sábado, 25 de agosto de 2007

TECNICA DEL CINE

EL CINE

El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento. Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han buscado procedimientos para reproducir la realidad. Es el caso de las representaciones con sombras que fueron los primeros espectáculos en público con proyección de imágenes animadas y la utilizada ya en el siglo XVI, la cámara oscura permitía la proyección de imágenes externas dentro de un espacio. De la misma manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de cine, logrando proyectar imágenes sobre una superficie plana. Con el fin de hacerlas llegar a todos los lugares, los feriantes viajaban con sus linternas dejando boquiabiertos a los espectadores. Sobre todo cuando hacían servir ingeniosos dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares, que hacían mover las imágenes.

Un invento capital aparece en el siglo XIX: la fotografía. Por vez primera, era posible impresionar y guardar una imagen del mundo que nos envuelve. Pero algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con objetos en movimiento, una de esas primeras maquinas fue una especie de fusil fotográfico capaz de captar las diferentes fases de un movimiento. Pero esa no fue la única ya que a largo del siglo, toda una serie de inventores construyen aparatos -mitad genios, mitad juguetes-, que buscan producir la ilusión del movimiento. Se trata del Taumatropo, el Fenaquistoscopio, el Zootropo y el Praxinoscopio. Una variante de este último, el Teatro óptico, construido por Emile Reynaud, es lo que más se acerca a lo que será el cine. Con el fin de producir una acción continua, se proyectaban largas bandas de más de 500 transparencias de dibujos a partir de un aparato cilíndrico que, juntamente con la proyección de una imagen de fondo desde una linterna, proporcionaba la proyección de los primeros dibujos animados.

Ya tenemos, pues, los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de la visión, la fotografía y la proyección. Pero faltaban dos más de fundamentales: la película perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve. Y fue en los EE.UU. donde, en 1890, se solucionó el problema, de la mano del gran inventor Edison y de Dickson.
En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison, cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película... individualmente. Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. ¡Cuan equivocado estuvo, como el tiempo llegó a demostrar...! Sin embargo, la invención del cine no puede ser atribuida, específicamente, a nadie. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.

Pero, un 28 se diciembre de 1895 se rompe la historia del arte, la imagen deja de ser estática, la maquina por fin a superado al hombre, los impresionistas artistas del momento son obsoletos y los futuristas están en su momento, nace una nueva cultura, el cine.

Los hermanos Lumière dan inicio a ese nuevo mundo de ciencia, feria, distracción y espectáculo.

El cine como ciencia, es un proceso físico óptico que tiene sus inicios en aquellas fotografías de Daguere y Niepce de 1823 que necesitaban 14 horas de exposición para capturar aquellas imágenes borrosas de las cuales solo queda el recuerdo, la fotografía fue progresando hasta imprimirle movimiento. “el movimiento fotográfico se sustenta en el poder que tiene el ojo de retener durante poco mas de 2/45 de segundo un objeto luminoso. A partir de dicho principio, si fotografiamos una secuencia que luego es proyectada una a una las fotografías por un lapso no menor a 2/45 de segundo logramos la sensación de movimiento”.

El cine como feria, distracción y espectáculo inicia en el café Boulevard des Capucines de Paris, con 35 espectadores. Las primeras películas eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) a el debemos los millones de espectadores en el mundo que disfrutan día a día la magia del cine en cafés, bares, restaurantes, centros comerciales, etc. el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo. Pero desde luