuyas volutas caen por debajo del collarino; se emplean también a menudo el corintio. Las ventanas adoptan perfiles curvos; en las numerosas hornacinas, en los frontones rotos de puertas y ventanas y en las cornisas campean figuras simbólicas de ángeles o santos que , con sus suntuosos trajes agitados por el viento , expresan, de manera viva, la gloria del Barroco, la de un tiempo en el que, como en pocos, se exalto el ansia y la alegría de vivir.
La pintura en el estilo Barroco
La obra de arte Barroca aparece cuando el equilibrio entre la serenidad de las formas y el movimiento se rompe en beneficio del segundo. en este sentido, la tendencia Barroca no es privativa de una sola época. Pero el Barroco que se extiende desde Carvaggio; con su claroscuro, donde la luz invade oblicuamente el espacio, de modo que las formas surgen de violentos contrastes, con un realismo radical, una interpretación fiel del modelo, y Velázquez maestro indiscutible, llamado el pintor de la verdad, el técnico, el primer pintor moderno y uno de los mejores retratista de la historia, Rembrandt quien es considerado el máximo representante de la pintura Barroca Holandesa, quien practico un claro oscuro intenso, con un tenebrismo donde la luz no proviene de un foco o de una dirección siempre precisa y Fragonard considerado el pintor de la burguesía, con una pintura mas clasicista. estos y otros grandes artistas este periodo Barroco perduro hasta bien entrado el siglo XVIII, fue el resultado de la evolución del manierismo hacia criterios estéticos con formas sobreabundantes y ampulosas que dominaron a toda Europa.
La música en el estilo Barroco
El año 1600 señala el nacimiento de la opera, con la Eurìdice de Peri, y el del oratorio, con la Representación del alma y el cuerpo, de Cavalieri. En esta fecha se inician grandes transformaciones, que ya se gestaban desde hacia 25 años, y toman cuerpo muchas ideas revolucionarias. Estas ideas suelen agruparce bajo la etiqueta de reforma melodramática y designan el advenimiento de un nuevo lenguaje, de nuevas formas y de un nuevo ideal musical. La reforma melodramática imprime un giro brusco a la música y desemboca en un estilo que afirma a cada instante; la música es teatro. Este estilo se inscribe en la estética Barroca (1600-1750), universo del cambio, el movimiento y de la representación. El Barroco, arte de la ilusión, representa el mundo no en su realidad objetiva, sino como cosa percibida. En este sentido, toda obra Barroca es representativa y dramática.
El Arte Barroco exige otra dimensión: la de la representación y la expresión. En el siglo XVI una corriente de ideas ligada al humanismo había ya marcado una serie de hitos en esta dirección. Ciertamente existía la noción de música reservata (música secreta), destinada según algunos, a la ilustración musical de las imágenes contenidas en un texto literario; se pude decir , que este tipo de música realizo R. De Laussus cuando interpreto un grito mediante una melodía elevada. Para otros teóricos, sin embargo, la música reservata se asimila al virtuosismo en escritura basado en la utilización de medios técnicos nuevos (especialmente, el cromatismo), pero siempre cargados de un poderoso contenido emocional.
El proceso de la música reservata sigue su evolución durante el siglo XVII, donde el compositor no simplemente tratara de sustituir una imagen poética por una imagen sonora. Puesto que en la cosmovision Barroca figuraba la concepción del mundo como teatro, la música deberá mostrar las cosas no según su naturaleza, sino tal como aparecen.
En este periodo artístico se reafirmo también otro estilo musical que fue el figuralismo que venia desde la edad media. En esta, la pintura o figura en música existe de forma espontánea, desarrollando analogías para hallar la belleza, la gloria, el cielo de tal manera enérgica que logran ser visibles. Esta técnica algunos artistas la denominaron como la pintura para el oído, actualmente recibe el nombre de Madrigalismo. Paralela a la música figurativa se desarrolla la teoría de las pasiones, que bebe también en las pasiones del pensamiento que logran expresar el amor, el odio, la cólera, la templanza y la humildad.
Algunos representantes del estilo Barroco fueron:
Mattheson, Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Georg Friedrich Haendel.
ROCOCO
Este se desarrollo a partir del siglo XVIII, considerado por muchos como la edad del diamante: El Rococo es una distorsión fantasiosa de la palabra rocaille, ósea rocalla, y se refiere a la intrincada ornamentación de decoración insípida y recargada, fue vagamente peyorativo durante el siglo XIX. Es de anotar que el arte Francés del siglo XVIII es, por su puesto, ligero y etéreo, frívolo y adornado, gran parte, pero no todo, fue creado para una poderosa aristocracia, muy ricas y excesivamente indolente, y una clase media alta adinerada. Pero eso significa que no pudiera ser, aveces, profundo, multifacético y siempre brillante, la moda de los colores exquisitos y las ornamentaciones delicadas que siguió a las mas vigorosas del periodo Barroco, y que se manifestó con alegre frivolidad. El estilo predominante marco la insatisfacción del interés por el llamado arte primitivo, es decir, el arte de Africa, las civilizaciones del Océano Pacifico, América Latina, al igual que el de los pueblos nativos de América del Norte. El arte de Alemania tuvo gran impacto, e Italia se elevo de nuevo después de los días gloriosos del Renacimiento. La bella América (Estados Unidos) comenzó su largo y excepcionalmente fructífero periodo artístico.
El arte Rococo, es de resaltar que fue creado para reyes, reinas y favoritas reales indolentes y desenfrenados, donde sus palacios tenían como meta superar al de Versalles, con sus jardines naturales deleitaran a un pintor. Tal ves de allí, surge el paisajista. El asunto no es tan simple. A veces el arte de la época también presenta lo que podría llamarse una característica común.(el arte de burgueses para burgueses).
Entrando en detalle, el estilo Rococo es Francés, y fue obra de insignes decoradores, orientado bajo un sentido amable y juguetón con elementos decorativos exóticos de origen Chino; se persiguió la naturalidad y el desenfado, con acento picante, sensual, y frívolo muy de acuerdo con la mentalidad racionalistas y enciclopedista. Sus construcciones arquitectónicas buscan mas la elegancia y la gracia que la pompa y la solemnidad imponentes del estilo anterior. En las fachadas predomina un ritmo horizontal; audaces curvas suavizan la violencia de los ángulos rectos y, en general, se reducen las proporciones. Se persigue, en el trazado de las fachadas, una elegante sencillez mediante impostas y entablamentos regulares. el cuerpo central suele sobresalir algo de la línea general de la fachada , y sus balcones y terrazas se rematan, las mas de las veces, con airoso frontón curvo, en que figuran las armas del propietario, se disminuye el violento claroscuro en la arquitectura y la pintura en la música es considerado el Rococo una degeneración del Barroco.
Estrictamente hablando, arte Barroco es aquel que se extiende desde los primeros años del siglo XVII hasta mediados del XVIII. Se engendro en Italia, donde ya se desenvuelve a finales del siglo XVI, y perdura casi todo el siglo XVIII en algunos piases. Es el arte que se sigue al de la contrarreforma. Los piases exaltadamente en el Barroco fueron Italia, Alemania, y España, con sus dominios americanos.
Expresa el sentimiento de su época, es un arte brillante, ostentoso, expresando el poder y la grandeza de los monarcas y la fluyente riqueza de los estados y la prospera situación del catolicismo. Superando al Renacimiento, el barroco exalta la alegría del vivir, como algo sano y virtuoso, los grandes monumentos de la iglesia católica, con toda su imponente riqueza, atraen y deslumbran a los creyentes.
Hoy en día se considera uno de los periodos más maravillosos de la historia del arte y algunos teóricos determinan que todo periodo artístico posee una tercera fase denominada barroco es decir este es una constante histórica.
El patronazgo en esta época cobra formas diversas según los piases.
En Italia, son los papas los que impulsan el Barroco, en una dirección ostentosa y triunfalista. Están interesados en fomentar los tesoros artísticos, guardados en los grandes palacios de la ciudad de Roma. Un afán de emulación insaciable fomenta el coleccionismo entre las familias papales.
En Francia es el de serviré de arte para exaltar el soberano y con ello al estado. El centralismo es absorbente. Las palancas para ejercer este gobierno fueron los cargos de superintendentes y las academias. El ejemplo del monarca transmite a los altos cargos políticos, que tienen también sus palacios y ricas colecciones. Si Luis XIV elevo Versalles al mayor rango, Colbert se apunto el tanto de la inauguración del museo de Louvre, aunque quedara de momento alejado de la contemplación publica.
En Inglaterra, el arte fue objeto de protección oficial, la corona sufrago muchas obras, incluidas las religiosas, dado el papel del culto oficial. Pero sumemos la existencia de una aristocracia de la mayor exquisitez, que encierra en ostentosos palacios ricas colecciones.
En España, la realeza fue cliente ávido, fueron los monarcas fieles continuadores de sus antecesores en el gusto por el coleccionismo. Fue lastima que la extensa red palacial de la corona no contara con mejores edificios, asiendo el mayor contraste con abundancia de piezas de arte extranjeras, sobre todo de pintura. En cambio, pocas casas mobiliarias se distinguían por sus colecciones. Entre ellos el rey Felipe IV.
Volviendo al estilo Barroco, es de anotar que fue la mejor manera de expresar la idea de la iglesia triunfante, esta fuerza de la iglesia tuvo su equivalente, en Francia y en los piases protestantes, en el poder absoluto de los príncipes.
El Barroco tiende a las formas grandiosas y efectistas, desnaturalizado los elementos constructivos; las columnas, por ejemplo, dejan de ser un elemento sustentante para convertirce meramente en un elemento decorativo, y adoptan las mas insospechadas formas: retorcidas, helicoidales, etc; los arquitrabes se dislocan, y sobre ellos caen nuevos elementos decorativos sin la menor función constructiva, tales como nubes, rocas, etc.
El Barroco tiende a producir un efecto plástico acentuando vigorosamente los contrastes de claroscuro; los salientes se acentúan de manera violenta, los huecos se rehunden, los ángulos se hacen resaltar fuertemente. La dinámica línea curva es la dominante. Procuran evitarse las formas geométricas y definidas del Renacimiento. Se siguen empleando los ordenes grecorromanos y de ellos en especial el Jónico, de capiteles muy achatados y cuyas volutas caen por debajo del collarino; se emplean también a menudo el corintio. Las ventanas adoptan perfiles curvos; en las numerosas hornacinas, en los frontones rotos de puertas y ventanas y en las cornisas campean figuras simbólicas de ángeles o santos que , con sus suntuosos trajes agitados por el viento , expresan, de manera viva, la gloria del Barroco, la de un tiempo en el que, como en pocos, se exalto el ansia y la alegría de vivir.
La pintura en el estilo Barroco
La obra de arte Barroca aparece cuando el equilibrio entre la serenidad de las formas y el movimiento se rompe en beneficio del segundo. en este sentido, la tendencia Barroca no es privativa de una sola época. Pero el Barroco que se extiende desde Carvaggio; con su claroscuro, donde la luz invade oblicuamente el espacio, de modo que las formas surgen de violentos contrastes, con un realismo radical, una interpretación fiel del modelo, y Velázquez maestro indiscutible, llamado el pintor de la verdad, el técnico, el primer pintor moderno y uno de los mejores retratista de la historia, Rembrandt quien es considerado el máximo representante de la pintura Barroca Holandesa, quien practico un claro oscuro intenso, con un tenebrismo donde la luz no proviene de un foco o de una dirección siempre precisa y Fragonard considerado el pintor de la burguesía, con una pintura mas clasicista. estos y otros grandes artistas este periodo Barroco perduro hasta bien entrado el siglo XVIII, fue el resultado de la evolución del manierismo hacia criterios estéticos con formas sobreabundantes y ampulosas que dominaron a toda Europa.
La música en el estilo Barroco
El año 1600 señala el nacimiento de la opera, con la Eurìdice de Peri, y el del oratorio, con la Representación del alma y el cuerpo, de Cavalieri. En esta fecha se inician grandes transformaciones, que ya se gestaban desde hacia 25 años, y toman cuerpo muchas ideas revolucionarias. Estas ideas suelen agruparce bajo la etiqueta de reforma melodramática y designan el advenimiento de un nuevo lenguaje, de nuevas formas y de un nuevo ideal musical. La reforma melodramática imprime un giro brusco a la música y desemboca en un estilo que afirma a cada instante; la música es teatro. Este estilo se inscribe en la estética Barroca (1600-1750), universo del cambio, el movimiento y de la representación. El Barroco, arte de la ilusión, representa el mundo no en su realidad objetiva, sino como cosa percibida. En este sentido, toda obra Barroca es representativa y dramática.
El Arte Barroco exige otra dimensión: la de la representación y la expresión. En el siglo XVI una corriente de ideas ligada al humanismo había ya marcado una serie de hitos en esta dirección. Ciertamente existía la noción de música reservata (música secreta), destinada según algunos, a la ilustración musical de las imágenes contenidas en un texto literario; se pude decir , que este tipo de música realizo R. De Laussus cuando interpreto un grito mediante una melodía elevada. Para otros teóricos, sin embargo, la música reservata se asimila al virtuosismo en escritura basado en la utilización de medios técnicos nuevos (especialmente, el cromatismo), pero siempre cargados de un poderoso contenido emocional.
El proceso de la música reservata sigue su evolución durante el siglo XVII, donde el compositor no simplemente tratara de sustituir una imagen poética por una imagen sonora. Puesto que en la cosmovision Barroca figuraba la concepción del mundo como teatro, la música deberá mostrar las cosas no según su naturaleza, sino tal como aparecen.
En este periodo artístico se reafirmo también otro estilo musical que fue el figuralismo que venia desde la edad media. En esta, la pintura o figura en música existe de forma espontánea, desarrollando analogías para hallar la belleza, la gloria, el cielo de tal manera enérgica que logran ser visibles. Esta técnica algunos artistas la denominaron como la pintura para el oído, actualmente recibe el nombre de Madrigalismo. Paralela a la música figurativa se desarrolla la teoría de las pasiones, que bebe también en las pasiones del pensamiento que logran expresar el amor, el odio, la cólera, la templanza y la humildad.
Algunos representantes del estilo Barroco fueron:
Mattheson, Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Georg Friedrich Haendel.
ROCOCO
Este se desarrollo a partir del siglo XVIII, considerado por muchos como la edad del diamante: El Rococo es una distorsión fantasiosa de la palabra rocaille, ósea rocalla, y se refiere a la intrincada ornamentación de decoración insípida y recargada, fue vagamente peyorativo durante el siglo XIX. Es de anotar que el arte Francés del siglo XVIII es, por su puesto, ligero y etéreo, frívolo y adornado, gran parte, pero no todo, fue creado para una poderosa aristocracia, muy ricas y excesivamente indolente, y una clase media alta adinerada. Pero eso significa que no pudiera ser, aveces, profundo, multifacético y siempre brillante, la moda de los colores exquisitos y las ornamentaciones delicadas que siguió a las mas vigorosas del periodo Barroco, y que se manifestó con alegre frivolidad. El estilo predominante marco la insatisfacción del interés por el llamado arte primitivo, es decir, el arte de Africa, las civilizaciones del Océano Pacifico, América Latina, al igual que el de los pueblos nativos de América del Norte. El arte de Alemania tuvo gran impacto, e Italia se elevo de nuevo después de los días gloriosos del Renacimiento. La bella América (Estados Unidos) comenzó su largo y excepcionalmente fructífero periodo artístico.
El arte Rococo, es de resaltar que fue creado para reyes, reinas y favoritas reales indolentes y desenfrenados, donde sus palacios tenían como meta superar al de Versalles, con sus jardines naturales deleitaran a un pintor. Tal ves de allí, surge el paisajista. El asunto no es tan simple. A veces el arte de la época también presenta lo que podría llamarse una característica común.(el arte de burgueses para burgueses).
Entrando en detalle, el estilo Rococo es Francés, y fue obra de insignes decoradores, orientado bajo un sentido amable y juguetón con elementos decorativos exóticos de origen Chino; se persiguió la naturalidad y el desenfado, con acento picante, sensual, y frívolo muy de acuerdo con la mentalidad racionalistas y enciclopedista. Sus construcciones arquitectónicas buscan mas la elegancia y la gracia que la pompa y la solemnidad imponentes del estilo anterior. En las fachadas predomina un ritmo horizontal; audaces curvas suavizan la violencia de los ángulos rectos y, en general, se reducen las proporciones. Se persigue, en el trazado de las fachadas, una elegante sencillez mediante impostas y entablamentos regulares. el cuerpo central suele sobresalir algo de la línea general de la fachada , y sus balcones y terrazas se rematan, las mas de las veces, con airoso frontón curvo, en que figuran las armas del propietario, se disminuye el violento claroscuro en la arquitectura y la pintura en la música es considerado el Rococo una degeneración del Barroco.
HISTORIA DE LA COLONIA
LA COLONIA
Es obvio que en el año 1492, señalo para los pueblos americanos una mudanza radical en todos los sentidos en que pueden hablarse de una cultura. de pronto por obra del descubrimiento colombino y de la inmediata conquista española y portuguesa, los pobladores del continente se vieron abocados a aceptar otro concepto del mundo y otras formas de organización de los cuales nacía América; tan realmente, que las diversas culturas anteriores a la conquista, cuyos orígenes, interconexión y desarrollo guardan tantos enigmas para nosotros, constituyen hoy mas un objetivo para la arqueología que para la historiográfica.
A partir de 1492 y por más de tres siglos el nuevo mundo fue unido a la gran península ibérica ligado al idioma, religión, y costumbres. Donde los pueblos indígenas empezaron a sufrir una transformación radical.
Con la conquista entra el arte occidental a las ameritas, teniendo en cuenta que el arte que tiene su ingreso no era el mas actual para la época que vivía Europa.” El Renacimiento” sino un estilo mas medieval, que era el que vivía la clase popular europea.
El primer arte que entra tiene la función de evangelizar, es allí donde comienza la difícil tarea de remplazar ídolos de piedra y oro por imágenes naturalistas que remplazan las ideologías americanas.
En el periodo colonial no se desarrollo en cierta medida una actividad artístico colonial. Ya que la colonia es una actividad netamente político administrativo pero el termino es sugerido en el siglo XIX, aunque podemos decir que se distinguen algunos estilos de este periodo:
La hispánica y criolla.
La mestiza
La virreinal
La popular
La hispánica y criolla
Obedece a un claro propósito. Promulgar los temas, formas, y tónicas que se desarrollaban en España siendo mas bien una actividad provincial española, es pues sencillamente un arte español realizado en la nueva granada. Que trata de imitar a los grandes maestros de la época en España Zulbaran, Murillo o Morales y grandes escultores como Martínez Montañés o Alonso Cano y sumados a estos todos aquellos imitadores del manierismo italiano. Entre otros artistas hispanos criollos figuraron Figueroa y los Vásquez neogranadinos quienes procuraron esforzadamente asimilar, mezclando el lenguaje del Renacimiento y el Barroco.
El mestizo
Este arte, lo podríamos considerar como el verdadero arte colonial, ya que fue el producto del mestizaje racial, muy notable en el país, ya que hoy integra mas de la mitad de la población nacional.
Las principales manifestaciones artísticas se ven reflejadas en las siguientes manifestaciones artísticas: pintura, escultura, talla ornamental, decoración arquitectónica, platería, tejido, Etc. Es de anotarse que la mejor producción se desarrollo en la nueva España (México), nueva castilla (Perú), y Quito ya que existieron indígenas mas organizados para la ejecución de artesanías y parece que la baja producción en Colombia se debe a que en la nueva granada no participaron mucho los indígenas, aunque la mayor producción se encuentra actualmente en Boyacá.
El virreinal
Es el arte, que se presenta en las altas esferas oficiales a partir de la mitad del siglo XVIII, de hecho es un nuevo estilo criollo, se dice esto por que sigue el gran interés de copiado del arte europeo, pero con la modificación de las tendencias francesas, que se vieron reflejadas en el mobiliario de los virreyes españoles en la nueva granada.
El popular
Este arte estuvo muy dedicado a la producción piadosa, pero con un elemento particular, eran de aspecto censillo con carácter primitivista utilizado en sitios domésticos.
Manifestaciones artísticas de la colonia:
Pintura
Los personajes mas reconocidos son de apellidos hispano criollos que cumplían su papel artístico bajo una actitud artesanal, ya que se fundaron talleres familiares, parecidos a los que surgieron en el Renacimiento.
Algunos de los artistas mas conocidos entre otros fueron:
Alonso de Narváez, 1583, sevillano dedicado a la platería además de la pintura.
Antonio, Bernardo, Jerónima Acero de la Cruz y otros con el mismo apellido durante la primera mitad del siglo XVII, lo mismo con la familia Figueroa quien extendió su aprendizaje a Gregorio Vásquez Cevallos, Gregorio Carvallo de la Parra, Alonso y Tomas Fernández de Heredia quienes fundaron algunos talleres trabajando todos bajo una actitud naturalista y no hay que olvidar a todos aquellos artistas que participaron de la expedición botánica dirigida por José Celestino Mutis.
Escultura
La escultura surgió cerca a la tradición Española en la talla en madera estofada y policromada con brillantez que hace que las obras de bulto se vean reales y ayuda a estos elementos el color natural impreso en las tallas, los ojos de vidrio, el cabello natural, y las ropas reales, los cuales pasaron los limites escultóricos de aquella escultura tradicional. Algunos de los principales artistas de la época fueron:
Juan de Cabrera
Pedro de Lugo y sus hijos Lorenzo, Luís y Salvador.
Talla decorativa
Esta fue utilizada en los interiores de las iglesias, que no se puede pasar por alto, ya que fue la gran manifestación durante los siglos XVII, XVIII, que representan cerca de unos 1000 retablos en el territorio Colombiano de diferentes tamaños y calidades. Hay que aclarar que el retablo es aquello que se encuentra detrás del altar, en ocasiones es decorado con esculturas de santos. Es de anotar que los colores utilizados fueron el rojo carmín, azul ultramar, ocre dorado. Entre los artistas mas destacados se encuentra el tallista Pedro Caballero.
Artesanía
Auque el arte popular no es la artesanía de función utilitaria, sus formas se nutren muchas veces de esta. Ya que son arrancadas de la tradición de las comunidades:
Alfarería
Esta tendencia artística decayó durante el periodo colonial ya que el conquistador antes aprendió de las culturas indígenas.
Metalurgia
Este se inrequecio con la utilización de nuevos materiales como el hierro, el bronce, utilizado para la cerrajería, y el trabajo del oro fue reducido y decayó su calidad aunque algunas técnicas progresaron de manos de mestizos y negros. Algunos de los principales artistas fueron:
José Galaz
Nicolás de Burgos
José de la Iglesia
Antonio Rodríguez
Nota: la plata fue el material mas corriente utilizado en la nueva granada para la decoración de las iglesias la cual era platería repujada.
Ebanistería
Este arte fue totalmente nuevo ya que los indígenas lo desconocían; pues a pesar de la inmensa riqueza forestal no fue aprovechada sino hasta después de la conquista con la traída de herramientas utilizadas para la fabricación de elementos mobiliarios.
Bibliografía
Gil Tovar, Francisco, El Arte Colombiano, E.d. Plaza y Janes, Colombia, 1997. P.p 39 – 84
Es obvio que en el año 1492, señalo para los pueblos americanos una mudanza radical en todos los sentidos en que pueden hablarse de una cultura. de pronto por obra del descubrimiento colombino y de la inmediata conquista española y portuguesa, los pobladores del continente se vieron abocados a aceptar otro concepto del mundo y otras formas de organización de los cuales nacía América; tan realmente, que las diversas culturas anteriores a la conquista, cuyos orígenes, interconexión y desarrollo guardan tantos enigmas para nosotros, constituyen hoy mas un objetivo para la arqueología que para la historiográfica.
A partir de 1492 y por más de tres siglos el nuevo mundo fue unido a la gran península ibérica ligado al idioma, religión, y costumbres. Donde los pueblos indígenas empezaron a sufrir una transformación radical.
Con la conquista entra el arte occidental a las ameritas, teniendo en cuenta que el arte que tiene su ingreso no era el mas actual para la época que vivía Europa.” El Renacimiento” sino un estilo mas medieval, que era el que vivía la clase popular europea.
El primer arte que entra tiene la función de evangelizar, es allí donde comienza la difícil tarea de remplazar ídolos de piedra y oro por imágenes naturalistas que remplazan las ideologías americanas.
En el periodo colonial no se desarrollo en cierta medida una actividad artístico colonial. Ya que la colonia es una actividad netamente político administrativo pero el termino es sugerido en el siglo XIX, aunque podemos decir que se distinguen algunos estilos de este periodo:
La hispánica y criolla.
La mestiza
La virreinal
La popular
La hispánica y criolla
Obedece a un claro propósito. Promulgar los temas, formas, y tónicas que se desarrollaban en España siendo mas bien una actividad provincial española, es pues sencillamente un arte español realizado en la nueva granada. Que trata de imitar a los grandes maestros de la época en España Zulbaran, Murillo o Morales y grandes escultores como Martínez Montañés o Alonso Cano y sumados a estos todos aquellos imitadores del manierismo italiano. Entre otros artistas hispanos criollos figuraron Figueroa y los Vásquez neogranadinos quienes procuraron esforzadamente asimilar, mezclando el lenguaje del Renacimiento y el Barroco.
El mestizo
Este arte, lo podríamos considerar como el verdadero arte colonial, ya que fue el producto del mestizaje racial, muy notable en el país, ya que hoy integra mas de la mitad de la población nacional.
Las principales manifestaciones artísticas se ven reflejadas en las siguientes manifestaciones artísticas: pintura, escultura, talla ornamental, decoración arquitectónica, platería, tejido, Etc. Es de anotarse que la mejor producción se desarrollo en la nueva España (México), nueva castilla (Perú), y Quito ya que existieron indígenas mas organizados para la ejecución de artesanías y parece que la baja producción en Colombia se debe a que en la nueva granada no participaron mucho los indígenas, aunque la mayor producción se encuentra actualmente en Boyacá.
El virreinal
Es el arte, que se presenta en las altas esferas oficiales a partir de la mitad del siglo XVIII, de hecho es un nuevo estilo criollo, se dice esto por que sigue el gran interés de copiado del arte europeo, pero con la modificación de las tendencias francesas, que se vieron reflejadas en el mobiliario de los virreyes españoles en la nueva granada.
El popular
Este arte estuvo muy dedicado a la producción piadosa, pero con un elemento particular, eran de aspecto censillo con carácter primitivista utilizado en sitios domésticos.
Manifestaciones artísticas de la colonia:
Pintura
Los personajes mas reconocidos son de apellidos hispano criollos que cumplían su papel artístico bajo una actitud artesanal, ya que se fundaron talleres familiares, parecidos a los que surgieron en el Renacimiento.
Algunos de los artistas mas conocidos entre otros fueron:
Alonso de Narváez, 1583, sevillano dedicado a la platería además de la pintura.
Antonio, Bernardo, Jerónima Acero de la Cruz y otros con el mismo apellido durante la primera mitad del siglo XVII, lo mismo con la familia Figueroa quien extendió su aprendizaje a Gregorio Vásquez Cevallos, Gregorio Carvallo de la Parra, Alonso y Tomas Fernández de Heredia quienes fundaron algunos talleres trabajando todos bajo una actitud naturalista y no hay que olvidar a todos aquellos artistas que participaron de la expedición botánica dirigida por José Celestino Mutis.
Escultura
La escultura surgió cerca a la tradición Española en la talla en madera estofada y policromada con brillantez que hace que las obras de bulto se vean reales y ayuda a estos elementos el color natural impreso en las tallas, los ojos de vidrio, el cabello natural, y las ropas reales, los cuales pasaron los limites escultóricos de aquella escultura tradicional. Algunos de los principales artistas de la época fueron:
Juan de Cabrera
Pedro de Lugo y sus hijos Lorenzo, Luís y Salvador.
Talla decorativa
Esta fue utilizada en los interiores de las iglesias, que no se puede pasar por alto, ya que fue la gran manifestación durante los siglos XVII, XVIII, que representan cerca de unos 1000 retablos en el territorio Colombiano de diferentes tamaños y calidades. Hay que aclarar que el retablo es aquello que se encuentra detrás del altar, en ocasiones es decorado con esculturas de santos. Es de anotar que los colores utilizados fueron el rojo carmín, azul ultramar, ocre dorado. Entre los artistas mas destacados se encuentra el tallista Pedro Caballero.
Artesanía
Auque el arte popular no es la artesanía de función utilitaria, sus formas se nutren muchas veces de esta. Ya que son arrancadas de la tradición de las comunidades:
Alfarería
Esta tendencia artística decayó durante el periodo colonial ya que el conquistador antes aprendió de las culturas indígenas.
Metalurgia
Este se inrequecio con la utilización de nuevos materiales como el hierro, el bronce, utilizado para la cerrajería, y el trabajo del oro fue reducido y decayó su calidad aunque algunas técnicas progresaron de manos de mestizos y negros. Algunos de los principales artistas fueron:
José Galaz
Nicolás de Burgos
José de la Iglesia
Antonio Rodríguez
Nota: la plata fue el material mas corriente utilizado en la nueva granada para la decoración de las iglesias la cual era platería repujada.
Ebanistería
Este arte fue totalmente nuevo ya que los indígenas lo desconocían; pues a pesar de la inmensa riqueza forestal no fue aprovechada sino hasta después de la conquista con la traída de herramientas utilizadas para la fabricación de elementos mobiliarios.
Bibliografía
Gil Tovar, Francisco, El Arte Colombiano, E.d. Plaza y Janes, Colombia, 1997. P.p 39 – 84
HISTORIA RENACIMIENTO
RENACIMIENTO
La modernidad la podemos situar cronológicamente en la historia del arte a partir del Renacimiento en el siglo XV, termino el cual significa volver a nacer en referencia a la oscuridad manejada siglos anteriores, de esta manera nace una preocupación por instaurar lo nuevo o retomar a los clásicos como símbolo de la sabiduría; Griegos y Romanos. Predominando la individualidad, la agremiación de artistas, el nacimiento de la perspectiva y el surgimiento de una nueva clase social, la burguesía.
La burguesía, fue la nueva clase social naciente, compuesta por grandes mercaderes adinerados sin vínculos directos con la nobleza, que afanados por rehacer un nombre se embarcaron en grandes proyectos que le significaran un trascender en el tiempo y la historia, crearon sus propios palacios entorno a sus propios intelectuales, originando una gran demanda en los productos artísticos, favoreciendo el impulso y el surgimiento de las agremiaciones de orfebres, artesanos, tejedores etc. Los cuales podemos considerar como los primeros sindicatos organizados.
La obra de arte en este periodo histórico deja de ser una mera actividad artesanal, por medio de la cual era representada la verdad del mundo divino de la iglesia, el artesano o el artista pasa a ser ya el portador de la verdad por aquello de representar el mundo real a través de la perspectiva. Este periodo de la historia esta marcada por la pura visualidad el asunto puede ser relacionado directamente con la antigua convicción Platónica de que la vista es el mas noble de los sentidos ya que los otros sentidos solo pueden marcarnos asociaciones temporales.
La obra de arte pasa a ser una de las grandes posesiones de la verdad, en un principio para la iglesia y ahora en el Renacimiento para el mejor postor, la cual podemos determinar como una verdad parcial pero nunca relativa, a partir de este momento sentimos mas aun el carácter de privado de la obra de arte.
Los primeros indicios del renacimiento fueron marcados por artistas que deliberadamente crearon un arte nuevo, rompiendo con ideas del pasado o arte internacional, utilizando elementos rescatados de los clásicos, bajo el concepto que allí se encontraba la sabiduría, uno de esos visionarios que dieron pie a esta libre expresión fue Filippo Brunelleschi (1377-1446) quien retoma en sus proyectos arquitectónicos elementos de los clásicos como las cúpulas, columnas y fachadas, lo interesante de este autor es que fue capas de imponer tal estilo en el gusto durante cinco siglos mas y se le atribuye la implementación de la geometría euclidiana para interpretar el mundo real , es decir la perspectiva. Una de sus grandes obras es (catedral) Doumo de Florencia 1436
La perspectiva, fue un de los elementos fundamentales en el nacimiento de este nuevo pensamiento artístico marcado por la individualidad y la posesión de una nueva verdad, la verdad vista por los artistas puesto que eran los poseedores de la visión del mundo real, es decir se convirtieron en mediadores de la realidad
Podemos observar tales tratamientos artísticos en los siguientes autores que marcaron un hito en la historia del arte.
Masaccio (1401-1428) a este autor se le reconoce como uno de los primeros en aplicar los conceptos de Brunelleschi sobre la geometría Euclidiana en sus pinturas sumado con los elementos reconocibles de la arquitectura clásica. En una de sus obras podemos ver tal manejo en su obra de 1425 (fresco) La santísima trinidad
Donatello (1386-1466) Este autor como gran representante de la escultura, fue uno de los iniciadores del gran estilo del Renacimiento rompiendo con el pasado del estilo Gótico, ya que le puso mas soberbia a sus bustos ya que en la época pasada eran más apacibles. Podemos ver tal ímpetu en su obra San Jorge 1415
Hasta este momento hemos mencionado los inicios del renacimiento en Italia como centro de tal renovación artística, pero en los países bajos (Bélgica), se desarrollaba también estos primeros inicios del Renacimiento, sumado a los anteriores conceptos de los Italianos, manejaron una perspectiva a partir de la distribución de elementos decorativos en sus pinturas lo cual a caracterizado su pintura a través del tiempo.
Jan Van Eyck (1390?-1441) Este gran representante de los países bajos a quien descontento con la pintura al huevo (tempera) se le ocurrió emplear aceité lo que dio lugar a una pintura más elástica que luego se le conoció como Óleo por lo cual se le atribuye a este autor como su inventor, su gran característica en sus obras el refinamiento en los detalles y su gran maestría en la ejecución de retratos. Tal sensación la podemos ver reflejada en una de sus obras en (Óleo) El matrimonio Arnolfini 1434, Pero a pesar de las innovaciones planteadas por Jan Van Eyck en la pintura no se avía generado una ruptura total con el periodo gótico, como si avía sucedido en Italia, los arquitectos de los países bajos continuaban con sus esquemas de magnificencia de las catedrales góticas lo cual podemos observar en la obra arquitectonica el Patio palacio de la justicia antigua tesorería Ruan1482
El Renacimiento tratado hasta el momento se denomina como el Quatrocento, otros grandes artistas de este periodo fueron: Leon Battista Alberti, Fra Angélico, Paolo Ucello, Benozzo Gozzoli, Andrea Mantegna, Piero de la Francesca, Sandro Botticelli, Rogier Van Der Weyden, Hugo Van Der Goes, Etc.
Otro gran periodo fue el ciquencento, considerado el grado mas alto del Renacimiento, donde la sociedad entera se entrega al nuevo estilo, favoreciendo así la aparición de grandes genios como Leonardo Da Vencí, Miguel Ángel, Rafael, Ticiano, Giorgione, Durero, y Holbein en el norte, entre muchos otros celebres artistas del momento que brindaron grandes avances artísticos, técnicos y científicos para la humanidad, logrando cierto grado de autonomía en sus representaciones aislándolas de la rigidez a partir de la técnica desarrollada en un principio por Leonardo Da Vencí el sfumato. Donde podemos ver su gran innovación y maestría es en su obra en óleo sobre tabla la Mona lisa o Gioconda.
En esta obra de Leonardo Da Vincí, observamos el gran estilo del renacimiento, La ejecución artística autónoma, la temática del retrato, la aplicación de la técnica del sfumato que nos permite observar menos rígida la figura, el autor permite en la representación que se perciba una expresión facial de aspecto natura, que podemos considerar como una innovación.
Existe otro gran numero de obras artísticas en las cuales nos podemos detener para darnos cuenta del sentido de autonomía en el momento de desarrollar una obra de arte, así esta sea desarrollada a partir de un encargo.
En imágenes como las de la capilla sextina fresco de 1508 percibimos la autonomía del artista en el momento de representar una escena sea esta un hecho religioso o independiente. Ho en obras como las bodas de caná de 1562 del Veronenese observamos un grupo de músicos que son Paolo Veronese, Tintoreto, Ticiano y Jocopo Bassano que son los artistas de la época.
Fue tanta la entrega al nuevo estilo en este periodo que el papa julio II en 1506 en particular trata de generar una nueva imagen de la iglesia a partir de la modificación de la plaza de San Pedro el proyecto de modificación fue entregado al arquitecto Bramante, quien plantea su diseño a partir del coliseo Romano, debido a la gran inversión el papa, en aquel afán de cumplir su sueño vende indulgencias para subsanar los gastos, la inconformidad genera la primera gran protesta popular liderada por Lutero dando comienzo a la gran reforma esta fue una de las grandes crisis del renacimiento que en parte impulsaron mas por obligación que por voluntad propia a representar otro tipo de imágenes diferentes a las religiosas como retratos y escenas cotidianas de la comunidad, ya que algunos países adoptaron el protestantismo.podemos ver algunas obras con dichas caracteristicas pero seria recomendable observar la obra de Pieter Bruegel (Óleo) 1568 Boda aldeana
Pieter Bruegel (1525?-1569) su pintura característica de los países bajos que afianza su perspectiva a trabes de los detalles y una de sus grandes aportes fue la representación de imágenes cotidianas y personajes humildes.
Pero una de las más grandes crisis del Renacimiento, fue determinada por la actitud de copiar las formas y los tratamientos pictóricos de los grandes maestros de la época y un tratamiento casi burlesco y exagerado de las formas que dio origen a lo que hoy conocemos como manierismo.
El Manierismo fue más marcado en la Arquitectura, uno de los hechos fundamentales para tener en cuenta es que muchos de los elementos utilizados en las construcciones son meramente decorativos y no funcionales; para un ejemplo claro podríamos mirar la obra arquitectónica de Andrea Palladio Villa rotonda, cerca de Venecia, 1550, donde el autor sacrifica la función como vivienda por la decoración. Ya que esta construcción pose la misma fachada por los cuatro lados.
Y cuando hablamos de música. Se dice que la renovación musical empezó en los años 1460- 1470. Durante este periodo se produce la liquidación del espíritu medieval, que pasa por el abandono progresivo de las formas sobre cantus Firmus y el descubrimiento de nuevas relaciones entre texto y música.
En Florencia se produce un Renacimiento en las artes plásticas como ya a sido mencionado, basado en la observación de los antiguos, la música permanecerá relativamente al margen hasta entrado el siglo XVI, primero los músicos comenzaran asimilando lentamente las grandes teorías grecolatinas sobre la primacía del texto literario o la expresión de las pasiones, actualizadas por la difusión de las ideas humanistas; luego, a partir de 1550, las cosas se precipitan, al pasar del espíritu a la letra, los compositores descubren un tesoro, el cromatismo de los antiguos, la medida a la antigua y el recitativo, supuesto modo de expresión verbo-musical del teatro Griego.
La imprenta musical, que se desarrollo en Venecia en los últimos años del siglo XV, jugo un papel fundamental en la difusión del nuevo estilo, la primera recopilación es el Odhecaton en 1550. Paralelo a estas publicaciones se crean academias que reúnen a un publico apasionado por el arte, este movimiento, Italiano en su origen, llega a Francia y de allí por toda Europa. Todo gracias a los mecenas.
La literatura se beneficia con la invención de la imprenta en 1451. La cual se esparce por toda Europa.
A manara de conclusión podemos determinar unos conceptos claros sobre el Renacimiento:
· Durante la primera mitad del siglo XV, la pintura Florentina abandona la tradición Gótica y se señala el camino del pleno Renacimiento.
· En la primera mitad del Quattrcento Italiano surgen los primeros pasos teóricos de la perspectiva y del estudio del cuerpo Humano.
· Los pintores de la primera mitad del siglo XV, se mueven entre el gusto por la plasticidad escultórica y la tendencia lineal y rítmica.
· Durante el Cinquecento la pintura Italiana alcanza la plenitud renacentista, su clasicismo, e inicia una etapa histórica de ámbito internacional de gran creatividad que denominamos Manierismo.
· El Manierismo es la corriente estética continuadora de la gran maniera de pintar de Rafael y Miguel Angel.
· El Renacimiento europeo ofrece rasgos estilísticos bastante uniformes debido a las influencias comunes Italianas y Flamencas.
· Durante el siglo XV, la pintura flamenca tuvo tanta o más influencia que la italiana.
· Sin abandonar sus raíces Góticas, los pintores flamencos se inclinan por un realismo de extraordinaria calidad y vocación escultórica.
BIBLIOGRAFIA
* Wilkinson, Philip, Historia Mundial, Ed. Molino,1996, Barcelona, Pp 76-77
* Gombrich, E.H. Historia del Arte, Ed. Debate, 1997, Madrid, Pp 223- 339
* Gonzalez, Martin, Historia del Arte tomo II, E.d. Gredos SA., 1992, Madrid, Pp 8-117
* Claire, Marie, Historia de la Musica, Ed, Espasa,1997, Madrid, Pp 211-215 (Introducción al renacimiento)
* Parramon, Como reconocer los estilos, Ed 3 Parramon, 2000, Barcelona, Pp. 30-43.
La modernidad la podemos situar cronológicamente en la historia del arte a partir del Renacimiento en el siglo XV, termino el cual significa volver a nacer en referencia a la oscuridad manejada siglos anteriores, de esta manera nace una preocupación por instaurar lo nuevo o retomar a los clásicos como símbolo de la sabiduría; Griegos y Romanos. Predominando la individualidad, la agremiación de artistas, el nacimiento de la perspectiva y el surgimiento de una nueva clase social, la burguesía.
La burguesía, fue la nueva clase social naciente, compuesta por grandes mercaderes adinerados sin vínculos directos con la nobleza, que afanados por rehacer un nombre se embarcaron en grandes proyectos que le significaran un trascender en el tiempo y la historia, crearon sus propios palacios entorno a sus propios intelectuales, originando una gran demanda en los productos artísticos, favoreciendo el impulso y el surgimiento de las agremiaciones de orfebres, artesanos, tejedores etc. Los cuales podemos considerar como los primeros sindicatos organizados.
La obra de arte en este periodo histórico deja de ser una mera actividad artesanal, por medio de la cual era representada la verdad del mundo divino de la iglesia, el artesano o el artista pasa a ser ya el portador de la verdad por aquello de representar el mundo real a través de la perspectiva. Este periodo de la historia esta marcada por la pura visualidad el asunto puede ser relacionado directamente con la antigua convicción Platónica de que la vista es el mas noble de los sentidos ya que los otros sentidos solo pueden marcarnos asociaciones temporales.
La obra de arte pasa a ser una de las grandes posesiones de la verdad, en un principio para la iglesia y ahora en el Renacimiento para el mejor postor, la cual podemos determinar como una verdad parcial pero nunca relativa, a partir de este momento sentimos mas aun el carácter de privado de la obra de arte.
Los primeros indicios del renacimiento fueron marcados por artistas que deliberadamente crearon un arte nuevo, rompiendo con ideas del pasado o arte internacional, utilizando elementos rescatados de los clásicos, bajo el concepto que allí se encontraba la sabiduría, uno de esos visionarios que dieron pie a esta libre expresión fue Filippo Brunelleschi (1377-1446) quien retoma en sus proyectos arquitectónicos elementos de los clásicos como las cúpulas, columnas y fachadas, lo interesante de este autor es que fue capas de imponer tal estilo en el gusto durante cinco siglos mas y se le atribuye la implementación de la geometría euclidiana para interpretar el mundo real , es decir la perspectiva. Una de sus grandes obras es (catedral) Doumo de Florencia 1436
La perspectiva, fue un de los elementos fundamentales en el nacimiento de este nuevo pensamiento artístico marcado por la individualidad y la posesión de una nueva verdad, la verdad vista por los artistas puesto que eran los poseedores de la visión del mundo real, es decir se convirtieron en mediadores de la realidad
Podemos observar tales tratamientos artísticos en los siguientes autores que marcaron un hito en la historia del arte.
Masaccio (1401-1428) a este autor se le reconoce como uno de los primeros en aplicar los conceptos de Brunelleschi sobre la geometría Euclidiana en sus pinturas sumado con los elementos reconocibles de la arquitectura clásica. En una de sus obras podemos ver tal manejo en su obra de 1425 (fresco) La santísima trinidad
Donatello (1386-1466) Este autor como gran representante de la escultura, fue uno de los iniciadores del gran estilo del Renacimiento rompiendo con el pasado del estilo Gótico, ya que le puso mas soberbia a sus bustos ya que en la época pasada eran más apacibles. Podemos ver tal ímpetu en su obra San Jorge 1415
Hasta este momento hemos mencionado los inicios del renacimiento en Italia como centro de tal renovación artística, pero en los países bajos (Bélgica), se desarrollaba también estos primeros inicios del Renacimiento, sumado a los anteriores conceptos de los Italianos, manejaron una perspectiva a partir de la distribución de elementos decorativos en sus pinturas lo cual a caracterizado su pintura a través del tiempo.
Jan Van Eyck (1390?-1441) Este gran representante de los países bajos a quien descontento con la pintura al huevo (tempera) se le ocurrió emplear aceité lo que dio lugar a una pintura más elástica que luego se le conoció como Óleo por lo cual se le atribuye a este autor como su inventor, su gran característica en sus obras el refinamiento en los detalles y su gran maestría en la ejecución de retratos. Tal sensación la podemos ver reflejada en una de sus obras en (Óleo) El matrimonio Arnolfini 1434, Pero a pesar de las innovaciones planteadas por Jan Van Eyck en la pintura no se avía generado una ruptura total con el periodo gótico, como si avía sucedido en Italia, los arquitectos de los países bajos continuaban con sus esquemas de magnificencia de las catedrales góticas lo cual podemos observar en la obra arquitectonica el Patio palacio de la justicia antigua tesorería Ruan1482
El Renacimiento tratado hasta el momento se denomina como el Quatrocento, otros grandes artistas de este periodo fueron: Leon Battista Alberti, Fra Angélico, Paolo Ucello, Benozzo Gozzoli, Andrea Mantegna, Piero de la Francesca, Sandro Botticelli, Rogier Van Der Weyden, Hugo Van Der Goes, Etc.
Otro gran periodo fue el ciquencento, considerado el grado mas alto del Renacimiento, donde la sociedad entera se entrega al nuevo estilo, favoreciendo así la aparición de grandes genios como Leonardo Da Vencí, Miguel Ángel, Rafael, Ticiano, Giorgione, Durero, y Holbein en el norte, entre muchos otros celebres artistas del momento que brindaron grandes avances artísticos, técnicos y científicos para la humanidad, logrando cierto grado de autonomía en sus representaciones aislándolas de la rigidez a partir de la técnica desarrollada en un principio por Leonardo Da Vencí el sfumato. Donde podemos ver su gran innovación y maestría es en su obra en óleo sobre tabla la Mona lisa o Gioconda.
En esta obra de Leonardo Da Vincí, observamos el gran estilo del renacimiento, La ejecución artística autónoma, la temática del retrato, la aplicación de la técnica del sfumato que nos permite observar menos rígida la figura, el autor permite en la representación que se perciba una expresión facial de aspecto natura, que podemos considerar como una innovación.
Existe otro gran numero de obras artísticas en las cuales nos podemos detener para darnos cuenta del sentido de autonomía en el momento de desarrollar una obra de arte, así esta sea desarrollada a partir de un encargo.
En imágenes como las de la capilla sextina fresco de 1508 percibimos la autonomía del artista en el momento de representar una escena sea esta un hecho religioso o independiente. Ho en obras como las bodas de caná de 1562 del Veronenese observamos un grupo de músicos que son Paolo Veronese, Tintoreto, Ticiano y Jocopo Bassano que son los artistas de la época.
Fue tanta la entrega al nuevo estilo en este periodo que el papa julio II en 1506 en particular trata de generar una nueva imagen de la iglesia a partir de la modificación de la plaza de San Pedro el proyecto de modificación fue entregado al arquitecto Bramante, quien plantea su diseño a partir del coliseo Romano, debido a la gran inversión el papa, en aquel afán de cumplir su sueño vende indulgencias para subsanar los gastos, la inconformidad genera la primera gran protesta popular liderada por Lutero dando comienzo a la gran reforma esta fue una de las grandes crisis del renacimiento que en parte impulsaron mas por obligación que por voluntad propia a representar otro tipo de imágenes diferentes a las religiosas como retratos y escenas cotidianas de la comunidad, ya que algunos países adoptaron el protestantismo.podemos ver algunas obras con dichas caracteristicas pero seria recomendable observar la obra de Pieter Bruegel (Óleo) 1568 Boda aldeana
Pieter Bruegel (1525?-1569) su pintura característica de los países bajos que afianza su perspectiva a trabes de los detalles y una de sus grandes aportes fue la representación de imágenes cotidianas y personajes humildes.
Pero una de las más grandes crisis del Renacimiento, fue determinada por la actitud de copiar las formas y los tratamientos pictóricos de los grandes maestros de la época y un tratamiento casi burlesco y exagerado de las formas que dio origen a lo que hoy conocemos como manierismo.
El Manierismo fue más marcado en la Arquitectura, uno de los hechos fundamentales para tener en cuenta es que muchos de los elementos utilizados en las construcciones son meramente decorativos y no funcionales; para un ejemplo claro podríamos mirar la obra arquitectónica de Andrea Palladio Villa rotonda, cerca de Venecia, 1550, donde el autor sacrifica la función como vivienda por la decoración. Ya que esta construcción pose la misma fachada por los cuatro lados.
Y cuando hablamos de música. Se dice que la renovación musical empezó en los años 1460- 1470. Durante este periodo se produce la liquidación del espíritu medieval, que pasa por el abandono progresivo de las formas sobre cantus Firmus y el descubrimiento de nuevas relaciones entre texto y música.
En Florencia se produce un Renacimiento en las artes plásticas como ya a sido mencionado, basado en la observación de los antiguos, la música permanecerá relativamente al margen hasta entrado el siglo XVI, primero los músicos comenzaran asimilando lentamente las grandes teorías grecolatinas sobre la primacía del texto literario o la expresión de las pasiones, actualizadas por la difusión de las ideas humanistas; luego, a partir de 1550, las cosas se precipitan, al pasar del espíritu a la letra, los compositores descubren un tesoro, el cromatismo de los antiguos, la medida a la antigua y el recitativo, supuesto modo de expresión verbo-musical del teatro Griego.
La imprenta musical, que se desarrollo en Venecia en los últimos años del siglo XV, jugo un papel fundamental en la difusión del nuevo estilo, la primera recopilación es el Odhecaton en 1550. Paralelo a estas publicaciones se crean academias que reúnen a un publico apasionado por el arte, este movimiento, Italiano en su origen, llega a Francia y de allí por toda Europa. Todo gracias a los mecenas.
La literatura se beneficia con la invención de la imprenta en 1451. La cual se esparce por toda Europa.
A manara de conclusión podemos determinar unos conceptos claros sobre el Renacimiento:
· Durante la primera mitad del siglo XV, la pintura Florentina abandona la tradición Gótica y se señala el camino del pleno Renacimiento.
· En la primera mitad del Quattrcento Italiano surgen los primeros pasos teóricos de la perspectiva y del estudio del cuerpo Humano.
· Los pintores de la primera mitad del siglo XV, se mueven entre el gusto por la plasticidad escultórica y la tendencia lineal y rítmica.
· Durante el Cinquecento la pintura Italiana alcanza la plenitud renacentista, su clasicismo, e inicia una etapa histórica de ámbito internacional de gran creatividad que denominamos Manierismo.
· El Manierismo es la corriente estética continuadora de la gran maniera de pintar de Rafael y Miguel Angel.
· El Renacimiento europeo ofrece rasgos estilísticos bastante uniformes debido a las influencias comunes Italianas y Flamencas.
· Durante el siglo XV, la pintura flamenca tuvo tanta o más influencia que la italiana.
· Sin abandonar sus raíces Góticas, los pintores flamencos se inclinan por un realismo de extraordinaria calidad y vocación escultórica.
BIBLIOGRAFIA
* Wilkinson, Philip, Historia Mundial, Ed. Molino,1996, Barcelona, Pp 76-77
* Gombrich, E.H. Historia del Arte, Ed. Debate, 1997, Madrid, Pp 223- 339
* Gonzalez, Martin, Historia del Arte tomo II, E.d. Gredos SA., 1992, Madrid, Pp 8-117
* Claire, Marie, Historia de la Musica, Ed, Espasa,1997, Madrid, Pp 211-215 (Introducción al renacimiento)
* Parramon, Como reconocer los estilos, Ed 3 Parramon, 2000, Barcelona, Pp. 30-43.
HISTORIA PRE-ROMANICO Y ROMANICO
HISTORIA PRE-ROMANICO Y ROMANICO
Realizando una síntesis histérica, partimos de la gran influencia del imperio de Carlomagno, heredado de su padre Pipino quien libro de las guerras musulmanas a Europa, Carlomagno 768-814, realizo la unión del pontificado con el imperio; reconstruyo el imperio de occidente; su imperio abarco a Galia, Italia, Germanía, y parte de España. Su gobierno fue benéfico para la iglesia y excelente legislador. Es el guerrero y conquistador mas notable de la edad media. Guerreo contra los lombardos y los arrojo de Italia. En guerras contra los sajones civilizo y cristianizo gran parte de Alemania. Carlomagno emprendió reformas políticas y sociales, robusteció la autoridad real: por medio de los Misis dominici los reclamos del pueblo, sus sabias resoluciones quedaron consideradas en capitulaciones. Reorganizo el ejercito, impulso las letras y la ciencia por el arranca la cultura intelectual del imperio franco. Con la coronación en el año 800 por el papa León III quedo consumada la unidad cristiana de la edad media que mas adelante por causa de las discordias de las guerras y de los hermanos de Carlomagno se firmo el tratado de Verdìm 843 por lo cual Carlos fue reconocido rey de Francia, Luis de Alemania, y Lotario de Italia, al expirar la dinastía de los carolingios 986 aparece la lengua francesa, derivación del latín.
Inicio de las monarquías europeas:
Alemania:
Fue el reino que alcanzo mayor preponderancia de los tres en que quedo dividido el imperio de Carlomagno. A fines del siglo IX existían los grandes ducados de Sajonia, Franconia, Suabia, Baviera, y lorena. Exponente notable de la casa Sajonia fue Oton I el grande 936-973 quien sometió a los otros duques aspirando a restablecer el imperio de Carlomagno, en estas luchas internas entre la monarquía y el papado fue que inicio la elección del papado por cónclave. El fracaso del imperio fue la intromisión en los asuntos eclesiásticos.
Francia:
Debilitada la autoridad carolingia fue remplazada por los Capetos: hallabace Francia fraccionada y el rey ere menos poderoso de todos los señores. Hugo Capeto 987-996 hizo la monarquía hereditaria. Felipe Augusto 1180-1223 estableció el tribunal de los Pares. acabo con el prestigio de Baubines con cuya ocasión Felipe incorpora a Francia la Normandía, Bretaña, y otros feudos ingleses, crea el estudio de París y construye el castillo de Louvre. Durante este reinado apareció la herejía de los albigeneses. Luis IX el santo 1226-1270 gobernó bajo la tutela de doña blanca de Castilla; alivio al pueblo, robusteció el poder real y sublimo a Francia.
Italia:
Desmembrado el imperio de Carlomagno, no hubo reno en Italia y de los diversos estados que le conformaban, ya que entre si eran antagónicos. Las ciudades no dependían del emparedaron sino de nombre presentandoce gran libertad en sus moradores dentro de ellas se presentaban:
Florencia : democrática, industrial, se acumulo dinero y aparecieron los bancos.
Génova: se dedico al comercio con oriente y occidente que decayó después de las cruzadas.
Nótese que después de la desmembración del imperio de Carlomagno se instituyo un monto de conflictos internos de poder intercalados con la religiosidad que dieron origen a un si numero de estos que en un comienzo podemos denominar el periodo pre –Románico.
Periodo histórico Pre- Románico:
· Estilo Merovigio 481-731
Se extiende principalmente por Bélgica, Francia, y Alemania desde la segunda mitad del siglo V hasta el año 750 aproximadamente.
La temática ornamental, florece sobre todo, en el arte de la joyería, conociendo perfectamente el trabajo de filigrana, del granulado y de incrustación. Conjuntamente con las formas decorativas clásicas heredadas de los pueblos germanos de forma animal entrmesclandoce con las formas cristianas.
· Estilo Carolingio 775-825
Se creo una arquitectura monumental, algunos ejemplos los podemos observar en la iglesia san vital en Ravena, la iglesia Saint-germain.
· Estilo logobardo 568-774
Aparecen junto a la ornamentación zoomorfa genuinamente germana, elementos típicamente bizantinas, tales como símbolos cristianos, palmetas, delfines, Etc.
Mas tarde en el siglo VIII, Lombardia será un foco de constructores y decoradores que recorrerán Europa propagando sus sistemas y formas.
· Estilo Visigótico 410-711
El estilo visigótico se caracteriza por la presencia sistemática del arco de herradura que luego los musulmanes divulgaran; los arcos descansan sobre ábacos en forma de tronco de pirámide invertida. Los capiteles de tipo corintio o compuesto, los hay también de tradición oriental, por influencia bizantina y son de forma cubica y con relativamente escaso relieve. Pero sus ornamentaciones están talladas a bisel para aumentar los contrastes sin que tener que recurrir a una labra profunda y laboriosa.
Los visigodos solían aprovechar los fustes de las viejas columnas Romanas; los mas genuinamente visigóticos son los acanalados en hélice
Emplean con abundancia la decoración, que consisten en elementos zoomorfos y fitomorfos a aveces acompañados de figuras humanas o de animales fantásticos, acompañados estos elementos por figuras geométricas y elementos vegetales.
Uno de los rasgos particulares es la aparición de la ventana germinada partida por una columna central.
· Estilo Asturiano 718-910
En los templos asturianos abunda el iconostasio que se presenta a copiosa saturación, también se decoran las jambas de las puertas y en los muros se esculpen bajorrelieves gigantes en forma de escudo que simulan estar colgados en la imposta.
· Estilo Mozárabe 800-980
Es el arte realizado por artistas cristianos bajo la influencia islámica carente de apoyo de gobernantes, estos artistas hacían un arte paupérrimo siguiendo la influencia visigótica empleando el arco de herradura pero mas cerrado que el visigótico apoyado con capiteles de tradición corintia con collarino de soga.
Periodo histórico Románico:
El arte Románico se basa, desde un punto de vista artístico, en tradiciones pre –Románicas y Bizantinas, con ciertos caracteres orientales llegados por un lado, a través del imperio bizantino y, por otro, a través de España.
Las peregrinaciones a los diferentes santuarios, y muy especialmente las organizadas por todo Europa para ir a venerar las reliquias del apóstol Santiago, contribuyeron a la expansión y la universalidad de las nuevas formas artísticas; es de anotar que arquitectos, pintores y escultores emprendieron grandes viajes y esto explica la amplia difusión que alcanzaron los sistemas constructivos lombardos. Por ejemplo, los libros iluminados fueron otra fuente importante de la inspiración que proporsiono motivos iconográficos para la pintura monumental y para la decoración escultórica, finalmente las cruzadas redundaron en beneficio del arte, facilitando contactos entre oriente y occidente.
El artista decorador Románico goza, para realizar su cometido de una libertad mucho mayor que sus colegas grecorromanos; en la decoración griega en efecto todos los capiteles son idénticos entre si, en un mismo edificio, los Romanos combinaban varios ordenes en un mismo edificio pero en el Románico no es necesario que todos los capiteles sean iguales de ahí su fantasía arquitectónica.
Las formas ornamentales preferidas son las geométricas, fitomorfas, zoomorfas y es frecuentemente las figuras humanas hay determinadas partes del templo en las cuales aplican la narración de hechos para los creyentes.
En la arquitectura Románica, se percibe gran pesado la masa de los muros que vienen a ser el contrapeso al empuje de las bóvedas, teniendo un papel expresivo en si misma, articulando el exterior a través de listones llamados bandas lombardas, apárese el rosetón como nuevo elemento arquitectónico; suele estar formado por arcos de medio punto que parten de un centro común al cual se unen por columnillas apeadas en un medio central.
El abovedamiento lleva consigo la sustitución de las delicadas columnas por gruesos robustos pilares, de forma rectangular o cruciforme decoradas con finas columnas adosadas, los fustes suelen ser cilíndricos. La ornamentación se aplica sobre todo, en capiteles en los que predomina la decoración vegetal muy a menudo poblada, con fantasía desorbitante, de criaturas y de animales fabulosos de un enorme interés iconográfico.
Elementos complementarios del texto:
· Trás la invación normanda se afianzó el poder de los obispos y los nobles es decir proliferó el sentido feudal.
· Los feudos giraban alrededor de construcciones en piedra gigantescas que eran las iglesias.
· Las representaciones dentro de las iglesias eran iconográficas y decoradas con elementos zoomorfos, vegetales, fitomorfos y figuras humanas.
· El románico es un arte esencialmente monacal, en una época donde el poder económico e incluso el político y humano se refugia en el monasterio; pero por ello mismo, la participación profana es muy fuerte y abundante.
· En lo técnico, el románico va a desarrollar sistemas iniciados ya en al época caroligia, se perfecciona el sistema de representación métrica del cuadrado, llegándose a la perfecta definición de ritmos binarios nacidos del cuadrado y de su división. Esto es lo que da origen a templos de elementos modulares de tipo cuadrado.
· Lo fundamental de la espacialidad del templo románico es la materialización de un espacio sagrado distante de lo terrenal casi celeste donde el hombre debe entrar purificado y en muchas ocasiones tiene forma de crucero.
· El rasgo fundamental de la época románica está impregnada de simbolismo, su arte responde a ideas filosóficas y estéticas de raíz teológica, con un concepto de belleza muy distinto del greco romano.
· La pintura románica tiene una profunda significación teológica.
· Las formas románicas nunca fueron consideradas imágenes con belleza corporal sino un símbolo de belleza espiritual.
· La pintura románica tiene una finalidad didáctica: las pinturas murales fueron consideradas como la Biblia de los pobres.
· La pintura mural está supeditada totalmente a la arquitectura, de modo que las formas se alargan, se encogen , se paran o se acercan según el espacio que deben ocupar.
· Las figuras ofrecen contornos definidos por líneas de grueso variable y color oscuro.
· El pintor románico solo trabaja con colores planos, blanco, negro, rojo, ocre, verdes y azules.
· No existe el clarooscuro. Se sugiere con franjas paraleleas de distinta tonalidad.
· Los temas pictóricos del románico, fueron: el pantócrator, la Virgen, figuras aladas, tetramorfos, la figura humana, los santos, el bestiario y las miniaturas:
Pantócrator:
Es la imagen de un Dios poderoso sentado en su trono lleno de poder y majestad, fuera de toda medida humana.
La Virgen:
Es tenida en cuenta más por necesidad que por adoración ya que la imagen solo aparece para ilustrar al pantócrator infante.
Figuras aladas:
Estos representan a los ángeles, querubines y serafines que están destinados a dar gloria a Dios y en ocasiones tienen forma humana, a los que requiere Dios para sus mensajes.
Tetramorfos:
Este es un elemento iconográfico zoomorfo con cabeza de humano (Mateo), alas de águila (Juan), pies delanteros de león (Marcos), pies traseros de buey (Lucas), es decir estas imágenes tienen el poder de los cuatro evangelistas.
La figura humana:
Estas figuras carecen de belleza ya que solo es un presencia simbólica.
Los santos:
Estos son personajes hombres o mujeres compuestos por los mártires y los apóstoles que merecen ser nombrados e ilustrados en los muros declarando sus luchas.
El bestiario:
Este fue un elemento particular para representar en ocasiones la presencia de Dios.
Las miniaturas:
Están destinadas para la ilustración de los Evangelios y los Salmos, es decir eran todos aquellos documentos gráficos del mundo.
Bibliografía:
· Parramón, Como reconocer estilos, editorial Parramón, tercera edición, Barcelona España, 2000. Pp25-26.
· Gonzalez, Martín, Historia del arte, editorial Gredos, Madrid, 1992. Pp343-370,423-505.
· Veiga, Fradera, Atlas de los estilos Artísticos, editorial Jover, Barcelona 1968, serie D número 3, número 4.
· Borras, Gonzalo, Introducción general al arte, editorial Itsmo, Madrid, 1994. Pp 108-109.
· Gramados, Rafael, Historia universal, editorial Voluntad, Bogotá, 1965. Pp 301,350-393.
Realizando una síntesis histérica, partimos de la gran influencia del imperio de Carlomagno, heredado de su padre Pipino quien libro de las guerras musulmanas a Europa, Carlomagno 768-814, realizo la unión del pontificado con el imperio; reconstruyo el imperio de occidente; su imperio abarco a Galia, Italia, Germanía, y parte de España. Su gobierno fue benéfico para la iglesia y excelente legislador. Es el guerrero y conquistador mas notable de la edad media. Guerreo contra los lombardos y los arrojo de Italia. En guerras contra los sajones civilizo y cristianizo gran parte de Alemania. Carlomagno emprendió reformas políticas y sociales, robusteció la autoridad real: por medio de los Misis dominici los reclamos del pueblo, sus sabias resoluciones quedaron consideradas en capitulaciones. Reorganizo el ejercito, impulso las letras y la ciencia por el arranca la cultura intelectual del imperio franco. Con la coronación en el año 800 por el papa León III quedo consumada la unidad cristiana de la edad media que mas adelante por causa de las discordias de las guerras y de los hermanos de Carlomagno se firmo el tratado de Verdìm 843 por lo cual Carlos fue reconocido rey de Francia, Luis de Alemania, y Lotario de Italia, al expirar la dinastía de los carolingios 986 aparece la lengua francesa, derivación del latín.
Inicio de las monarquías europeas:
Alemania:
Fue el reino que alcanzo mayor preponderancia de los tres en que quedo dividido el imperio de Carlomagno. A fines del siglo IX existían los grandes ducados de Sajonia, Franconia, Suabia, Baviera, y lorena. Exponente notable de la casa Sajonia fue Oton I el grande 936-973 quien sometió a los otros duques aspirando a restablecer el imperio de Carlomagno, en estas luchas internas entre la monarquía y el papado fue que inicio la elección del papado por cónclave. El fracaso del imperio fue la intromisión en los asuntos eclesiásticos.
Francia:
Debilitada la autoridad carolingia fue remplazada por los Capetos: hallabace Francia fraccionada y el rey ere menos poderoso de todos los señores. Hugo Capeto 987-996 hizo la monarquía hereditaria. Felipe Augusto 1180-1223 estableció el tribunal de los Pares. acabo con el prestigio de Baubines con cuya ocasión Felipe incorpora a Francia la Normandía, Bretaña, y otros feudos ingleses, crea el estudio de París y construye el castillo de Louvre. Durante este reinado apareció la herejía de los albigeneses. Luis IX el santo 1226-1270 gobernó bajo la tutela de doña blanca de Castilla; alivio al pueblo, robusteció el poder real y sublimo a Francia.
Italia:
Desmembrado el imperio de Carlomagno, no hubo reno en Italia y de los diversos estados que le conformaban, ya que entre si eran antagónicos. Las ciudades no dependían del emparedaron sino de nombre presentandoce gran libertad en sus moradores dentro de ellas se presentaban:
Florencia : democrática, industrial, se acumulo dinero y aparecieron los bancos.
Génova: se dedico al comercio con oriente y occidente que decayó después de las cruzadas.
Nótese que después de la desmembración del imperio de Carlomagno se instituyo un monto de conflictos internos de poder intercalados con la religiosidad que dieron origen a un si numero de estos que en un comienzo podemos denominar el periodo pre –Románico.
Periodo histórico Pre- Románico:
· Estilo Merovigio 481-731
Se extiende principalmente por Bélgica, Francia, y Alemania desde la segunda mitad del siglo V hasta el año 750 aproximadamente.
La temática ornamental, florece sobre todo, en el arte de la joyería, conociendo perfectamente el trabajo de filigrana, del granulado y de incrustación. Conjuntamente con las formas decorativas clásicas heredadas de los pueblos germanos de forma animal entrmesclandoce con las formas cristianas.
· Estilo Carolingio 775-825
Se creo una arquitectura monumental, algunos ejemplos los podemos observar en la iglesia san vital en Ravena, la iglesia Saint-germain.
· Estilo logobardo 568-774
Aparecen junto a la ornamentación zoomorfa genuinamente germana, elementos típicamente bizantinas, tales como símbolos cristianos, palmetas, delfines, Etc.
Mas tarde en el siglo VIII, Lombardia será un foco de constructores y decoradores que recorrerán Europa propagando sus sistemas y formas.
· Estilo Visigótico 410-711
El estilo visigótico se caracteriza por la presencia sistemática del arco de herradura que luego los musulmanes divulgaran; los arcos descansan sobre ábacos en forma de tronco de pirámide invertida. Los capiteles de tipo corintio o compuesto, los hay también de tradición oriental, por influencia bizantina y son de forma cubica y con relativamente escaso relieve. Pero sus ornamentaciones están talladas a bisel para aumentar los contrastes sin que tener que recurrir a una labra profunda y laboriosa.
Los visigodos solían aprovechar los fustes de las viejas columnas Romanas; los mas genuinamente visigóticos son los acanalados en hélice
Emplean con abundancia la decoración, que consisten en elementos zoomorfos y fitomorfos a aveces acompañados de figuras humanas o de animales fantásticos, acompañados estos elementos por figuras geométricas y elementos vegetales.
Uno de los rasgos particulares es la aparición de la ventana germinada partida por una columna central.
· Estilo Asturiano 718-910
En los templos asturianos abunda el iconostasio que se presenta a copiosa saturación, también se decoran las jambas de las puertas y en los muros se esculpen bajorrelieves gigantes en forma de escudo que simulan estar colgados en la imposta.
· Estilo Mozárabe 800-980
Es el arte realizado por artistas cristianos bajo la influencia islámica carente de apoyo de gobernantes, estos artistas hacían un arte paupérrimo siguiendo la influencia visigótica empleando el arco de herradura pero mas cerrado que el visigótico apoyado con capiteles de tradición corintia con collarino de soga.
Periodo histórico Románico:
El arte Románico se basa, desde un punto de vista artístico, en tradiciones pre –Románicas y Bizantinas, con ciertos caracteres orientales llegados por un lado, a través del imperio bizantino y, por otro, a través de España.
Las peregrinaciones a los diferentes santuarios, y muy especialmente las organizadas por todo Europa para ir a venerar las reliquias del apóstol Santiago, contribuyeron a la expansión y la universalidad de las nuevas formas artísticas; es de anotar que arquitectos, pintores y escultores emprendieron grandes viajes y esto explica la amplia difusión que alcanzaron los sistemas constructivos lombardos. Por ejemplo, los libros iluminados fueron otra fuente importante de la inspiración que proporsiono motivos iconográficos para la pintura monumental y para la decoración escultórica, finalmente las cruzadas redundaron en beneficio del arte, facilitando contactos entre oriente y occidente.
El artista decorador Románico goza, para realizar su cometido de una libertad mucho mayor que sus colegas grecorromanos; en la decoración griega en efecto todos los capiteles son idénticos entre si, en un mismo edificio, los Romanos combinaban varios ordenes en un mismo edificio pero en el Románico no es necesario que todos los capiteles sean iguales de ahí su fantasía arquitectónica.
Las formas ornamentales preferidas son las geométricas, fitomorfas, zoomorfas y es frecuentemente las figuras humanas hay determinadas partes del templo en las cuales aplican la narración de hechos para los creyentes.
En la arquitectura Románica, se percibe gran pesado la masa de los muros que vienen a ser el contrapeso al empuje de las bóvedas, teniendo un papel expresivo en si misma, articulando el exterior a través de listones llamados bandas lombardas, apárese el rosetón como nuevo elemento arquitectónico; suele estar formado por arcos de medio punto que parten de un centro común al cual se unen por columnillas apeadas en un medio central.
El abovedamiento lleva consigo la sustitución de las delicadas columnas por gruesos robustos pilares, de forma rectangular o cruciforme decoradas con finas columnas adosadas, los fustes suelen ser cilíndricos. La ornamentación se aplica sobre todo, en capiteles en los que predomina la decoración vegetal muy a menudo poblada, con fantasía desorbitante, de criaturas y de animales fabulosos de un enorme interés iconográfico.
Elementos complementarios del texto:
· Trás la invación normanda se afianzó el poder de los obispos y los nobles es decir proliferó el sentido feudal.
· Los feudos giraban alrededor de construcciones en piedra gigantescas que eran las iglesias.
· Las representaciones dentro de las iglesias eran iconográficas y decoradas con elementos zoomorfos, vegetales, fitomorfos y figuras humanas.
· El románico es un arte esencialmente monacal, en una época donde el poder económico e incluso el político y humano se refugia en el monasterio; pero por ello mismo, la participación profana es muy fuerte y abundante.
· En lo técnico, el románico va a desarrollar sistemas iniciados ya en al época caroligia, se perfecciona el sistema de representación métrica del cuadrado, llegándose a la perfecta definición de ritmos binarios nacidos del cuadrado y de su división. Esto es lo que da origen a templos de elementos modulares de tipo cuadrado.
· Lo fundamental de la espacialidad del templo románico es la materialización de un espacio sagrado distante de lo terrenal casi celeste donde el hombre debe entrar purificado y en muchas ocasiones tiene forma de crucero.
· El rasgo fundamental de la época románica está impregnada de simbolismo, su arte responde a ideas filosóficas y estéticas de raíz teológica, con un concepto de belleza muy distinto del greco romano.
· La pintura románica tiene una profunda significación teológica.
· Las formas románicas nunca fueron consideradas imágenes con belleza corporal sino un símbolo de belleza espiritual.
· La pintura románica tiene una finalidad didáctica: las pinturas murales fueron consideradas como la Biblia de los pobres.
· La pintura mural está supeditada totalmente a la arquitectura, de modo que las formas se alargan, se encogen , se paran o se acercan según el espacio que deben ocupar.
· Las figuras ofrecen contornos definidos por líneas de grueso variable y color oscuro.
· El pintor románico solo trabaja con colores planos, blanco, negro, rojo, ocre, verdes y azules.
· No existe el clarooscuro. Se sugiere con franjas paraleleas de distinta tonalidad.
· Los temas pictóricos del románico, fueron: el pantócrator, la Virgen, figuras aladas, tetramorfos, la figura humana, los santos, el bestiario y las miniaturas:
Pantócrator:
Es la imagen de un Dios poderoso sentado en su trono lleno de poder y majestad, fuera de toda medida humana.
La Virgen:
Es tenida en cuenta más por necesidad que por adoración ya que la imagen solo aparece para ilustrar al pantócrator infante.
Figuras aladas:
Estos representan a los ángeles, querubines y serafines que están destinados a dar gloria a Dios y en ocasiones tienen forma humana, a los que requiere Dios para sus mensajes.
Tetramorfos:
Este es un elemento iconográfico zoomorfo con cabeza de humano (Mateo), alas de águila (Juan), pies delanteros de león (Marcos), pies traseros de buey (Lucas), es decir estas imágenes tienen el poder de los cuatro evangelistas.
La figura humana:
Estas figuras carecen de belleza ya que solo es un presencia simbólica.
Los santos:
Estos son personajes hombres o mujeres compuestos por los mártires y los apóstoles que merecen ser nombrados e ilustrados en los muros declarando sus luchas.
El bestiario:
Este fue un elemento particular para representar en ocasiones la presencia de Dios.
Las miniaturas:
Están destinadas para la ilustración de los Evangelios y los Salmos, es decir eran todos aquellos documentos gráficos del mundo.
Bibliografía:
· Parramón, Como reconocer estilos, editorial Parramón, tercera edición, Barcelona España, 2000. Pp25-26.
· Gonzalez, Martín, Historia del arte, editorial Gredos, Madrid, 1992. Pp343-370,423-505.
· Veiga, Fradera, Atlas de los estilos Artísticos, editorial Jover, Barcelona 1968, serie D número 3, número 4.
· Borras, Gonzalo, Introducción general al arte, editorial Itsmo, Madrid, 1994. Pp 108-109.
· Gramados, Rafael, Historia universal, editorial Voluntad, Bogotá, 1965. Pp 301,350-393.
HISTORIA GOTICO
EL GOTICO
Estilo importante en la edad media de innovación incesante – el Gótico (nombre despectivo acuñado por el experto en el Renacimiento para rebajar el arte del norte) o ( arte de los godos) vio la luz alrededor del año 1140, y fue muy influido por cambios dramáticos en el estilo arquitectónico. Un genio lo hizo posible, se trata de Suger, el abad del monasterio real y la iglesia de St. Denis (situada en los suburbios del París actual) Suger se inspiro en los fulgurantes objetos adornados del tesoro de la iglesia, y en los vidrios de colores, cuyo empleo empezó a generalizarce durante el primer tercio del siglo XII. Pensaba que el espíritu podía remontarce, mediante la contemplación de objetos materiales fastuosos, y de considerar de manera mas plena el reino de Dios.
Con el tiempo esta filosofía dio lugar al estilo Gótico, que introdujo un cambio radical, hacia las alturas, en las iglesias Románicas, bajas, oscuras, de gruesos muros y débilmente iluminadas. El gótico se caracteriza por arcos puntiagudos, en forma de ojiva, y estructuras con grandes ventanales de radiantes vitrales, colocados en paredes milagrosamente delgadas, sostenidas en su sitio por una serie de arbotantes que salen de los costados de las iglesias como inmensas patas de araña.
El gótico, mas que estos elementos particulares anteriormente anotados, son el reflejo del creciente desarrollo de las ciudades, donde estas significan libertad y franquicia, y capacidad de asociación para el trabajo. El acento carga ahora en la organización civil. La ciudad posee riqueza suficiente para elevar solidadas murallas y crear impuestos, que revierten en su propio beneficio; la ciudad es capas de construir una catedral y un magnifico ayuntamiento, verdadero espejo de su potencia. La ciudad entraña talleres, donde los artesanos y artistas ejercen asociados; mercados y ferias, intercambio regional o internacional. Para las transacciones existen las letras de cambio, que cubren al operador de los riesgos de un robo. el mercader y el productor se desplazan. Hay un amplio movimiento de la obra de arte, que se convierte incluso en objeto de exportación. El artista ignora quien es su cliente; se generaliza la producción en serie de objetos artísticos tipificados. La iniciativa del arte recae sobre los laicos, aunque acepten las ideas de sus clientes religiosos; pero de día en día se notara mas la facultad para introducir elementos profanos en el arte eclesiástico.
La protección del trabajo constituye un logro que permite la producción intensiva. El gremio constituye un organismo para amparar al productor, desterrando sueldos bajos y la competencia excesiva. Aquí vale un sindicato. La logia en cambio esta pensada para proteger el producto; el trabajo se organiza jerárquicamente desde el maestro de obras al artesano, sin estos organismos hubiera sido imposible pensar en las grandes catedrales.
El Gótico es una creación de los pueblos septentrionales y se constituye en los dominios de Francia, hay algunas teorías asumen este periodo como la evolución del periodo Románico, pero mas bien podríamos cosiderarlo como el comienzo lento de un nuevo estilo, lleno de entusiasmo religioso y de la riqueza material, donde las cruzadas han encendido los espíritus. Los reyes y los eclesiásticos poseen grandes fortunas; es decir el arte gótico debe todo su auge a esa inmensurable riqueza.
Riqueza desmesurable que se pierden a través de cada una de las cruzadas programadas durante toda la edad media; dando origen al debilitamiento de las monarquías europeas y el fortalecimiento de los mercaderes que son la nueva clase social que surge en el siguiente periodo histórico el Renacimiento.
CARACTERISTICAS ESPESIFICAS DEL GOTICO
Arquitectura :
Se a considerado que la arquitectura fue el fuerte del periodo Gótico; podemos indicar que todo comienza con la solución del problema de la iluminación de las iglesias, que había obsesionado a los arquitectos Románicos, el cual encuentra su solución en este nuevo estilo gracias al principio del arco apuntado y de la bóveda de cruceria, solución que permitió poseer iglesias mas luminosas, las cuales encontraron su decoración a través de pináculos, cangrejos, rosetas, tracerías, flores, gárgolas, gabletes, cayados y la utilización de esculturas en sus fachadas, las cuales reposan en una especie de repisa, y sobre los arcos apuntados suele existir unos calados con formas vegetales.
Pintura:
En la pintura Gótica, el artista toma consciencia de que las imágenes divinas pueden ser representadas a través de imágenes humanas lo cual conlleva a un mayor naturalismo.
No es posible entender la pintura Gótica sin hacer referencia a la arquitectura, cuya genialidad consistió en hacer posible que un edificio pudiera crecer verticalmente sin necesidad de apoyarece en gruesos muros. Entre los elementos de sostén pudieron abrirce grandes espacios, que ocuparon las vidrieras de colores, en sustitución de la pintura mural.
El estilo de la vidriera, esta condicionado por la misma técnica del emplomado, donde las tiras de plomo sirven de línea y sostén del vidrio, con abundancia de azules y rojos, escenas cerradas entre medallones, arabescos ornamentales, juegos de curvas que ensalzan figuras distintas. Es de anotar que algunas pinturas sus figuras optan por rasgos orientales sobre todo en los rasgos faciales.
Música:
Para algunos estudioso de la música, consideran que el Gótico es menos un jalón estilístico que una nueva actitud que rechaza la influencia antigua, tal como aparecen el arte Románico, para sumergirnos en fuentes mas especificas dando libre curso al dinamismo y al arabesco ornamental de los pueblos septentrionales.
La analogía entre el esplendor de la arquitectura y el melismo o vocalización del organum es manifiesta: al vértigo de los colores sonoros corresponde el destello de las vidrieras, al ímpetu ascensional de pilares y columnas, la fuerza dionisíaca del ritmo perotiniano.
Pero esta analogía con las artes plásticas no debe tampoco sistematisarce, porque la música medieval es, por naturaleza menos receptiva a las influencias que cualquier otra forma de arte. Rebelde a la tiranía del intelecto, refleja ante todo la naturaleza profunda de lo que se expresa a través de ella.
La teoría musical antigua se encuentra desviada de su objeto en beneficio de una expresión que sin duda no había imaginado jamas, expresión en las que se mezclaban elementos propios de cada una de las etnias afectadas y la influencia de oriente a través de las cruzadas y de los Arabes en España.
En el siglo XIII, estas corrientes, a menudo contradictorias , se fundirán, en el sistema musical único y fuertemente estructurado, comparable, en música, a lo que los historiadores del arte llaman el Gótico internacional.
El principal cambio de estética entre los siglos XII y XIII reside en el hecho en el paso del ritmo libre – Planus – al ritmo medio – Mensuratus – en el que se basa todavía en mayor o menor medida nuestra música actual. Viene acompañado, desde el principio, por una especie de encogimiento o estrechamiento de todos los parámetros musicales, que hoy sentimos como una perdida de materia musical ( obras cortas) y una ausencia de variedad ( Ritmo simplificado). Uno de los grandes comienzos musicales en el periodo gótico fue la polifonía.
Bibliografía:
- CLAIRE, Marie, historia de la música, e.d. Espasa, madrid, España, 1997. P 130.
- PARRAMON; como reconocer estilos, Ed Parramon, Baecelona, España, 2000, P. 28.
- VEIGA, Fradera, Atlas de los estilos artisticos, Ed Jover, Barcelona , España, 1968,serie D Nº 6
- GONZALEZ,Martin, historia del arte, Ed.Gredos,Madrid España, 1992, P506.
Estilo importante en la edad media de innovación incesante – el Gótico (nombre despectivo acuñado por el experto en el Renacimiento para rebajar el arte del norte) o ( arte de los godos) vio la luz alrededor del año 1140, y fue muy influido por cambios dramáticos en el estilo arquitectónico. Un genio lo hizo posible, se trata de Suger, el abad del monasterio real y la iglesia de St. Denis (situada en los suburbios del París actual) Suger se inspiro en los fulgurantes objetos adornados del tesoro de la iglesia, y en los vidrios de colores, cuyo empleo empezó a generalizarce durante el primer tercio del siglo XII. Pensaba que el espíritu podía remontarce, mediante la contemplación de objetos materiales fastuosos, y de considerar de manera mas plena el reino de Dios.
Con el tiempo esta filosofía dio lugar al estilo Gótico, que introdujo un cambio radical, hacia las alturas, en las iglesias Románicas, bajas, oscuras, de gruesos muros y débilmente iluminadas. El gótico se caracteriza por arcos puntiagudos, en forma de ojiva, y estructuras con grandes ventanales de radiantes vitrales, colocados en paredes milagrosamente delgadas, sostenidas en su sitio por una serie de arbotantes que salen de los costados de las iglesias como inmensas patas de araña.
El gótico, mas que estos elementos particulares anteriormente anotados, son el reflejo del creciente desarrollo de las ciudades, donde estas significan libertad y franquicia, y capacidad de asociación para el trabajo. El acento carga ahora en la organización civil. La ciudad posee riqueza suficiente para elevar solidadas murallas y crear impuestos, que revierten en su propio beneficio; la ciudad es capas de construir una catedral y un magnifico ayuntamiento, verdadero espejo de su potencia. La ciudad entraña talleres, donde los artesanos y artistas ejercen asociados; mercados y ferias, intercambio regional o internacional. Para las transacciones existen las letras de cambio, que cubren al operador de los riesgos de un robo. el mercader y el productor se desplazan. Hay un amplio movimiento de la obra de arte, que se convierte incluso en objeto de exportación. El artista ignora quien es su cliente; se generaliza la producción en serie de objetos artísticos tipificados. La iniciativa del arte recae sobre los laicos, aunque acepten las ideas de sus clientes religiosos; pero de día en día se notara mas la facultad para introducir elementos profanos en el arte eclesiástico.
La protección del trabajo constituye un logro que permite la producción intensiva. El gremio constituye un organismo para amparar al productor, desterrando sueldos bajos y la competencia excesiva. Aquí vale un sindicato. La logia en cambio esta pensada para proteger el producto; el trabajo se organiza jerárquicamente desde el maestro de obras al artesano, sin estos organismos hubiera sido imposible pensar en las grandes catedrales.
El Gótico es una creación de los pueblos septentrionales y se constituye en los dominios de Francia, hay algunas teorías asumen este periodo como la evolución del periodo Románico, pero mas bien podríamos cosiderarlo como el comienzo lento de un nuevo estilo, lleno de entusiasmo religioso y de la riqueza material, donde las cruzadas han encendido los espíritus. Los reyes y los eclesiásticos poseen grandes fortunas; es decir el arte gótico debe todo su auge a esa inmensurable riqueza.
Riqueza desmesurable que se pierden a través de cada una de las cruzadas programadas durante toda la edad media; dando origen al debilitamiento de las monarquías europeas y el fortalecimiento de los mercaderes que son la nueva clase social que surge en el siguiente periodo histórico el Renacimiento.
CARACTERISTICAS ESPESIFICAS DEL GOTICO
Arquitectura :
Se a considerado que la arquitectura fue el fuerte del periodo Gótico; podemos indicar que todo comienza con la solución del problema de la iluminación de las iglesias, que había obsesionado a los arquitectos Románicos, el cual encuentra su solución en este nuevo estilo gracias al principio del arco apuntado y de la bóveda de cruceria, solución que permitió poseer iglesias mas luminosas, las cuales encontraron su decoración a través de pináculos, cangrejos, rosetas, tracerías, flores, gárgolas, gabletes, cayados y la utilización de esculturas en sus fachadas, las cuales reposan en una especie de repisa, y sobre los arcos apuntados suele existir unos calados con formas vegetales.
Pintura:
En la pintura Gótica, el artista toma consciencia de que las imágenes divinas pueden ser representadas a través de imágenes humanas lo cual conlleva a un mayor naturalismo.
No es posible entender la pintura Gótica sin hacer referencia a la arquitectura, cuya genialidad consistió en hacer posible que un edificio pudiera crecer verticalmente sin necesidad de apoyarece en gruesos muros. Entre los elementos de sostén pudieron abrirce grandes espacios, que ocuparon las vidrieras de colores, en sustitución de la pintura mural.
El estilo de la vidriera, esta condicionado por la misma técnica del emplomado, donde las tiras de plomo sirven de línea y sostén del vidrio, con abundancia de azules y rojos, escenas cerradas entre medallones, arabescos ornamentales, juegos de curvas que ensalzan figuras distintas. Es de anotar que algunas pinturas sus figuras optan por rasgos orientales sobre todo en los rasgos faciales.
Música:
Para algunos estudioso de la música, consideran que el Gótico es menos un jalón estilístico que una nueva actitud que rechaza la influencia antigua, tal como aparecen el arte Románico, para sumergirnos en fuentes mas especificas dando libre curso al dinamismo y al arabesco ornamental de los pueblos septentrionales.
La analogía entre el esplendor de la arquitectura y el melismo o vocalización del organum es manifiesta: al vértigo de los colores sonoros corresponde el destello de las vidrieras, al ímpetu ascensional de pilares y columnas, la fuerza dionisíaca del ritmo perotiniano.
Pero esta analogía con las artes plásticas no debe tampoco sistematisarce, porque la música medieval es, por naturaleza menos receptiva a las influencias que cualquier otra forma de arte. Rebelde a la tiranía del intelecto, refleja ante todo la naturaleza profunda de lo que se expresa a través de ella.
La teoría musical antigua se encuentra desviada de su objeto en beneficio de una expresión que sin duda no había imaginado jamas, expresión en las que se mezclaban elementos propios de cada una de las etnias afectadas y la influencia de oriente a través de las cruzadas y de los Arabes en España.
En el siglo XIII, estas corrientes, a menudo contradictorias , se fundirán, en el sistema musical único y fuertemente estructurado, comparable, en música, a lo que los historiadores del arte llaman el Gótico internacional.
El principal cambio de estética entre los siglos XII y XIII reside en el hecho en el paso del ritmo libre – Planus – al ritmo medio – Mensuratus – en el que se basa todavía en mayor o menor medida nuestra música actual. Viene acompañado, desde el principio, por una especie de encogimiento o estrechamiento de todos los parámetros musicales, que hoy sentimos como una perdida de materia musical ( obras cortas) y una ausencia de variedad ( Ritmo simplificado). Uno de los grandes comienzos musicales en el periodo gótico fue la polifonía.
Bibliografía:
- CLAIRE, Marie, historia de la música, e.d. Espasa, madrid, España, 1997. P 130.
- PARRAMON; como reconocer estilos, Ed Parramon, Baecelona, España, 2000, P. 28.
- VEIGA, Fradera, Atlas de los estilos artisticos, Ed Jover, Barcelona , España, 1968,serie D Nº 6
- GONZALEZ,Martin, historia del arte, Ed.Gredos,Madrid España, 1992, P506.
HISTORIA EPOCA MEDIEVAL
ÉPOCA MEDIEVAL
Podemos determinar este periodo desde la caída del imperio Romano ante la llegada de los Bárbaros a mediados del año 476 hasta el descubrimiento de América en el año 1492.
Una de las principales características de la época medieval es el régimen feudal y el predominio de las ideas religiosas inspiradas en los heroicos sentimientos cristianos sustentadas en la espada y el fuego, mediante un vinculo precioso entre fe y caridad.
Una de las principales labores de la cristiandad dentro de tanto conflicto interno en Europa durante la invención de los Bárbaros fue la depuración de los anteriores individuos y de la civilización Griega y Romana.
La época medieval la podemos dividir en tres grandes periodos:
- Constitución de la Europa cristiana
- Manifestación ofensiva de las cruzadas
- Disolución y decadencia del poder imperial.
Dentro de estos periodos podemos destacar los siguientes estilos artísticos registrados por la historia:
Estilo Paleocristiano:
Se a considerado que este periodo es el comprendido desde el edicto de Constantino en el año 313 dC. hasta el bajo siglo V donde la sociedad apenas naciente Cristiana sin tradiciones y carente de un arte propio y bajo la necesidad de crear un arte propio parte de las imágenes paganas; Greco – Romanas, pero dejando a un lado el realismo Griego mas por poco virtuosismo de sus artistas que por intencionalidad, en el campo de la arquitectura se crean las basílicas de forma rectangular de tres naves interiores para albergar feligreses y decorada con mosaicos.
Milagro de los panes, Basílica de Ravena
Estilo Bizantino:
Este es una continuación directa del arte cristiano primitivo con énfasis en la decoración interior de sus basílicas a través de cúpulas y bóvedas a diferentes alturas, con iluminación natural, con aplicaciones de mosaicos. La gran manifestación del arte Bizantino fueron inspirados en el arte Oriental, las cúpulas se encuentran sobre bases circulares, cuadradas y poligonales sobre columnas en forma piramidal. Podemos distinguir dentro del estilo Bizantino tres
estilos:
- Periodo Justiniano: considerado el periodo de esplendor del arte Bizantino
- Periodo Macedonico: Es cuando decae el arte Bizantino ocasionado por las luchas con los Arabes y eslavos, se construyen iglesias en forma de cruz griega con cúpula central.
- Periodo de los Paleólogos: Nuevamente brilla el periodo Bizantino y se emplea nuevamente la cúpula y las iglesias toman la forma de cruz latina.
Basílica de san Apolinare in Classe, Ravena 530 Primera basílica cristiana
Estilo Preromanico:
Este crece a través de los siguientes estilos:
- Estilo Merovingio: que comprende del año 481 al 751 dC. Se extiende por Bélgica, Francia, Alemania, la temática florece a través de la joyería manejando el trabajo de la filigrana, granulado e incrustación.
- Estilo Caroligio: Que comprende del año 775 al 825 dC. Se basa en arquitectura monumentales partiendo de estructuras ya realizadas y con realces en mosaicos.
- Estilo Longobardo: Que comprende desde el año 568 al 825 dC. Su decoración se basa en estilos Germanos con apariencia zoomorfa llevados a iconografía cristiana.
- Estilo Visigotico: Que comprende desde el año 410 al 711 dC :se caracteriza por el empleo del arco de herradura donde sus ornamentaciones se basan en forma de bisel para aumentar contrastes, a partir de elementos Zoomorfos y fitomorfos y en ocasiones con figuras humanas y animales fantásticos.
- Estilo Asturiano: Que comprende desde el año 718 al 910 dC. La principal característica son sus decoraciones escultóricas a base de bajos relieves donde abundan los iconos.
- Estilo Mosarabe: Que comprende desde el año 800 al 980 dC. Este es el arte cristiano desarrollado bajo influencia Islámica donde se utiliza el arco de herradura.
Estilos preromanicos iglesia de s.
Miguel en España
Estilo Románico:
Este estilo se basa en tradiciones Pre – Románicas y Bizantinas con siertos caracteres orientales, que sumados a los sentimientos de los Cristianospor las reliquias, lleban a los hombres de este periodo a desarrollar grandes perigrinaciones que ayudaron a proyectar el sentimiento de un estilo como el Románico, uno de los principales recorridos es el camino de Santiago, las principales características del estilo Románico son:
Formas ornamentales geométricas, fitomorfas y zoomorfas, con gran influencia musulmana y bizantina, se rescatan en algunos espacios decoraciones de carácter narrativo presentes en los tímpanos y en las grandes portadas, que sirvió de lección para los creyentes; debemos tener en cuenta que las estructuras arquitectónicas además de ser decorativas son funcionales tanto en el interior como en el exterior, presentándose abovedamiento, columnas robustas en vez de pilares delicados.
Estilo Gótico:
El problema de la iluminación en las iglesias románicas se resuelve totalmente en el Gótico, gracias al principio del arco apuntado y la bóveda de crucería con grandes vitrales, con la particularidad de poseer elementos decorativos como flores, gárgolas, cayados vegetales, rosetones, florones, etc. Empleando en abundancia la escultura en las fachadas, sus iglesias están proyectadas hacia las alturas; si escogiéramos algún ejemplo para rescatar el período podemos tomar la catedral de Chartres.
Catedral de Toledo ( España)
Monasterio de s. María (Portugal)
BIBLIOGRAFIA:
· * Equipo editorial Sopena, “ Saber Mitología” Ed. Ramón Sopena, Barcelona, 2001.
· R: FRADERA, Veiga; “ Atlas de los estilos Artisticos” Ed. Jover,Barcelona, 1968.
· Granados, Rafael, “ Historia universal”, Ed. Voluntad, Bogota, 1965.
· GOMBRISCH, E.H. “Historia del arte” Ed. Debate, Madrid 1997.
· HOVING, Thomas, “Arte” Ed. Norma, Bogota, 1999.
Podemos determinar este periodo desde la caída del imperio Romano ante la llegada de los Bárbaros a mediados del año 476 hasta el descubrimiento de América en el año 1492.
Una de las principales características de la época medieval es el régimen feudal y el predominio de las ideas religiosas inspiradas en los heroicos sentimientos cristianos sustentadas en la espada y el fuego, mediante un vinculo precioso entre fe y caridad.
Una de las principales labores de la cristiandad dentro de tanto conflicto interno en Europa durante la invención de los Bárbaros fue la depuración de los anteriores individuos y de la civilización Griega y Romana.
La época medieval la podemos dividir en tres grandes periodos:
- Constitución de la Europa cristiana
- Manifestación ofensiva de las cruzadas
- Disolución y decadencia del poder imperial.
Dentro de estos periodos podemos destacar los siguientes estilos artísticos registrados por la historia:
Estilo Paleocristiano:
Se a considerado que este periodo es el comprendido desde el edicto de Constantino en el año 313 dC. hasta el bajo siglo V donde la sociedad apenas naciente Cristiana sin tradiciones y carente de un arte propio y bajo la necesidad de crear un arte propio parte de las imágenes paganas; Greco – Romanas, pero dejando a un lado el realismo Griego mas por poco virtuosismo de sus artistas que por intencionalidad, en el campo de la arquitectura se crean las basílicas de forma rectangular de tres naves interiores para albergar feligreses y decorada con mosaicos.
Milagro de los panes, Basílica de Ravena
Estilo Bizantino:
Este es una continuación directa del arte cristiano primitivo con énfasis en la decoración interior de sus basílicas a través de cúpulas y bóvedas a diferentes alturas, con iluminación natural, con aplicaciones de mosaicos. La gran manifestación del arte Bizantino fueron inspirados en el arte Oriental, las cúpulas se encuentran sobre bases circulares, cuadradas y poligonales sobre columnas en forma piramidal. Podemos distinguir dentro del estilo Bizantino tres
estilos:
- Periodo Justiniano: considerado el periodo de esplendor del arte Bizantino
- Periodo Macedonico: Es cuando decae el arte Bizantino ocasionado por las luchas con los Arabes y eslavos, se construyen iglesias en forma de cruz griega con cúpula central.
- Periodo de los Paleólogos: Nuevamente brilla el periodo Bizantino y se emplea nuevamente la cúpula y las iglesias toman la forma de cruz latina.
Basílica de san Apolinare in Classe, Ravena 530 Primera basílica cristiana
Estilo Preromanico:
Este crece a través de los siguientes estilos:
- Estilo Merovingio: que comprende del año 481 al 751 dC. Se extiende por Bélgica, Francia, Alemania, la temática florece a través de la joyería manejando el trabajo de la filigrana, granulado e incrustación.
- Estilo Caroligio: Que comprende del año 775 al 825 dC. Se basa en arquitectura monumentales partiendo de estructuras ya realizadas y con realces en mosaicos.
- Estilo Longobardo: Que comprende desde el año 568 al 825 dC. Su decoración se basa en estilos Germanos con apariencia zoomorfa llevados a iconografía cristiana.
- Estilo Visigotico: Que comprende desde el año 410 al 711 dC :se caracteriza por el empleo del arco de herradura donde sus ornamentaciones se basan en forma de bisel para aumentar contrastes, a partir de elementos Zoomorfos y fitomorfos y en ocasiones con figuras humanas y animales fantásticos.
- Estilo Asturiano: Que comprende desde el año 718 al 910 dC. La principal característica son sus decoraciones escultóricas a base de bajos relieves donde abundan los iconos.
- Estilo Mosarabe: Que comprende desde el año 800 al 980 dC. Este es el arte cristiano desarrollado bajo influencia Islámica donde se utiliza el arco de herradura.
Estilos preromanicos iglesia de s.
Miguel en España
Estilo Románico:
Este estilo se basa en tradiciones Pre – Románicas y Bizantinas con siertos caracteres orientales, que sumados a los sentimientos de los Cristianospor las reliquias, lleban a los hombres de este periodo a desarrollar grandes perigrinaciones que ayudaron a proyectar el sentimiento de un estilo como el Románico, uno de los principales recorridos es el camino de Santiago, las principales características del estilo Románico son:
Formas ornamentales geométricas, fitomorfas y zoomorfas, con gran influencia musulmana y bizantina, se rescatan en algunos espacios decoraciones de carácter narrativo presentes en los tímpanos y en las grandes portadas, que sirvió de lección para los creyentes; debemos tener en cuenta que las estructuras arquitectónicas además de ser decorativas son funcionales tanto en el interior como en el exterior, presentándose abovedamiento, columnas robustas en vez de pilares delicados.
Estilo Gótico:
El problema de la iluminación en las iglesias románicas se resuelve totalmente en el Gótico, gracias al principio del arco apuntado y la bóveda de crucería con grandes vitrales, con la particularidad de poseer elementos decorativos como flores, gárgolas, cayados vegetales, rosetones, florones, etc. Empleando en abundancia la escultura en las fachadas, sus iglesias están proyectadas hacia las alturas; si escogiéramos algún ejemplo para rescatar el período podemos tomar la catedral de Chartres.
Catedral de Toledo ( España)
Monasterio de s. María (Portugal)
BIBLIOGRAFIA:
· * Equipo editorial Sopena, “ Saber Mitología” Ed. Ramón Sopena, Barcelona, 2001.
· R: FRADERA, Veiga; “ Atlas de los estilos Artisticos” Ed. Jover,Barcelona, 1968.
· Granados, Rafael, “ Historia universal”, Ed. Voluntad, Bogota, 1965.
· GOMBRISCH, E.H. “Historia del arte” Ed. Debate, Madrid 1997.
· HOVING, Thomas, “Arte” Ed. Norma, Bogota, 1999.
HISTORIA MESOPOTAMIA GRECIA Y ROMA
MESOPOTAMIA:
Sumerios, calderos y asirios.
Mesopotamia se encuentra entre el Tigres y el Eufrates, de ahí viene el vocablo Mesopotamia (entre dos ríos), los calderos y los mesopotámicos fundaron el imperio de los sumerios de origen incierto, inventores de la escritura cuneiforme. Su capital fue Babilonia, fundada por Nemrod en el siglo XIII a.C, siendo considerada la corte más opulenta de la antigüedad, en el año 2752 a.C fue invadida Caldeo por semitas que dominaron al pueblo de Babilonia por seis siglos, lo cual dio origen al pueblo caldeo de gran carácter ante la guerra que más adelante se convertiría en un pueblo invasor, atacando durante largo período a Armenia, Egipto y Arabia de manos de Sargón II, el cual arrasó a Babilonia y durante su apogeo tenía la posibilidad de comunicarse con sus 70 provincias a través de un sofisticado sistema postal. En el siglo VII se restablece el poderío de Babilonia, considerado el centro del comercio mundial, sometiendo a árabes y Elemitas y conquistando la fortaleza Siria y Fenicia y cautivando a los Judíos.
Mitología sumeria y babilónica:
Dios mesopotamico
Según esta mitología, el agua es el elemento primordial. De la unión de Apsu (el agua dulce), de Tiamat (el agua salada) y de Mummu (las nubes y la niebla) surgieron todos los seres. La primera pareja fueron la Hmu y la Hamu, serpientes monstruosas. De ellos nacieron Anshar (principio masculino o mundo terrestre) y Kishar (principio femenino o mundo celeste). Estos dos fueron padres de los dioses más poderosos: Anu, Bel Marduk, Ea, los Igigi y los Anunnaki. Los dioses lucharon con Apsu y Tiamat, a los que vencieron con la ayuda de Marduk, hijo de Ea. Marduk seccionó el cuerpo de Tiamat vencida en dos partes; de una de ellas hizo la bóveda del cielo y de la otra el soporte de la tierra. Posteriormente afianzó el mundo y lo organizó. Como el mar lo cubría todo, tejió un zarzo que colocó sobre el agua; creó el polvo y lo echó sobre el zarzo formando así una isla flotante. Al hombre lo amasó con su propia sangre, para que sirviera a los dioses. Por último hizo aparecer los ríos y los animales. Importancia capital en esta mitología, la adquiere el mito del diluvio que coincide en los detalles fundamentales con el relato de la Biblia. Única divinidad femenina importante era Isthar o Innani, diosa del amor y de la guerra. El héroe sumerio por excelencia, que se a comparado al hércules griego, es Gilgames.
GRECIA
El país estaba dividido en Grecia norte, central o elade, peloponeso y Grecia marítima. Las condiciones geográficas influyeron en la vida griega: no existió un solo estado griego sino un agrupación de ellos unidos por la religión, lengua y costumbres; desarrollaran la navegación pues gran parte de su territorio tenían por vecino el mar.
Durante su historia primitiva durante el siglo XXX al XI a.C sus pobladores fueron los Palagos de origen Ario; vinieron luego los Helenos que comprendían a los Aqueos, Eolios, Dorios y Jonios:Los Dorios heran agricultores, los Jonios eran marinos.
Los primeros pobladores del territorio fundaron tres centros de cultura: la Troyano- cicladica, la cultura de Creta, la cultura de Micenas siendo sus principales características, las del pueblo Griego; la unidad cultural entre la raza la lengua y la religión, reflejada en sus juegos que hoy conocemos como los olímpicos. Entre sus formas de gobierno prevalecieron la monarquía, l a plutocracia y la oligarquía y en cuanto a las artes podemos referensiar que en su trabajo se manejaban la proporción adecuada de las lineas, la armonia y la perfección del conjunto. Atenas fue el gran centro cultural donde podemos observar tres tipos de ordenes arquitectonicos desarrollados en grecia :
A- Dorico: de carácter masculino sensillo y varonil.
B- Jonico: Es esbelto, elegante, funcional pero no tan fuerte como el dorico.
C- Corintio: Es un estilo florido y el mas imitado por los Romanos.
En sus esculturas prevalece la talla del mármol, bronce, oro y marfil en los cuales se representaron dioses y atletas, los mas famosos artistas fueron: Fidias, Policleto, Praxiteles.
Detalle de escultura en bronce hallada en Delfos.
En la pintura desarrollaron la tipo mural, fresco y a la caseina la cual utilizaban para decorar estatuas vasos. Algunos artistas sobresalientes fueron: Apeles y Zeuxis.
Mitologia Griega:
Del caos entendido no como una masa informe, sino como un espacio infinito y tenebroso, surgio Gea (la tierra); de ella se separo el Tártaro(abismo subterráneo) y Eros (el amor) que todo lo penetra y a todo da forma. Gea engendro de si misma a Urano (el cielo) y el Ponto (el mar). De la unión de Gea y Urano nacieron doce titanes,(seis varones y seis hembras, los cíclopes, los Hecatonquiros y, finalmente Cronos, este ultimo de acuerdo con Gea, destruyo a Urano; pero a su ves lo fue por Zeus, lo que dio lugar a una larga guerra en la que los titanes, que combatieron al lado de Urano, vencidos. Después de su victoria Zeus repartió el dominio del universo con sus hermanos. A Poseidon reconoció como soberano del mar y de todas las aguas; A Hades del mundo subterráneo, y conservo para si el gobierno de la tierra y el cielo. Los dioses mas importantes del Partenón Griego, además de los y citados, fueron Hera esposa de Zeus; Atenea, diosa de la guerra y de la sabiduría; Apolo dios de la luz; Artemisa, diosa de la luna; Ares, dios de la guerra; Afrodita, diosa del amor; Hermes, dios del comercio; Hefesto dios del fuego y Hestia, diosa del hogar.
ROMA
Desde hace ya algún tiempo, se a considerado que el arte Romano verdaderamente fue ingenioso y complejo, pero destacando la gran influencia Griega, pero no como se pensaba un par de décadas de que el arte Romano residía principalmente en la arquitectura, la invención del concreto, el nacimiento de arcos elevados y la creación del domo.
Podemos empezar diciendo que el arte Romano o cultura son una combinación de influencias Etruscas y Griegas. Los Etruscos fueron los pobladores que acogieron a los Italianos después de la caída de Troya, que luego desaparece por la persecución política generada por el nuevo pueblo Romano.
Roma la podemos sistematizar en los siguientes periodos.
Epoca Arcaica:
Del año 750 al 509 a.C. en este periodo predomina la influencia artística Etrusca.
Epoca Republicana:
Del año 509 al 27 a.C: Durante todo este periodo predomina una decoración de sentido poético inspirado en el altar de Pergamo, a este periodo pertenece la decoración mural Pompeyana, el cual se caracteriza por la división de los muros por estucos policromos que imitan el mármol y al final del periodo se presenta cierto interés por generar profundidad.
Epoca Imperial:
Del año 27 a.C al 193 d.C En esta época se logra un absoluto dominio de la bóveda y de la cúpula, y otro aspecto importante fueron los arcos del triunfo, a esta época también pertenecen las mejores casas particulares como las de Pompeya.
Epoca Final:
Del año 192 al 476 d.C. Las principales características de esta época la podemos ver reflejada en las construcciones de los templos de Baalbrk, en Siria, el estilo decorativo revela la influencia de los estilos orientales con ámbito sentido funcional evitando la decoración clásica pero logrando una rara perfección en el trabajo del mosaico con piedras blancas y negras.
Mitología Romana:
La mitologia Romana, aunque en un principio estuvo revestida de formaws autoctonas, no tardo en identificarse completamente con la Griega. Con exepción de algunos tipicamente Romanos como Jano, Término, Etc. Sus dioses fueron los mismos Griegos con sus nombres cambiaedos con otros latinos. Asi Zeus paso a llamarce Jupiter, Hera, Juno; Atenea, Minerva; Poseidon, Neptuno; Etc. Muy venerada fue Vesta, diosa del hogar, equivalente a Hestia Griega.
DIOSES PRINCIPALES DE LA MITOLOGIA CLASICA
GRIEGO ROMANO
Cronos Saturno
Zeus Júpiter
Hera Juno
Atenea Minerva
Artemisa Diana
Apolo Febo
Hermes Mercurio
Ares Marte
Hefesto Vulcano
Afrodita Venus
Eros Cupido
Poseidón Neptuno
Hestia Vesta
Deméter Ceres
Dionisio Baco
Moiras Parcas
Hades Plutón
Persefóne Proserpina
Erinias Furias
Heracles Hércules
Bibliografia:
· Equipo editorial Sopena, “ Saber Mitología” Ed. Ramón Sopena, Barcelona, 2001.
· R: FRADERA, Veiga; “ Atlas de los estilos Artisticos” Ed. Jover,Barcelona, 1968.
· Granados, Rafael, “ Historia universal”, Ed. Voluntad, Bogota, 1965.
· GOMBRISCH, E.H. “Historia del arte” Ed. Debate, Madrid 1997.
· HOVING, Thomas, “Arte” Ed. Norma, Bogota, 1999.
Sumerios, calderos y asirios.
Mesopotamia se encuentra entre el Tigres y el Eufrates, de ahí viene el vocablo Mesopotamia (entre dos ríos), los calderos y los mesopotámicos fundaron el imperio de los sumerios de origen incierto, inventores de la escritura cuneiforme. Su capital fue Babilonia, fundada por Nemrod en el siglo XIII a.C, siendo considerada la corte más opulenta de la antigüedad, en el año 2752 a.C fue invadida Caldeo por semitas que dominaron al pueblo de Babilonia por seis siglos, lo cual dio origen al pueblo caldeo de gran carácter ante la guerra que más adelante se convertiría en un pueblo invasor, atacando durante largo período a Armenia, Egipto y Arabia de manos de Sargón II, el cual arrasó a Babilonia y durante su apogeo tenía la posibilidad de comunicarse con sus 70 provincias a través de un sofisticado sistema postal. En el siglo VII se restablece el poderío de Babilonia, considerado el centro del comercio mundial, sometiendo a árabes y Elemitas y conquistando la fortaleza Siria y Fenicia y cautivando a los Judíos.
Mitología sumeria y babilónica:
Dios mesopotamico
Según esta mitología, el agua es el elemento primordial. De la unión de Apsu (el agua dulce), de Tiamat (el agua salada) y de Mummu (las nubes y la niebla) surgieron todos los seres. La primera pareja fueron la Hmu y la Hamu, serpientes monstruosas. De ellos nacieron Anshar (principio masculino o mundo terrestre) y Kishar (principio femenino o mundo celeste). Estos dos fueron padres de los dioses más poderosos: Anu, Bel Marduk, Ea, los Igigi y los Anunnaki. Los dioses lucharon con Apsu y Tiamat, a los que vencieron con la ayuda de Marduk, hijo de Ea. Marduk seccionó el cuerpo de Tiamat vencida en dos partes; de una de ellas hizo la bóveda del cielo y de la otra el soporte de la tierra. Posteriormente afianzó el mundo y lo organizó. Como el mar lo cubría todo, tejió un zarzo que colocó sobre el agua; creó el polvo y lo echó sobre el zarzo formando así una isla flotante. Al hombre lo amasó con su propia sangre, para que sirviera a los dioses. Por último hizo aparecer los ríos y los animales. Importancia capital en esta mitología, la adquiere el mito del diluvio que coincide en los detalles fundamentales con el relato de la Biblia. Única divinidad femenina importante era Isthar o Innani, diosa del amor y de la guerra. El héroe sumerio por excelencia, que se a comparado al hércules griego, es Gilgames.
GRECIA
El país estaba dividido en Grecia norte, central o elade, peloponeso y Grecia marítima. Las condiciones geográficas influyeron en la vida griega: no existió un solo estado griego sino un agrupación de ellos unidos por la religión, lengua y costumbres; desarrollaran la navegación pues gran parte de su territorio tenían por vecino el mar.
Durante su historia primitiva durante el siglo XXX al XI a.C sus pobladores fueron los Palagos de origen Ario; vinieron luego los Helenos que comprendían a los Aqueos, Eolios, Dorios y Jonios:Los Dorios heran agricultores, los Jonios eran marinos.
Los primeros pobladores del territorio fundaron tres centros de cultura: la Troyano- cicladica, la cultura de Creta, la cultura de Micenas siendo sus principales características, las del pueblo Griego; la unidad cultural entre la raza la lengua y la religión, reflejada en sus juegos que hoy conocemos como los olímpicos. Entre sus formas de gobierno prevalecieron la monarquía, l a plutocracia y la oligarquía y en cuanto a las artes podemos referensiar que en su trabajo se manejaban la proporción adecuada de las lineas, la armonia y la perfección del conjunto. Atenas fue el gran centro cultural donde podemos observar tres tipos de ordenes arquitectonicos desarrollados en grecia :
A- Dorico: de carácter masculino sensillo y varonil.
B- Jonico: Es esbelto, elegante, funcional pero no tan fuerte como el dorico.
C- Corintio: Es un estilo florido y el mas imitado por los Romanos.
En sus esculturas prevalece la talla del mármol, bronce, oro y marfil en los cuales se representaron dioses y atletas, los mas famosos artistas fueron: Fidias, Policleto, Praxiteles.
Detalle de escultura en bronce hallada en Delfos.
En la pintura desarrollaron la tipo mural, fresco y a la caseina la cual utilizaban para decorar estatuas vasos. Algunos artistas sobresalientes fueron: Apeles y Zeuxis.
Mitologia Griega:
Del caos entendido no como una masa informe, sino como un espacio infinito y tenebroso, surgio Gea (la tierra); de ella se separo el Tártaro(abismo subterráneo) y Eros (el amor) que todo lo penetra y a todo da forma. Gea engendro de si misma a Urano (el cielo) y el Ponto (el mar). De la unión de Gea y Urano nacieron doce titanes,(seis varones y seis hembras, los cíclopes, los Hecatonquiros y, finalmente Cronos, este ultimo de acuerdo con Gea, destruyo a Urano; pero a su ves lo fue por Zeus, lo que dio lugar a una larga guerra en la que los titanes, que combatieron al lado de Urano, vencidos. Después de su victoria Zeus repartió el dominio del universo con sus hermanos. A Poseidon reconoció como soberano del mar y de todas las aguas; A Hades del mundo subterráneo, y conservo para si el gobierno de la tierra y el cielo. Los dioses mas importantes del Partenón Griego, además de los y citados, fueron Hera esposa de Zeus; Atenea, diosa de la guerra y de la sabiduría; Apolo dios de la luz; Artemisa, diosa de la luna; Ares, dios de la guerra; Afrodita, diosa del amor; Hermes, dios del comercio; Hefesto dios del fuego y Hestia, diosa del hogar.
ROMA
Desde hace ya algún tiempo, se a considerado que el arte Romano verdaderamente fue ingenioso y complejo, pero destacando la gran influencia Griega, pero no como se pensaba un par de décadas de que el arte Romano residía principalmente en la arquitectura, la invención del concreto, el nacimiento de arcos elevados y la creación del domo.
Podemos empezar diciendo que el arte Romano o cultura son una combinación de influencias Etruscas y Griegas. Los Etruscos fueron los pobladores que acogieron a los Italianos después de la caída de Troya, que luego desaparece por la persecución política generada por el nuevo pueblo Romano.
Roma la podemos sistematizar en los siguientes periodos.
Epoca Arcaica:
Del año 750 al 509 a.C. en este periodo predomina la influencia artística Etrusca.
Epoca Republicana:
Del año 509 al 27 a.C: Durante todo este periodo predomina una decoración de sentido poético inspirado en el altar de Pergamo, a este periodo pertenece la decoración mural Pompeyana, el cual se caracteriza por la división de los muros por estucos policromos que imitan el mármol y al final del periodo se presenta cierto interés por generar profundidad.
Epoca Imperial:
Del año 27 a.C al 193 d.C En esta época se logra un absoluto dominio de la bóveda y de la cúpula, y otro aspecto importante fueron los arcos del triunfo, a esta época también pertenecen las mejores casas particulares como las de Pompeya.
Epoca Final:
Del año 192 al 476 d.C. Las principales características de esta época la podemos ver reflejada en las construcciones de los templos de Baalbrk, en Siria, el estilo decorativo revela la influencia de los estilos orientales con ámbito sentido funcional evitando la decoración clásica pero logrando una rara perfección en el trabajo del mosaico con piedras blancas y negras.
Mitología Romana:
La mitologia Romana, aunque en un principio estuvo revestida de formaws autoctonas, no tardo en identificarse completamente con la Griega. Con exepción de algunos tipicamente Romanos como Jano, Término, Etc. Sus dioses fueron los mismos Griegos con sus nombres cambiaedos con otros latinos. Asi Zeus paso a llamarce Jupiter, Hera, Juno; Atenea, Minerva; Poseidon, Neptuno; Etc. Muy venerada fue Vesta, diosa del hogar, equivalente a Hestia Griega.
DIOSES PRINCIPALES DE LA MITOLOGIA CLASICA
GRIEGO ROMANO
Cronos Saturno
Zeus Júpiter
Hera Juno
Atenea Minerva
Artemisa Diana
Apolo Febo
Hermes Mercurio
Ares Marte
Hefesto Vulcano
Afrodita Venus
Eros Cupido
Poseidón Neptuno
Hestia Vesta
Deméter Ceres
Dionisio Baco
Moiras Parcas
Hades Plutón
Persefóne Proserpina
Erinias Furias
Heracles Hércules
Bibliografia:
· Equipo editorial Sopena, “ Saber Mitología” Ed. Ramón Sopena, Barcelona, 2001.
· R: FRADERA, Veiga; “ Atlas de los estilos Artisticos” Ed. Jover,Barcelona, 1968.
· Granados, Rafael, “ Historia universal”, Ed. Voluntad, Bogota, 1965.
· GOMBRISCH, E.H. “Historia del arte” Ed. Debate, Madrid 1997.
· HOVING, Thomas, “Arte” Ed. Norma, Bogota, 1999.
PREHISTORIA Y PUEBLOS PRIMITIVOS
PREHISTORIA Y PUEBLOS PRIMITIVOS
No sabemos como empezó el arte, del mismo modo que ignoramos el comienzo del lenguaje, si tomamos el concepto de arte a partir de todas las construcciones realizadas por el hombre desde edificaciones, templos, utensilios, trazar esquemas, encontraremos que no existe pueblo sin ese elemento característico que da origen a una cultura.
En un texto anterior de introducción al arte veíamos algunas teorías recopiladas por Francisco Gil Tovar que sustentaban la posible estimulación a esas primeras obras de arte; teniendo en cuenta todos aquellos elementos planteados en el texto anterior podemos entender que el concepto de arte es relativamente joven, pero tal situación no da pie a que desmeritemos el trabajo artístico desarrollado por aquellos primeros hombres y hoy en día reflejado en todos los pueblos primitivos.
Debemos reconocer que en muchas de las manifestacio-nes estéticas de la prehistóri-cas y primitivas tienen un alto grado de elaboración conceptual lo cual permite determinar que aquellas manifestaciones artísticas sean primarias ya que estas obras de arte pueden ser tan actuales como las contempo-ráneas
PERIODO PALEOLITICO
20000 AL 8000 AC
Los principales hallazgos se encuentran en España y Francia, las obras o los allasgoz se caracterizan por estar impregnados de sentido mágico o simbólico, donde la decoración predominante es la abstracta bajo la utiliza-ción de líneas en ziczac.
PERIODO MESOLITICO
10000 AL 5000 AC
En este periodo subsiste el trabajo artístico del Paleolí-tico.
PERIODO NEOLÍTICO
5000 AL 3500 AC
En este periodo se encuentran las primeras construcciones megalíticas, tumbas de cúpula. Su principal característica es la alta evolución de la cerámica y la representación de ídolos
EDAD DE BRONCE
Este tiene diferente duración de acuerdo a su ubicación en Europa, por ejemplo en España del 2500 al 1000 AC; en general se caracteriza su trabajo por el énfasis en lo ornamental en sus grabados rupestres y representaciones esquemáticas.
EDAD DE HIERRO
Esta también tiene deferente duración de acuerdo a su ubicación en Europa por ejemplo España empieza en el 1000 al 500AC; se caracteriza este periodo por la representación de esfinges en metal con alto carácter decorativo.
PUEBLOS PRIMITIVOS
Para abordar los pueblos primitivos debemos partir de algunos conceptos plantea-dos en el comienzo de este texto.
El mundo de las imágenes es el mundo primitivo ya que se encuentra influenciado por el contacto directo con el mundo natural, generando una visión Magico-religiosa, donde su trabajo fluctúa entre: decoración, tótem, armas o elementos religiosos
Comentare sobre algunas regiones características:
AFRICA
Algunas tribus como Bambara, Dogón, Dan, Guro, Senofo, Baule y Benin esta ultima destruida por los Ingleses en 1897. Demues-tran gran habilidad para el trabajo de estatuillas, mascaras en madera, trabajos en bronce y marfil
AUSTRALIA
Los aborígenes actuales se encuentran en resguardos viviendo aun en la edad de piedra, destacandoce sus trabajos rupestres y la fabricación de escudos bajo decoración geométrica y con un bajo trabajo esculto9rico.
MELANESIA
En esta región predomina una ornamentación mágica, simbólica y religiosa donde predomina el estilo curvo en Sumatra y Borneo.
NUEVA ZELANDA
La cultura Maori, se caracteriza por el empleo de calados de espirales en sus decoraciones, es muy común el tatuaje corporal.
POLINECIA
Su arte tiene carácter aristocrático, bajo un carácter mágico donde lo chamánico no es tan brutal, una evidencia del trabajo artístico es el de la isla de Pascua.
ASIA
Su cultura se desarrolla en las estepas a partir del pastoreo lo cual marca el nomadismo no permitiendo un arraigo permanente y evidente en la arquitectura aunque poseen caracterís-ticas esenciales en sus casas de campaña de fácil emplazamiento.
EUROPA
Los Lapones, nómadas guardan mucha semejanza con las tribus de Asia, pero guardan mas relación con las pinturas paleolíticas que muestran gran evidencia de pastoreo.
AMERICA
Los esquimales los por poseer pocos materiales su arte se caracteriza por las tallas de huesos, madera, los californianos se destacan por la cestería, los centroameri-canos y suramericanos por su gran evolución interrumpida por la colonización.
ARTE EGIPCIO
Egipto la podemos conside-rar como hijo del Nilo, río protector y dador de vida, Egipto el territorio de las pirámides, faraones, momias y la cebada.
Sus cultos a los muertos pirámides, escul-turas, jero-glíficos y pinturas obedecen a cánones o reglas estableci-das por los gober-nantes de turno, aunque algu-nas de sus normas prevale-cieron en cada uno de sus periodos como el respeto de la jerarquía a partir del tamaño en cada una de sus representaciones artísticas aunque permitiendo una lectura sobre detalles paisa-jisticos.
Podemos determinar unos periodos claves en la historia de esta cultura:
Prehistoria 3000AC
Sus construcciones estaban determinadas a modo de criptas fabricadas de barro prensado donde sus sarcófa-gos son en madera.
Su decoración es compuesta por líneas simples bajo la utilización de color rojo y azul, presentando un alto desarrollo en la cerámica.
En este periodo sus construcciones son desarro-lladas a partir de barro cosido en formas de adobe y la utilización de la piedra, empleándolo en sus vivien-das y criptas las cuales ya poseían dos habitaciones donde sus sarcófagos eran de barro cocido con el interior en madera.
Imperio Antiguo
Este comprende a las diez primeras dinastías donde prevalece con el nombre de Menfita dando origen a Menfis en la primera dinastía que significa buen sitio.
La tercera dinastía se establece en Menfis y se caracteriza por el avance en las artes se establece la escritura y el perfecciona-miento de la momificación a esta se debe la construcción de la esfinge de Gizeh.
La cuarta dinastía se despla-za en barcos hasta el medite-rráneo fundando ciudades y funda la civilización Creten-ce y es en este periodo que los reyes Queops, Quefrén y Micerino construyen sus respectivas pirámides.
Durante la sexta dinastía se inventa el papiro y la escritura jeroglífica. Este periodo de Menfis prosigue hasta la décima dinastía que en medio de guerras triunfa la ciudad de Tebas sobre Menfis.
Imperio Medio
Es denominado como impe-rio Tebano, abarca desde la dinastía XI a la XVIII.
La dinastía XII se caracterizo por la organización en todos los aspectos económicos, agrícolas etc.
La dinastía XIV Gobernó en medio de discordias que permitieron la decadencia y la invasión de pueblos extranjeros, desde ese momento se vieron goberna-dos los egipcios por reyes Etíopes, Asirios, Persas y Macedonios es en medio de todos estos gobernantes extranjeros que Ptolomeo I gran protector de las ciencias estableció la capital de Alejandría, imperio del comercio y saber.
RtolomeoII se le debe la versión del antiguo testamen-to.
Ptolomeo XIII, fue sustituido por Cleopatra, hasta quedar como provincia de Roma.
Mitología Egipcia
La mitología egipcia comprende dos ciclos fundamentales: el solar de Heliopolis y el el agricola funerario de Isis y Osiris. El primero refiere los mitos cosmogónicos de la siguiente manera: En el caos primordial (Nun) anidaba Atunm, principio solar y ser creador. Este se desdoblo, y tomando el nombre de Ra (el sol durante el dia en transposición de Tun, sol al anochecer), extrajo de sí a Shu, dios del aire, y a Tefnet, diosa del vacío. Hijos de éstos fueron: Geb, el dios tierra, y Nut, la diosa cielo, cuyos cuerpos separados Shu daban lugar a los terremotos. Osiris (el nilo) e Isis (el suelo fecundado) así como Set o Tifón ( el desierto) y Neftis (el alma del castillo) nacieron de Geb y Nut. Ra reinó en la tierra hasta que la diosa Isis consiguió que le revelara su nombre secreto, con lo que le arrebató su poder, que pasó a Horus, hijo póstumo de Osiris de dicha diosa. Ra cedió el gobierno del mundo a Shu; y éste, después de numerosos contratiempos, a Geb; Geb a Osiris; a éste le sucedió Horus, fundador de las dinastías históricas de Egipto. En cuanto al mito de Osiris, uno de los más popularizados de ésta mitología refiere como dicho dios rey fue muerto y dividido en pedazos por su hermano Set. Isis fue en busca de los pedazos dispersos de su esposo, que reunió y volvió a la vida. Posteriormente Osiris es vengado por su hijo Horus. Otros dioses de gran importancia fueron: Amón, que alcanzó el lugar preponderante con el dominio político de Tebas; Ptah, y Anubis. Entre las diosas, Hathor y Mut, esposa ésta última de Amón. Muy características de la mitología egipcia son las triadas por las que aparecen los dioses agrupados en familias (Osiris, Isis y Horus; Amón , Mut y Khonsu; etc. ); también los animales divinizados que recibían un culto especial
Centrando ideas del arte egipcio:
*el hieratismo es el concepto estético que lleva a conseguir figuras solemnes, de gestos y adema rígidos.
*Las figuras egipcias se fundamentan en la representación de perfiles que cumplen la ley de frontalidad , la de jerarquía y la representación natural de los animales.
*La ley de la jerarquía consiste en el manejo de tamaños en la representación de los personajes según su estatuas dándole mayor tamaño a los faraones.
BIBLIOGRAFIA
E.H, Gombrich, “Historia del Arte”, Ed Debate, Madrid España 1997. P.p 39 – 73
GRANADOS, Rafael, “Historia Universal”,Ed Voluntad, Bogota,1965. PP 54-81
Veiga, Fradera, ”Atlas de los Estilos Artísticos”, E.d. Jover, Barcelona, 1986.
Hoving, Tom, ”Arte”, E.d. Norma, Bogotá, Colombia,2001.
No sabemos como empezó el arte, del mismo modo que ignoramos el comienzo del lenguaje, si tomamos el concepto de arte a partir de todas las construcciones realizadas por el hombre desde edificaciones, templos, utensilios, trazar esquemas, encontraremos que no existe pueblo sin ese elemento característico que da origen a una cultura.
En un texto anterior de introducción al arte veíamos algunas teorías recopiladas por Francisco Gil Tovar que sustentaban la posible estimulación a esas primeras obras de arte; teniendo en cuenta todos aquellos elementos planteados en el texto anterior podemos entender que el concepto de arte es relativamente joven, pero tal situación no da pie a que desmeritemos el trabajo artístico desarrollado por aquellos primeros hombres y hoy en día reflejado en todos los pueblos primitivos.
Debemos reconocer que en muchas de las manifestacio-nes estéticas de la prehistóri-cas y primitivas tienen un alto grado de elaboración conceptual lo cual permite determinar que aquellas manifestaciones artísticas sean primarias ya que estas obras de arte pueden ser tan actuales como las contempo-ráneas
PERIODO PALEOLITICO
20000 AL 8000 AC
Los principales hallazgos se encuentran en España y Francia, las obras o los allasgoz se caracterizan por estar impregnados de sentido mágico o simbólico, donde la decoración predominante es la abstracta bajo la utiliza-ción de líneas en ziczac.
PERIODO MESOLITICO
10000 AL 5000 AC
En este periodo subsiste el trabajo artístico del Paleolí-tico.
PERIODO NEOLÍTICO
5000 AL 3500 AC
En este periodo se encuentran las primeras construcciones megalíticas, tumbas de cúpula. Su principal característica es la alta evolución de la cerámica y la representación de ídolos
EDAD DE BRONCE
Este tiene diferente duración de acuerdo a su ubicación en Europa, por ejemplo en España del 2500 al 1000 AC; en general se caracteriza su trabajo por el énfasis en lo ornamental en sus grabados rupestres y representaciones esquemáticas.
EDAD DE HIERRO
Esta también tiene deferente duración de acuerdo a su ubicación en Europa por ejemplo España empieza en el 1000 al 500AC; se caracteriza este periodo por la representación de esfinges en metal con alto carácter decorativo.
PUEBLOS PRIMITIVOS
Para abordar los pueblos primitivos debemos partir de algunos conceptos plantea-dos en el comienzo de este texto.
El mundo de las imágenes es el mundo primitivo ya que se encuentra influenciado por el contacto directo con el mundo natural, generando una visión Magico-religiosa, donde su trabajo fluctúa entre: decoración, tótem, armas o elementos religiosos
Comentare sobre algunas regiones características:
AFRICA
Algunas tribus como Bambara, Dogón, Dan, Guro, Senofo, Baule y Benin esta ultima destruida por los Ingleses en 1897. Demues-tran gran habilidad para el trabajo de estatuillas, mascaras en madera, trabajos en bronce y marfil
AUSTRALIA
Los aborígenes actuales se encuentran en resguardos viviendo aun en la edad de piedra, destacandoce sus trabajos rupestres y la fabricación de escudos bajo decoración geométrica y con un bajo trabajo esculto9rico.
MELANESIA
En esta región predomina una ornamentación mágica, simbólica y religiosa donde predomina el estilo curvo en Sumatra y Borneo.
NUEVA ZELANDA
La cultura Maori, se caracteriza por el empleo de calados de espirales en sus decoraciones, es muy común el tatuaje corporal.
POLINECIA
Su arte tiene carácter aristocrático, bajo un carácter mágico donde lo chamánico no es tan brutal, una evidencia del trabajo artístico es el de la isla de Pascua.
ASIA
Su cultura se desarrolla en las estepas a partir del pastoreo lo cual marca el nomadismo no permitiendo un arraigo permanente y evidente en la arquitectura aunque poseen caracterís-ticas esenciales en sus casas de campaña de fácil emplazamiento.
EUROPA
Los Lapones, nómadas guardan mucha semejanza con las tribus de Asia, pero guardan mas relación con las pinturas paleolíticas que muestran gran evidencia de pastoreo.
AMERICA
Los esquimales los por poseer pocos materiales su arte se caracteriza por las tallas de huesos, madera, los californianos se destacan por la cestería, los centroameri-canos y suramericanos por su gran evolución interrumpida por la colonización.
ARTE EGIPCIO
Egipto la podemos conside-rar como hijo del Nilo, río protector y dador de vida, Egipto el territorio de las pirámides, faraones, momias y la cebada.
Sus cultos a los muertos pirámides, escul-turas, jero-glíficos y pinturas obedecen a cánones o reglas estableci-das por los gober-nantes de turno, aunque algu-nas de sus normas prevale-cieron en cada uno de sus periodos como el respeto de la jerarquía a partir del tamaño en cada una de sus representaciones artísticas aunque permitiendo una lectura sobre detalles paisa-jisticos.
Podemos determinar unos periodos claves en la historia de esta cultura:
Prehistoria 3000AC
Sus construcciones estaban determinadas a modo de criptas fabricadas de barro prensado donde sus sarcófa-gos son en madera.
Su decoración es compuesta por líneas simples bajo la utilización de color rojo y azul, presentando un alto desarrollo en la cerámica.
En este periodo sus construcciones son desarro-lladas a partir de barro cosido en formas de adobe y la utilización de la piedra, empleándolo en sus vivien-das y criptas las cuales ya poseían dos habitaciones donde sus sarcófagos eran de barro cocido con el interior en madera.
Imperio Antiguo
Este comprende a las diez primeras dinastías donde prevalece con el nombre de Menfita dando origen a Menfis en la primera dinastía que significa buen sitio.
La tercera dinastía se establece en Menfis y se caracteriza por el avance en las artes se establece la escritura y el perfecciona-miento de la momificación a esta se debe la construcción de la esfinge de Gizeh.
La cuarta dinastía se despla-za en barcos hasta el medite-rráneo fundando ciudades y funda la civilización Creten-ce y es en este periodo que los reyes Queops, Quefrén y Micerino construyen sus respectivas pirámides.
Durante la sexta dinastía se inventa el papiro y la escritura jeroglífica. Este periodo de Menfis prosigue hasta la décima dinastía que en medio de guerras triunfa la ciudad de Tebas sobre Menfis.
Imperio Medio
Es denominado como impe-rio Tebano, abarca desde la dinastía XI a la XVIII.
La dinastía XII se caracterizo por la organización en todos los aspectos económicos, agrícolas etc.
La dinastía XIV Gobernó en medio de discordias que permitieron la decadencia y la invasión de pueblos extranjeros, desde ese momento se vieron goberna-dos los egipcios por reyes Etíopes, Asirios, Persas y Macedonios es en medio de todos estos gobernantes extranjeros que Ptolomeo I gran protector de las ciencias estableció la capital de Alejandría, imperio del comercio y saber.
RtolomeoII se le debe la versión del antiguo testamen-to.
Ptolomeo XIII, fue sustituido por Cleopatra, hasta quedar como provincia de Roma.
Mitología Egipcia
La mitología egipcia comprende dos ciclos fundamentales: el solar de Heliopolis y el el agricola funerario de Isis y Osiris. El primero refiere los mitos cosmogónicos de la siguiente manera: En el caos primordial (Nun) anidaba Atunm, principio solar y ser creador. Este se desdoblo, y tomando el nombre de Ra (el sol durante el dia en transposición de Tun, sol al anochecer), extrajo de sí a Shu, dios del aire, y a Tefnet, diosa del vacío. Hijos de éstos fueron: Geb, el dios tierra, y Nut, la diosa cielo, cuyos cuerpos separados Shu daban lugar a los terremotos. Osiris (el nilo) e Isis (el suelo fecundado) así como Set o Tifón ( el desierto) y Neftis (el alma del castillo) nacieron de Geb y Nut. Ra reinó en la tierra hasta que la diosa Isis consiguió que le revelara su nombre secreto, con lo que le arrebató su poder, que pasó a Horus, hijo póstumo de Osiris de dicha diosa. Ra cedió el gobierno del mundo a Shu; y éste, después de numerosos contratiempos, a Geb; Geb a Osiris; a éste le sucedió Horus, fundador de las dinastías históricas de Egipto. En cuanto al mito de Osiris, uno de los más popularizados de ésta mitología refiere como dicho dios rey fue muerto y dividido en pedazos por su hermano Set. Isis fue en busca de los pedazos dispersos de su esposo, que reunió y volvió a la vida. Posteriormente Osiris es vengado por su hijo Horus. Otros dioses de gran importancia fueron: Amón, que alcanzó el lugar preponderante con el dominio político de Tebas; Ptah, y Anubis. Entre las diosas, Hathor y Mut, esposa ésta última de Amón. Muy características de la mitología egipcia son las triadas por las que aparecen los dioses agrupados en familias (Osiris, Isis y Horus; Amón , Mut y Khonsu; etc. ); también los animales divinizados que recibían un culto especial
Centrando ideas del arte egipcio:
*el hieratismo es el concepto estético que lleva a conseguir figuras solemnes, de gestos y adema rígidos.
*Las figuras egipcias se fundamentan en la representación de perfiles que cumplen la ley de frontalidad , la de jerarquía y la representación natural de los animales.
*La ley de la jerarquía consiste en el manejo de tamaños en la representación de los personajes según su estatuas dándole mayor tamaño a los faraones.
BIBLIOGRAFIA
E.H, Gombrich, “Historia del Arte”, Ed Debate, Madrid España 1997. P.p 39 – 73
GRANADOS, Rafael, “Historia Universal”,Ed Voluntad, Bogota,1965. PP 54-81
Veiga, Fradera, ”Atlas de los Estilos Artísticos”, E.d. Jover, Barcelona, 1986.
Hoving, Tom, ”Arte”, E.d. Norma, Bogotá, Colombia,2001.
viernes 24 de agosto de 2007
INTRODUCCION AL ARTE
1. Introducción al Arte
* Él por que del Arte
Según Gil Tovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá,1999 P.9 “ El arte es una de las manifestaciones más significativas de la cultura espiritual” El autor parte desde un concepto psicológico y sociológico para determinar que es la parte mas espiritual ya que según el entiende espíritu como el principio de toda vida mental e intelectual y lo asocia al explicar etimológica diciendo así: Culturaà Cultivo, por tal razón no es una actitud de estarce quieto y que por lo contrario está en pro de la transformación; cultura es pues es aquello que realiza el Hombre para superar o mejorar el mundo natural.
¿Que impulso al hombre a hacer Arte? Si se supone que los primeros grafismos son obras de arte realizadas por Hombres primitivos no hallaremos mucha diferencia con los dibujos actuales, en cuanto a la calidad, pero si intentamos realizar un dibujo inspirados en aquella época hallaremos que la diferencia prevalece en cuanto al carácter del esquema gráfico, ya que la motivación del creador será muy diferente. Desde este punto de vista podemos comprender parte del valor artístico de una obra.
La pregunta a responder más pertinente es ¿Qué motivo a esos primeros Hombres a expresarse con los trabajos que hoy conocemos como arte rupestre? Partiremos del concepto planteado por Francisco Gil Tovar alrededor de unas hipótesis de las cuales ninguna es demostrable:
· Motivación Estética, sostienen algunos historiadores y antropólogos que los primeros Hombres poseían un cierto agrado estético por las formas y sus impulsos creadores. (Karl J Narr, A la recherche de la préhistorie. París 1964.Teilhard de Chardin. La aparición del Hombre, Madrid, 1958).
· Motivación Laboral, Se a sostenido también que el homo – faber, desde sus inicios sentía satisfacción cuando vencía sus dificultades propias en el trabajo de esculpir, grabar, pintar (Máximo Gorki, Discurso en el primer congreso de escritores de la Unión Soviética, 1934, cita en el realismo socialista en la literatura y el arte, Moscú).
· Motivación Lúdica, Según el historiador y sociólogo Holandés Huizinga, el Homo Ludens, que después de realizar sus actividades se dedicaba al juego para gastar sus energías sobrantes, del cual pudo surgir la expresión artística de una manera espontanea, (Johan Huizinga, Homo Ludens, Amsterdam, 1939).
· Motivación Ornamentalista, Según esta teoría el Homo Sapiens ya poseía una cierta inclinación a insertar en sus objetos elementos de representación y la fabricación de aderezos que significaban una jerarquía dentro del núcleo social.
· Motivación lingüística, Según esta hipótesis el arte nace de la necesidad de comunicarce, a lo cual se considera que el arte es solamente un medio de comunicación humana.( Mijail Shólojov, Discurso en el II Congreso de escritores Soviéticos, Moscú, 1965).
· Motivación Religiosa, Según esta teoría los Hombres primitivos realizaron representaciones de seres superiores con carácter de deidades como aun se presenta en algunas tribus indígenas.(El antropólogo Baechler y Hoermann).
· Motivación Mágica, Según esta teoría el arte resultó a partir de ritos chamanicos que tenían como alcance una mejor casería en el diario vivir, esta es una de las teorías mas aceptada en el común de la gente. Según el profesor Francés (Georges Goury, Origine et evolution de I´homme, Paris,1948) sus pinturas garantizaban la casería”.
* Conceptos de Arte
Según R.G. Collingwood, Los principios del Arte, Ed, fondo de la cultura económica, México, 1993, p.15 “ historia de la palabra Arte”. "Comenta que: Antes de empezar a hablar de arte, hay que aclarar ambigüedades conectadas a la palabra arte y para esto debemos volver a la historia. El origen de la palabra Arte en griego significa artesanía o forma de adiestramiento especializado como carpintería, herrería o cirugía. Los Griegos y Romanos no tuvieron una concepción de lo que nosotros llamamos arte como algo diferente de la artesanía; a lo que nosotros llamamos arte ellos lo consideraron como un grupo de artesanías, tales como artesanía de la poesía, etc.
A nosotros nos cuesta trabajo entender esto y, aun más percibir sus aplicaciones. Si la gente no tiene una palabra para cierto tipo de cosas es por que no se da cuenta de que sea un tipo distinto. Admirando como lo hacemos el arte de los antiguos Griegos naturalmente suponemos que ellos lo admiraban con el mismo espíritu que nosotros. Pero nosotros lo admiramos como un tipo de arte, en donde la palabra Arte lleva consigo todas las sutiles y elaboradas implicaciones de la conciencia estética europea moderna. Nosotros podemos estar completamente seguros de que los Griegos de ninguna manera lo admiraban de tal modo. Lo contemplaban desde un punto de vista totalmente diferente. Y cual era este, es algo que quizás podamos descubrir leyendo lo que hombres como Platon escribieron.
Arte en latín medieval, en el primitivo inglés moderno, significa cualquier forma especial de aprendizaje por libros, tal como la gramática o la lógica, la magia o la astrología. Ese es todavía el significado en la época de Shakespeare: “Queda allí mi arte”, dise Prospero, al dejar su túnica mágica. Pero el Renacimiento, primero en Italia y después en todas partes, restableció el viejo significado; y los artistas del Renacimiento, como los del mundo antiguo, pensaban realmente sobre ellos mismos como artesanos. No fue sino asta el siglo XVIII cuando los problemas y concepciones de la estética comenzaron a separarse de los de la técnica o de la filosofía de la artesanía. A fines del siglo XVIII la separación había llegado hasta el establecimiento de una distinción entre las artes bellas y las artes útiles. En el siglo XIX esta frase, abreviada paso del plural al singular y se convirtió en ARTE.
Al llegar a este punto la separación de arte y artesanía es totalmente completa. Pero solo teóricamente. El nuevo uso de la palabra Arte es una bandera colocada en la cima de una colina por los primeros que llegan; pero ello no prueba que la colina esté efectivamente tomada”.
Hablar de Arte, es entrar en el gran bagaje de los conceptos que existen desde la realización de un primer trazo sobre la tierra, de hecho, los conceptos que hablan del tema tienden a modificarse de acuerdo al creador, al contexto histórico, y en la época moderna a las corrientes.
Para algunos autores como; Tom. Hoving, Arte, E.d. Norma, Bogotá, 2001 E.H. Gombrich, Historia del arte, Ed. Debate, Madrid, 1997, y del mismo autor, Lo que nos dice la Imagen, Ed, Norma, Bogotá,1993, Bernard Myers, Las bellas Artes “ como mirar el arte tomo 10” Ed. Grolier, México, 1973,Francisco Gil Tovar, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá, 1999, confluyen en la misma premisa, afirmando que en el arte el importante es el artista; es por tal razón que se hace necesario partir desde los diferentes o muy parecidos conceptos de artista.
¿Que es un artista? Por encima de todo, es un Hombre que hace algo, es decir es el resultado de coger cualquier material y producir con el una manifestación deliberada, por tal razón cabe suponer que cualquier cosa puede ser arte, este concepto se genera hace muy poco, mas o menos un siglo, donde nace la idea de considerar la Ciencia en su significado conocimiento, y arte, seria llevar el conocimiento a la practica. Debido a esta teoría se escucha muy común los términos de “ el arte de la cocina, el arte del mecánico, el arte de la peluquería, artefacto, artesanía, Etc.” Pero debemos tener en cuenta que este no es un problema si de antemano entendemos su significado lingüistico y además su significado alrededor de un juicio de valor, debido a esto el verdadero enemigo del el arte es el gusto como lo decía Tom Hoving.
El gusto, puede determinar si es buena una obra de arte o una pieza artesanal, este puede estar supeditado a una referencia un recuerdo o en los casos extremos a un amaño, y es totalmente valida la reflexión, al acercarse a las obras de arte. A mucha gente le gustan las representaciones con referencia a la realidad o lo contrario, también existen otras obras de arte que representan temas bellos o desagradables que en ocasiones pudieron considerarse por el autor como tema sublime o bello, tal consideración en el momento de denigrar de una obra es para tener en cuenta, como dise E.H. Gombrich “ No existe mayor obstáculo para gozar de las grandes obras de arte que nuestra repugnancia a despojarnos de costumbres y prejuicios” dentro de estas palabras determina el autor que, así como el común de la gente no denigra y acepta la apariencia del ratón Mickey de Walt Disney, debe tenerse en cuenta el proceso de realización técnica y conceptual que a impuesto el artista en su obra al determinar la culminación de esta, es entrar a disfrutar y cuestionarse por un instante lo particular o no de la ejecución de la obra, ya que de allí parte el carácter artístico. Es como pensar por un instante que nosotros también somos artistas en nuestra vida cotidiana, cuando se realiza un arreglo de flores en nuestra casa: para lo cual se mira el espacio, el tipo de flores, los colores, la decisión si se le pone follaje o no y el tipo de arreglo pertinente Etc. Y si vamos mas dentro de nuestra vida cotidiana cuando decidimos nuestra vestimenta; es allí, donde esta el valor artístico de una obra y el artista.
Antes de hablar de la obra de arte, realizaremos un breve recorrido por las reflexiones teóricas alrededor del Arte, según Formaggio, Dino, La muerte del Arte y la Estética, Ed enlace-Grijalbo, México, 1992 P 301 “ Introducción a la estética como ciencia filosófica” la filosofía del arte sé a determinado estética, esta palabra fue utilizada inicialmente Baumgarten en 1735 para determinar la ciencia que se encarga de lo sensorial, relativamente es una palabra muy nueva en la historia, con respecto a este termino antes de empezar a hablar de dicho termino retomare del mismo texto el concepto que plantea sobre la estética el fenomenólogo Moritz Geiger, el cual determina que la estética es como una veleta: “ Ya que esta gira a cada golpe de viento filosófico, cultural, científico, es cultivada ora de manera empírica, ora de manera metafísica, ora normativa, ora descriptivamente ora de parte de artista, ora de parte de contemplador, hoy pronta a acoger en el arte el sentido de lo estético... y mañana a encontrar en lo bello artístico algo bello rebajado en su naturaleza.”
Con esta determinación volvemos al principio de nuestro texto, que mencionare nuevamente a continuación ” Hablar de Arte, es entrar en el gran bagaje de los conceptos que existen desde la realización de un primer trazo sobre la tierra, de hecho, los conceptos que hablan del tema tienden a modificarse de acuerdo al creador, al contexto histórico, y en la época moderna a las corrientes”.
Las reflexiones entorno al arte a manera de síntesis extracto algunos apartes de la historia según Monroe C, Hospers Jhon, Estética, Historia y fundamentos, Ed Cátedra, Madrid, 1993. “ En Occidente, la historia de la reflexión filosófica acerca de las artes se inicia con Platón. Pero su importante contribución a este estudio fue precedida dos siglos anteriores por: Demócrito, Parménides, Pindaro, Pitágoras, entre otros.
Cuando hablamos de Platón, hablamos sobre la belleza entorno a las artes visuales (pintura, escultura, arquitectura), artes literarias (épica, lírica, poesía, dramática), danza y canto. Determina Platón que todas estas habilidades eran adquiridas a partir de la mimesis concepto utilizado por éste, refiriéndose a la copia.
Aristóteles, éste filósofo probablemente de 347- 342 a. C. se detiene en definir el arte de la poesía, determinando que existen tres clases de pensamiento: conocimiento, acción y reacción. Este filósofo también habla de la imitación o mimesis catalogándola como el arte de imitar apariencias visuales ( pintura, escultura, etc...) y el arte de la poesía es decir de imitar las vivencias humanas.
A diferencia de estos dos grandes pensadores Platon y Aristóteles, Plotino ultimo gran pensador Griego, niega tácitamente al artista la tarea de imitar, pues concibe el arte como una capacidad de penetrar en la esencia de las cosas y como una emanación del espíritu.
San Agustín, este habla en parte sobre la belleza, determinando que ésta en cuanto a las cosas, forman un todo y determina unos conceptos claves que son considerados la esencia de su filosofía y son: unidad, número, igualdad, proporción y orden.
Santo Tomás de Aquino cuando habla de la belleza en el arte la determina como la posibilidad de contemplación ante lo natural.
Durante el renacimiento se desarrolló el proceso filosófico más interesante realizado durante los siglos XV y XVI, fue la revitalización de Platón de las manos de Marsilio Ficilio, traductor de Platón y Plotinio y fundador de la nueva academia. Este determina dentro de sus apartes que la belleza sólo puede ser captada por las facultades intelectivas: vista, oído e inteligencia.
Durante la ilustración, Descartes aunque no elabora ninguna teoría estética ni escribe de hecho nada entorno a las artes se criticaron algunas reglas que condujeron al raciocinio en cuanto a las normas artísticas y conceptos artísticos existentes.
Durante el proceso del idealismo alemán se convierte Kant en el primer filósofo moderno que hace de su teoría estética parte integral del sistema filosófico, puesto que trató de integrar naturaleza y libertad desarrollando un estudio referido a lo sublime y lo bello.
Durante el romanticismo la ideología giró alrededor de las emociones personales, es decir todo giró en torno al sentimiento y el gusto, el cual ya estaba latente en la filosofía de Schelling.
Los cambios políticos y sociales desarrollados durante el siglo XIX originados por la revolución francesa y la aparición de la industria moderna plantearon una nueva forma del problema Platónico entre artista y sociedad. Una solución al problema fue considerar al artista como una persona dotada de una vocación propia y cuya única o al menos primaria obligación era perfeccionar su obra, especialmente su belleza formal, prescindiendo de lo que la sociedad pudiese esperar. Tal vez el artista a causa de su superioridad o mayor sensibilidad, o por exigencias de su arte, tenga que verse alejado de la sociedad para, aún a riesgo de ser destruido por ella, llevar a cabo su obra con orgullo.
> ¿ Que son las artes visuales?
Según, Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, editorial gráficas Rodal S.A. 1996, ensayo teorías de la pura visualidad p. 208 autor Guillermo Solana. “Este termino empleado en nuestros días con mucha cotidíanidad por cada escuela formadora de individuos en las bellas artes, “tiene su origen en la expresión “ pura visualidad” que surgió hacia 1875 para designar el programa del formalismo figurativo enunciado por Konrad Fiedler, en dialogo con Adolf von Hildebrand y Hans von Marées. Sus teorías, libremente interpretadas y aplicadas a la historia del arte por Alois Riegl y Heinrich Wölfflin, se difundieron también fuera del ámbito germano; refractadas al cambiar de medio y mezcladas con otras corrientes, crearon una tradición ecléctica en la historiografía y la critica del arte. A través de la historia dicho termino a sido asociado a la producción artística figurativa enmarcada en la interpretación de la realidad, es decir desde documentos visuales que han recreado los documentos históricos, expediciones de conquista o botánica como la desarrollada en nuestro país.
Hoy en día este termino de artes visuales es heredado, ya que en un principio todas las escuelas de formación artística o talleres tuvieron un fundamento tradicional renacentista en cuanto a la enseñanza, que en el tiempo tomaron el nombre de bellas artes.
Este termino de bellas artes se utiliza hoy en día para denominar algunas escuelas de arte que en su formación académica predomina o se fundamenta en los cánones tradicionales muy de moda en el renacimiento.
El termino estricto de bellas artes o en su efecto el de artes visuales debería modificarce o llegado caso no nombrarse en el caso de hablar “ una obra de arte posmoderno” ya que estas obras no reúnen las condiciones pertinentes de las obras clásicas, lo más aconsejable seria no nombrarlas hasta que no exista un nombre apropiado para citarlas”.
> ¿Qué es entonces una obra de arte?
Para empezar podemos citar lo que decía; D,A, Dondis, La sintaxis de la imagen, Ed, Gustavo Gili, 1982, P.9 “ Introducción”. “ El Arte, y el significado del Arte, la forma y la función del componente visual de la expresión y la comunicación han cambiado radicalmente en la era tecnológica, sin que se halla producido una modificación correspondiente en la estética del arte. Mientras el carácter de las Artes visuales y sus relaciones con la sociedad y la educación se han alterado espectacularmente, la estética del Arte ha permanecido fija, anclandoce anacrónicamente en la idea de que la influencia fundamental para la comprensión y la conformación de cualquier nivel del mensaje visual debe basarse en inspiraciones no cerebrales....La expresión visual son muchas cosas, en muchas circunstancias y para muchas personas. Es el producto de una inteligencia humana altamente compleja que desgraciadamente conocemos muy mal.”
Estas palabras nos determinan que la Obra de arte ejecutada por los artistas o reflexión de los estetas como lo retoma Gil Trovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá, 1999, P.p. 27-178. Según el autor; lo tomare a manera de síntesis y relacionado con otros teóricos del Arte:
El arte, la obra de arte, tiene como meta ¿ Es buscar y realizar lo bello? ¿Es imitar a la naturaleza? ¿Es reflejar la vida, el tiempo, evadirse de ella? ¿Es un modo de conocimiento? ¿Una emanación espiritual? ¿Una operación intelectual? ¿Un acto intuitivo? ¿Un vehículo de magia?.
Podemos empezar, cuestionándonos, que tantos siglos de elaboración y modificación de materiales no debieron ser en vano, si puesto que expresaron un sentimiento o unas sensaciones las cuales fueron tan importantes en su momento como para nosotros hoy, esta carga, de elementos particulares impuestos por el autor pone de antemano la originalidad de lo que fue producto del campo sensible.
El anterior párrafo nos centro en dos términos esenciales para la determinación de una obra de Arte, la expresión y la comunicación.
Expresar viene del latín ex= lo que procede del interior y Premere= oprimir, apretar, sintetizar. Significa etimológicamente igual que exprimir, sacar a fuera lo interior.
La expresión, es por lo tanto, el hecho de revelar o hacer patente algo que se guardaba dentro, es por lo tanto que podemos determinar que la obra de Arte es un fenómeno expresivo en si mismo, es decir la obra de Arte pude aludir algo como sentimientos, ideas. Debemos aclarar, que expresar no es lo mismo que comunicar; viene del latín communicare= poner en común, compartir, por tal razón solamente cuando la expresión es compartida se transforma en comunicación, al existir tal concepto, es porque el elemento esta cargado de un contenido y un mensaje, es aquello que la obra expresa es decir lo que el artista puso dentro de ella, el contenido y mensaje no son la misma cosa, para mayor claridad el mensaje esta supeditado a los elementos que le dan carácter a la obra como la forma y la figura y la lectura de estos elementos se considera el contenido, el cual podemos considerar mucho mas complejo por las múltiples lecturas posibles como posibles obres existen.
La forma y la figura, la forma es la parte sensible, ya que es todo aquello que podemos captar a partir de nuestros sentidos externos, ya que el fenómeno estético también puede existir sin forma pero pasa a ser un hecho artístico y no una obra ya que para que esta exista se necesita la forma y el cuerpo, una forma es una pintura, una escultura, una pieza musical o un poema, el cual esta aludido por una figura. Ejemplo:
La figura literal de la palabra gallo, nos remite a una forma determinada por nuestros preconceptos en el cual nos podemos remitir a un diccionario donde encontraremos su descripción de manera general. Es decir puede ser cualquier gallo.
La figura de un esquema de un gallo, nos remite de manera expresiva a la forma de un gallo realizada por un artista el cual esta compuesto a partir de líneas rectas curvas color etc que nos dará un carácter de gallo a partir de un concepto de un artista. Es decir un gallo fuera de ser un gallo.
La figura fotográfica de un Gallo, nos remite a la forma de un gallo determinado por el fotógrafo en un hecho o momento determinado..
La figura real de un gallo, nos remite al gallo presentado ante nuestros ojos y no deja pie a la imaginación en cuanto a la representación.
El anterior ejemplo nos permite observar lo importante en la expresión la forma y la figura en la estructura de un contenido y un mensaje en el momento de determinar una comunicación artística a partir de la obra de arte.
1. Introducción al arte
1.1 Él porque del Arte
* Gil Tovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá,1999 P.9
1.2 Conceptos de Arte
* R.G. Collingwood, Los principios del Arte, Ed, fondo de la cultura económica, México, 1993, p.15 “ historia de la palabra Arte”
* Tom. Hoving, Arte, E.d. Norma, Bogotá, 2001.P.p 11-14
* E.H. Gombrich, Historia del arte, Ed. Debate, Madrid, 1997. P.p 15-37
* E.H. Gombrich, Lo que nos dice la Imagen, Ed, Norma, Bogotá,1993. P.p 71-93
* Bernard Myers, Las bellas Artes “ como mirar el arte tomo 10” Ed. Grolier, México, 1973. P. 9
* Formaggio, Dino, La muerte del Arte y la Estética, Ed enlace-Grijalbo, México, 1992 P 301 “ Introducción a la estética como ciencia filosófica”.
* Monroe C, Hospers Jhon, Estética, Historia y fundamentos, Ed Cátedra, Madrid, 1993.
* Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, editorial gráficas Rodal S.A. 1996, ensayo teorías de la pura visualidad p. 208 autor Guillermo Solana.
* D,A, Dondis, La sintaxis de la imagen, Ed, Gustavo Gili, 1982, P.9 “ Introducción”.
* Gil Trovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes
* Él por que del Arte
Según Gil Tovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá,1999 P.9 “ El arte es una de las manifestaciones más significativas de la cultura espiritual” El autor parte desde un concepto psicológico y sociológico para determinar que es la parte mas espiritual ya que según el entiende espíritu como el principio de toda vida mental e intelectual y lo asocia al explicar etimológica diciendo así: Culturaà Cultivo, por tal razón no es una actitud de estarce quieto y que por lo contrario está en pro de la transformación; cultura es pues es aquello que realiza el Hombre para superar o mejorar el mundo natural.
¿Que impulso al hombre a hacer Arte? Si se supone que los primeros grafismos son obras de arte realizadas por Hombres primitivos no hallaremos mucha diferencia con los dibujos actuales, en cuanto a la calidad, pero si intentamos realizar un dibujo inspirados en aquella época hallaremos que la diferencia prevalece en cuanto al carácter del esquema gráfico, ya que la motivación del creador será muy diferente. Desde este punto de vista podemos comprender parte del valor artístico de una obra.
La pregunta a responder más pertinente es ¿Qué motivo a esos primeros Hombres a expresarse con los trabajos que hoy conocemos como arte rupestre? Partiremos del concepto planteado por Francisco Gil Tovar alrededor de unas hipótesis de las cuales ninguna es demostrable:
· Motivación Estética, sostienen algunos historiadores y antropólogos que los primeros Hombres poseían un cierto agrado estético por las formas y sus impulsos creadores. (Karl J Narr, A la recherche de la préhistorie. París 1964.Teilhard de Chardin. La aparición del Hombre, Madrid, 1958).
· Motivación Laboral, Se a sostenido también que el homo – faber, desde sus inicios sentía satisfacción cuando vencía sus dificultades propias en el trabajo de esculpir, grabar, pintar (Máximo Gorki, Discurso en el primer congreso de escritores de la Unión Soviética, 1934, cita en el realismo socialista en la literatura y el arte, Moscú).
· Motivación Lúdica, Según el historiador y sociólogo Holandés Huizinga, el Homo Ludens, que después de realizar sus actividades se dedicaba al juego para gastar sus energías sobrantes, del cual pudo surgir la expresión artística de una manera espontanea, (Johan Huizinga, Homo Ludens, Amsterdam, 1939).
· Motivación Ornamentalista, Según esta teoría el Homo Sapiens ya poseía una cierta inclinación a insertar en sus objetos elementos de representación y la fabricación de aderezos que significaban una jerarquía dentro del núcleo social.
· Motivación lingüística, Según esta hipótesis el arte nace de la necesidad de comunicarce, a lo cual se considera que el arte es solamente un medio de comunicación humana.( Mijail Shólojov, Discurso en el II Congreso de escritores Soviéticos, Moscú, 1965).
· Motivación Religiosa, Según esta teoría los Hombres primitivos realizaron representaciones de seres superiores con carácter de deidades como aun se presenta en algunas tribus indígenas.(El antropólogo Baechler y Hoermann).
· Motivación Mágica, Según esta teoría el arte resultó a partir de ritos chamanicos que tenían como alcance una mejor casería en el diario vivir, esta es una de las teorías mas aceptada en el común de la gente. Según el profesor Francés (Georges Goury, Origine et evolution de I´homme, Paris,1948) sus pinturas garantizaban la casería”.
* Conceptos de Arte
Según R.G. Collingwood, Los principios del Arte, Ed, fondo de la cultura económica, México, 1993, p.15 “ historia de la palabra Arte”. "Comenta que: Antes de empezar a hablar de arte, hay que aclarar ambigüedades conectadas a la palabra arte y para esto debemos volver a la historia. El origen de la palabra Arte en griego significa artesanía o forma de adiestramiento especializado como carpintería, herrería o cirugía. Los Griegos y Romanos no tuvieron una concepción de lo que nosotros llamamos arte como algo diferente de la artesanía; a lo que nosotros llamamos arte ellos lo consideraron como un grupo de artesanías, tales como artesanía de la poesía, etc.
A nosotros nos cuesta trabajo entender esto y, aun más percibir sus aplicaciones. Si la gente no tiene una palabra para cierto tipo de cosas es por que no se da cuenta de que sea un tipo distinto. Admirando como lo hacemos el arte de los antiguos Griegos naturalmente suponemos que ellos lo admiraban con el mismo espíritu que nosotros. Pero nosotros lo admiramos como un tipo de arte, en donde la palabra Arte lleva consigo todas las sutiles y elaboradas implicaciones de la conciencia estética europea moderna. Nosotros podemos estar completamente seguros de que los Griegos de ninguna manera lo admiraban de tal modo. Lo contemplaban desde un punto de vista totalmente diferente. Y cual era este, es algo que quizás podamos descubrir leyendo lo que hombres como Platon escribieron.
Arte en latín medieval, en el primitivo inglés moderno, significa cualquier forma especial de aprendizaje por libros, tal como la gramática o la lógica, la magia o la astrología. Ese es todavía el significado en la época de Shakespeare: “Queda allí mi arte”, dise Prospero, al dejar su túnica mágica. Pero el Renacimiento, primero en Italia y después en todas partes, restableció el viejo significado; y los artistas del Renacimiento, como los del mundo antiguo, pensaban realmente sobre ellos mismos como artesanos. No fue sino asta el siglo XVIII cuando los problemas y concepciones de la estética comenzaron a separarse de los de la técnica o de la filosofía de la artesanía. A fines del siglo XVIII la separación había llegado hasta el establecimiento de una distinción entre las artes bellas y las artes útiles. En el siglo XIX esta frase, abreviada paso del plural al singular y se convirtió en ARTE.
Al llegar a este punto la separación de arte y artesanía es totalmente completa. Pero solo teóricamente. El nuevo uso de la palabra Arte es una bandera colocada en la cima de una colina por los primeros que llegan; pero ello no prueba que la colina esté efectivamente tomada”.
Hablar de Arte, es entrar en el gran bagaje de los conceptos que existen desde la realización de un primer trazo sobre la tierra, de hecho, los conceptos que hablan del tema tienden a modificarse de acuerdo al creador, al contexto histórico, y en la época moderna a las corrientes.
Para algunos autores como; Tom. Hoving, Arte, E.d. Norma, Bogotá, 2001 E.H. Gombrich, Historia del arte, Ed. Debate, Madrid, 1997, y del mismo autor, Lo que nos dice la Imagen, Ed, Norma, Bogotá,1993, Bernard Myers, Las bellas Artes “ como mirar el arte tomo 10” Ed. Grolier, México, 1973,Francisco Gil Tovar, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá, 1999, confluyen en la misma premisa, afirmando que en el arte el importante es el artista; es por tal razón que se hace necesario partir desde los diferentes o muy parecidos conceptos de artista.
¿Que es un artista? Por encima de todo, es un Hombre que hace algo, es decir es el resultado de coger cualquier material y producir con el una manifestación deliberada, por tal razón cabe suponer que cualquier cosa puede ser arte, este concepto se genera hace muy poco, mas o menos un siglo, donde nace la idea de considerar la Ciencia en su significado conocimiento, y arte, seria llevar el conocimiento a la practica. Debido a esta teoría se escucha muy común los términos de “ el arte de la cocina, el arte del mecánico, el arte de la peluquería, artefacto, artesanía, Etc.” Pero debemos tener en cuenta que este no es un problema si de antemano entendemos su significado lingüistico y además su significado alrededor de un juicio de valor, debido a esto el verdadero enemigo del el arte es el gusto como lo decía Tom Hoving.
El gusto, puede determinar si es buena una obra de arte o una pieza artesanal, este puede estar supeditado a una referencia un recuerdo o en los casos extremos a un amaño, y es totalmente valida la reflexión, al acercarse a las obras de arte. A mucha gente le gustan las representaciones con referencia a la realidad o lo contrario, también existen otras obras de arte que representan temas bellos o desagradables que en ocasiones pudieron considerarse por el autor como tema sublime o bello, tal consideración en el momento de denigrar de una obra es para tener en cuenta, como dise E.H. Gombrich “ No existe mayor obstáculo para gozar de las grandes obras de arte que nuestra repugnancia a despojarnos de costumbres y prejuicios” dentro de estas palabras determina el autor que, así como el común de la gente no denigra y acepta la apariencia del ratón Mickey de Walt Disney, debe tenerse en cuenta el proceso de realización técnica y conceptual que a impuesto el artista en su obra al determinar la culminación de esta, es entrar a disfrutar y cuestionarse por un instante lo particular o no de la ejecución de la obra, ya que de allí parte el carácter artístico. Es como pensar por un instante que nosotros también somos artistas en nuestra vida cotidiana, cuando se realiza un arreglo de flores en nuestra casa: para lo cual se mira el espacio, el tipo de flores, los colores, la decisión si se le pone follaje o no y el tipo de arreglo pertinente Etc. Y si vamos mas dentro de nuestra vida cotidiana cuando decidimos nuestra vestimenta; es allí, donde esta el valor artístico de una obra y el artista.
Antes de hablar de la obra de arte, realizaremos un breve recorrido por las reflexiones teóricas alrededor del Arte, según Formaggio, Dino, La muerte del Arte y la Estética, Ed enlace-Grijalbo, México, 1992 P 301 “ Introducción a la estética como ciencia filosófica” la filosofía del arte sé a determinado estética, esta palabra fue utilizada inicialmente Baumgarten en 1735 para determinar la ciencia que se encarga de lo sensorial, relativamente es una palabra muy nueva en la historia, con respecto a este termino antes de empezar a hablar de dicho termino retomare del mismo texto el concepto que plantea sobre la estética el fenomenólogo Moritz Geiger, el cual determina que la estética es como una veleta: “ Ya que esta gira a cada golpe de viento filosófico, cultural, científico, es cultivada ora de manera empírica, ora de manera metafísica, ora normativa, ora descriptivamente ora de parte de artista, ora de parte de contemplador, hoy pronta a acoger en el arte el sentido de lo estético... y mañana a encontrar en lo bello artístico algo bello rebajado en su naturaleza.”
Con esta determinación volvemos al principio de nuestro texto, que mencionare nuevamente a continuación ” Hablar de Arte, es entrar en el gran bagaje de los conceptos que existen desde la realización de un primer trazo sobre la tierra, de hecho, los conceptos que hablan del tema tienden a modificarse de acuerdo al creador, al contexto histórico, y en la época moderna a las corrientes”.
Las reflexiones entorno al arte a manera de síntesis extracto algunos apartes de la historia según Monroe C, Hospers Jhon, Estética, Historia y fundamentos, Ed Cátedra, Madrid, 1993. “ En Occidente, la historia de la reflexión filosófica acerca de las artes se inicia con Platón. Pero su importante contribución a este estudio fue precedida dos siglos anteriores por: Demócrito, Parménides, Pindaro, Pitágoras, entre otros.
Cuando hablamos de Platón, hablamos sobre la belleza entorno a las artes visuales (pintura, escultura, arquitectura), artes literarias (épica, lírica, poesía, dramática), danza y canto. Determina Platón que todas estas habilidades eran adquiridas a partir de la mimesis concepto utilizado por éste, refiriéndose a la copia.
Aristóteles, éste filósofo probablemente de 347- 342 a. C. se detiene en definir el arte de la poesía, determinando que existen tres clases de pensamiento: conocimiento, acción y reacción. Este filósofo también habla de la imitación o mimesis catalogándola como el arte de imitar apariencias visuales ( pintura, escultura, etc...) y el arte de la poesía es decir de imitar las vivencias humanas.
A diferencia de estos dos grandes pensadores Platon y Aristóteles, Plotino ultimo gran pensador Griego, niega tácitamente al artista la tarea de imitar, pues concibe el arte como una capacidad de penetrar en la esencia de las cosas y como una emanación del espíritu.
San Agustín, este habla en parte sobre la belleza, determinando que ésta en cuanto a las cosas, forman un todo y determina unos conceptos claves que son considerados la esencia de su filosofía y son: unidad, número, igualdad, proporción y orden.
Santo Tomás de Aquino cuando habla de la belleza en el arte la determina como la posibilidad de contemplación ante lo natural.
Durante el renacimiento se desarrolló el proceso filosófico más interesante realizado durante los siglos XV y XVI, fue la revitalización de Platón de las manos de Marsilio Ficilio, traductor de Platón y Plotinio y fundador de la nueva academia. Este determina dentro de sus apartes que la belleza sólo puede ser captada por las facultades intelectivas: vista, oído e inteligencia.
Durante la ilustración, Descartes aunque no elabora ninguna teoría estética ni escribe de hecho nada entorno a las artes se criticaron algunas reglas que condujeron al raciocinio en cuanto a las normas artísticas y conceptos artísticos existentes.
Durante el proceso del idealismo alemán se convierte Kant en el primer filósofo moderno que hace de su teoría estética parte integral del sistema filosófico, puesto que trató de integrar naturaleza y libertad desarrollando un estudio referido a lo sublime y lo bello.
Durante el romanticismo la ideología giró alrededor de las emociones personales, es decir todo giró en torno al sentimiento y el gusto, el cual ya estaba latente en la filosofía de Schelling.
Los cambios políticos y sociales desarrollados durante el siglo XIX originados por la revolución francesa y la aparición de la industria moderna plantearon una nueva forma del problema Platónico entre artista y sociedad. Una solución al problema fue considerar al artista como una persona dotada de una vocación propia y cuya única o al menos primaria obligación era perfeccionar su obra, especialmente su belleza formal, prescindiendo de lo que la sociedad pudiese esperar. Tal vez el artista a causa de su superioridad o mayor sensibilidad, o por exigencias de su arte, tenga que verse alejado de la sociedad para, aún a riesgo de ser destruido por ella, llevar a cabo su obra con orgullo.
> ¿ Que son las artes visuales?
Según, Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, editorial gráficas Rodal S.A. 1996, ensayo teorías de la pura visualidad p. 208 autor Guillermo Solana. “Este termino empleado en nuestros días con mucha cotidíanidad por cada escuela formadora de individuos en las bellas artes, “tiene su origen en la expresión “ pura visualidad” que surgió hacia 1875 para designar el programa del formalismo figurativo enunciado por Konrad Fiedler, en dialogo con Adolf von Hildebrand y Hans von Marées. Sus teorías, libremente interpretadas y aplicadas a la historia del arte por Alois Riegl y Heinrich Wölfflin, se difundieron también fuera del ámbito germano; refractadas al cambiar de medio y mezcladas con otras corrientes, crearon una tradición ecléctica en la historiografía y la critica del arte. A través de la historia dicho termino a sido asociado a la producción artística figurativa enmarcada en la interpretación de la realidad, es decir desde documentos visuales que han recreado los documentos históricos, expediciones de conquista o botánica como la desarrollada en nuestro país.
Hoy en día este termino de artes visuales es heredado, ya que en un principio todas las escuelas de formación artística o talleres tuvieron un fundamento tradicional renacentista en cuanto a la enseñanza, que en el tiempo tomaron el nombre de bellas artes.
Este termino de bellas artes se utiliza hoy en día para denominar algunas escuelas de arte que en su formación académica predomina o se fundamenta en los cánones tradicionales muy de moda en el renacimiento.
El termino estricto de bellas artes o en su efecto el de artes visuales debería modificarce o llegado caso no nombrarse en el caso de hablar “ una obra de arte posmoderno” ya que estas obras no reúnen las condiciones pertinentes de las obras clásicas, lo más aconsejable seria no nombrarlas hasta que no exista un nombre apropiado para citarlas”.
> ¿Qué es entonces una obra de arte?
Para empezar podemos citar lo que decía; D,A, Dondis, La sintaxis de la imagen, Ed, Gustavo Gili, 1982, P.9 “ Introducción”. “ El Arte, y el significado del Arte, la forma y la función del componente visual de la expresión y la comunicación han cambiado radicalmente en la era tecnológica, sin que se halla producido una modificación correspondiente en la estética del arte. Mientras el carácter de las Artes visuales y sus relaciones con la sociedad y la educación se han alterado espectacularmente, la estética del Arte ha permanecido fija, anclandoce anacrónicamente en la idea de que la influencia fundamental para la comprensión y la conformación de cualquier nivel del mensaje visual debe basarse en inspiraciones no cerebrales....La expresión visual son muchas cosas, en muchas circunstancias y para muchas personas. Es el producto de una inteligencia humana altamente compleja que desgraciadamente conocemos muy mal.”
Estas palabras nos determinan que la Obra de arte ejecutada por los artistas o reflexión de los estetas como lo retoma Gil Trovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá, 1999, P.p. 27-178. Según el autor; lo tomare a manera de síntesis y relacionado con otros teóricos del Arte:
El arte, la obra de arte, tiene como meta ¿ Es buscar y realizar lo bello? ¿Es imitar a la naturaleza? ¿Es reflejar la vida, el tiempo, evadirse de ella? ¿Es un modo de conocimiento? ¿Una emanación espiritual? ¿Una operación intelectual? ¿Un acto intuitivo? ¿Un vehículo de magia?.
Podemos empezar, cuestionándonos, que tantos siglos de elaboración y modificación de materiales no debieron ser en vano, si puesto que expresaron un sentimiento o unas sensaciones las cuales fueron tan importantes en su momento como para nosotros hoy, esta carga, de elementos particulares impuestos por el autor pone de antemano la originalidad de lo que fue producto del campo sensible.
El anterior párrafo nos centro en dos términos esenciales para la determinación de una obra de Arte, la expresión y la comunicación.
Expresar viene del latín ex= lo que procede del interior y Premere= oprimir, apretar, sintetizar. Significa etimológicamente igual que exprimir, sacar a fuera lo interior.
La expresión, es por lo tanto, el hecho de revelar o hacer patente algo que se guardaba dentro, es por lo tanto que podemos determinar que la obra de Arte es un fenómeno expresivo en si mismo, es decir la obra de Arte pude aludir algo como sentimientos, ideas. Debemos aclarar, que expresar no es lo mismo que comunicar; viene del latín communicare= poner en común, compartir, por tal razón solamente cuando la expresión es compartida se transforma en comunicación, al existir tal concepto, es porque el elemento esta cargado de un contenido y un mensaje, es aquello que la obra expresa es decir lo que el artista puso dentro de ella, el contenido y mensaje no son la misma cosa, para mayor claridad el mensaje esta supeditado a los elementos que le dan carácter a la obra como la forma y la figura y la lectura de estos elementos se considera el contenido, el cual podemos considerar mucho mas complejo por las múltiples lecturas posibles como posibles obres existen.
La forma y la figura, la forma es la parte sensible, ya que es todo aquello que podemos captar a partir de nuestros sentidos externos, ya que el fenómeno estético también puede existir sin forma pero pasa a ser un hecho artístico y no una obra ya que para que esta exista se necesita la forma y el cuerpo, una forma es una pintura, una escultura, una pieza musical o un poema, el cual esta aludido por una figura. Ejemplo:
La figura literal de la palabra gallo, nos remite a una forma determinada por nuestros preconceptos en el cual nos podemos remitir a un diccionario donde encontraremos su descripción de manera general. Es decir puede ser cualquier gallo.
La figura de un esquema de un gallo, nos remite de manera expresiva a la forma de un gallo realizada por un artista el cual esta compuesto a partir de líneas rectas curvas color etc que nos dará un carácter de gallo a partir de un concepto de un artista. Es decir un gallo fuera de ser un gallo.
La figura fotográfica de un Gallo, nos remite a la forma de un gallo determinado por el fotógrafo en un hecho o momento determinado..
La figura real de un gallo, nos remite al gallo presentado ante nuestros ojos y no deja pie a la imaginación en cuanto a la representación.
El anterior ejemplo nos permite observar lo importante en la expresión la forma y la figura en la estructura de un contenido y un mensaje en el momento de determinar una comunicación artística a partir de la obra de arte.
1. Introducción al arte
1.1 Él porque del Arte
* Gil Tovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes, Bogotá,1999 P.9
1.2 Conceptos de Arte
* R.G. Collingwood, Los principios del Arte, Ed, fondo de la cultura económica, México, 1993, p.15 “ historia de la palabra Arte”
* Tom. Hoving, Arte, E.d. Norma, Bogotá, 2001.P.p 11-14
* E.H. Gombrich, Historia del arte, Ed. Debate, Madrid, 1997. P.p 15-37
* E.H. Gombrich, Lo que nos dice la Imagen, Ed, Norma, Bogotá,1993. P.p 71-93
* Bernard Myers, Las bellas Artes “ como mirar el arte tomo 10” Ed. Grolier, México, 1973. P. 9
* Formaggio, Dino, La muerte del Arte y la Estética, Ed enlace-Grijalbo, México, 1992 P 301 “ Introducción a la estética como ciencia filosófica”.
* Monroe C, Hospers Jhon, Estética, Historia y fundamentos, Ed Cátedra, Madrid, 1993.
* Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas, editorial gráficas Rodal S.A. 1996, ensayo teorías de la pura visualidad p. 208 autor Guillermo Solana.
* D,A, Dondis, La sintaxis de la imagen, Ed, Gustavo Gili, 1982, P.9 “ Introducción”.
* Gil Trovar, Francisco, Introducción al Arte, Ed, Plaza & Janes
TALLER DE AEROMODELISMO
HISTORIA DEL CLUB
El club nace a partir de un proyecto denominado creación y creatividad que pretendía estimular la comunidad educativa de hatillo- Barbosa liderado por el docente Juan Carlos Florez Arcila del área de educación artística, dentro de muchos talleres se presento gran interés por la construcción de aeromodelos, generándose un grupo de estudio que se fue fortaleciendo hasta generarse la idea de crear un club abierto con su centro de operaciones en la institución educativa Hatillo, al cual usted ya hace parte.
TALLER DE AROMODELISMO
OBJETIVO GENERAL
Lograr un Intercambio cultural, académico y creativo entre los estudiantes los padres de familia, comunidad en general y la naturaleza alrededor de la creación y la creatividad.
OBJETIVO ESPESIFICO
· conformación club de aeromodelismo.
· conformación de un grupo de estudio y de investigación alrededor del tema (aeromodelismo)
· elementos básicos del aeromodelismo
· construcción de planeador
· practica de vuelo
· Exhibición
METODOLOGIA
· conformación club de aeromodelismo.
· Taller practico básico de aeromodelismo
· Exhibición
CRONOGRAMA
ACTIVIDAD
1
Conformación de equipo base
2
Divulgación del proyecto y convocatoria a la comunidad
3
Curso básico de aeromodelismo
4
Conformación del club de aeromodelismo, con talleres satélites vía Internet. Bajo accesoria permanente con el director del taller.
5
Exhibición del club para la comunidad y captación de adeptos.
6
Continuidad, apropiación, investigación e intercambio de logros
7
Divulgación del conocimiento…..
PLANEADOR
1.fuselaje, 2.alas, 3.estabilizador vertical o deriva, 4.estabilizador horizontal o plano fijo, 5.tren de aterrizaje, 6.eje de balanceo, 7.eje de cabeceo, 8.eje de giro o lateral, todos determinan la estabilidad del planeador
El fuselaje sirve de brazo de palanca entre los estabilizadores y el centro de gravedad; las alas crean el centro de fuerza portadora o de sostén; el estabilizador vertical mantiene a todo el conjunto estableen torno al eje de giro; el estabilizador horizontal evita el pilotaje sobre el eje de cabeceo y con ello estabiliza el vuelo, el morro, extremidad anterior del fuselaje esta destinado a recibir el lastre (peso)necesario para el centrado del fuselaje y obtener un vuelo perfecto.
MODELISMO AEREO
El aeromodelismo es una evolución del juego de los aviones de papel, que fue aprovechada en sus inicios para la captación de adeptos para la aviación militar en la década de 1920. se conformaron grupos formados en la construcción de modelos a escala se comenzaba por la fabricación de planeadores donde algunos de ellos portaron motores a goma hasta la invención de motores de explosión en Rusia en 1934 y en Italia en 1937. mas adelante estos jóvenes gomosos fueron los pilotos europeos hasta finales de la segunda guerra mundial la pasión por los modelos a escala decayó un poco después de esta, solo después de un tiempo se logro despertar un poco con la inclusión de los radio controles (RC) y hoy día con los motores a reacción.
MATERIALES
Papel de ceda (papel mantequilla, papel cálcate), lápiz, regla, escuadra, curbigrafo, compás, bisturí, adhesivo para papel y madera de rápido secado, madera de balso, triple y pino.
CONSTRUCCION DE PLANO
Para la construcción del plano se recomienda el papel de ceda al cual se le destinara una margen de 1cm en su contorno y realizaremos un cuadro dialogo en uno de sus extremos donde ubicaremos la ficha del aeromodelo y donde deberá estar ubicada la escala de representación.
Nota: los planos que encontramos en Internet, revistas y catálogos tienen escalas de representación reducidas. Para realizar nuestro proyecto debemos realizar las conversiones es decir construir nuestro propio plano a escala 1=1 es decir la escala normal de nuestro aeroplano a construir. Para este caso utilizaremos una regla normal o de escala y en lo más
posible una calculadora
ejemplo: dentro del plano encontraremos un dibujo de una regla y dice escala en cm . lo que quiere decir es que cada cm del plano equivale al numero de centímetros representados en la regla que nos proporcionan para la reproducción. Con nuestro primer proyecto entenderán mejor.
MAYOR INF clubaeromodelismohatillo@hotmail.com
El club nace a partir de un proyecto denominado creación y creatividad que pretendía estimular la comunidad educativa de hatillo- Barbosa liderado por el docente Juan Carlos Florez Arcila del área de educación artística, dentro de muchos talleres se presento gran interés por la construcción de aeromodelos, generándose un grupo de estudio que se fue fortaleciendo hasta generarse la idea de crear un club abierto con su centro de operaciones en la institución educativa Hatillo, al cual usted ya hace parte.
TALLER DE AROMODELISMO
OBJETIVO GENERAL
Lograr un Intercambio cultural, académico y creativo entre los estudiantes los padres de familia, comunidad en general y la naturaleza alrededor de la creación y la creatividad.
OBJETIVO ESPESIFICO
· conformación club de aeromodelismo.
· conformación de un grupo de estudio y de investigación alrededor del tema (aeromodelismo)
· elementos básicos del aeromodelismo
· construcción de planeador
· practica de vuelo
· Exhibición
METODOLOGIA
· conformación club de aeromodelismo.
· Taller practico básico de aeromodelismo
· Exhibición
CRONOGRAMA
ACTIVIDAD
1
Conformación de equipo base
2
Divulgación del proyecto y convocatoria a la comunidad
3
Curso básico de aeromodelismo
4
Conformación del club de aeromodelismo, con talleres satélites vía Internet. Bajo accesoria permanente con el director del taller.
5
Exhibición del club para la comunidad y captación de adeptos.
6
Continuidad, apropiación, investigación e intercambio de logros
7
Divulgación del conocimiento…..
PLANEADOR
1.fuselaje, 2.alas, 3.estabilizador vertical o deriva, 4.estabilizador horizontal o plano fijo, 5.tren de aterrizaje, 6.eje de balanceo, 7.eje de cabeceo, 8.eje de giro o lateral, todos determinan la estabilidad del planeador
El fuselaje sirve de brazo de palanca entre los estabilizadores y el centro de gravedad; las alas crean el centro de fuerza portadora o de sostén; el estabilizador vertical mantiene a todo el conjunto estableen torno al eje de giro; el estabilizador horizontal evita el pilotaje sobre el eje de cabeceo y con ello estabiliza el vuelo, el morro, extremidad anterior del fuselaje esta destinado a recibir el lastre (peso)necesario para el centrado del fuselaje y obtener un vuelo perfecto.
MODELISMO AEREO
El aeromodelismo es una evolución del juego de los aviones de papel, que fue aprovechada en sus inicios para la captación de adeptos para la aviación militar en la década de 1920. se conformaron grupos formados en la construcción de modelos a escala se comenzaba por la fabricación de planeadores donde algunos de ellos portaron motores a goma hasta la invención de motores de explosión en Rusia en 1934 y en Italia en 1937. mas adelante estos jóvenes gomosos fueron los pilotos europeos hasta finales de la segunda guerra mundial la pasión por los modelos a escala decayó un poco después de esta, solo después de un tiempo se logro despertar un poco con la inclusión de los radio controles (RC) y hoy día con los motores a reacción.
MATERIALES
Papel de ceda (papel mantequilla, papel cálcate), lápiz, regla, escuadra, curbigrafo, compás, bisturí, adhesivo para papel y madera de rápido secado, madera de balso, triple y pino.
CONSTRUCCION DE PLANO
Para la construcción del plano se recomienda el papel de ceda al cual se le destinara una margen de 1cm en su contorno y realizaremos un cuadro dialogo en uno de sus extremos donde ubicaremos la ficha del aeromodelo y donde deberá estar ubicada la escala de representación.
Nota: los planos que encontramos en Internet, revistas y catálogos tienen escalas de representación reducidas. Para realizar nuestro proyecto debemos realizar las conversiones es decir construir nuestro propio plano a escala 1=1 es decir la escala normal de nuestro aeroplano a construir. Para este caso utilizaremos una regla normal o de escala y en lo más
posible una calculadora
ejemplo: dentro del plano encontraremos un dibujo de una regla y dice escala en cm . lo que quiere decir es que cada cm del plano equivale al numero de centímetros representados en la regla que nos proporcionan para la reproducción. Con nuestro primer proyecto entenderán mejor.
MAYOR INF clubaeromodelismohatillo@hotmail.com
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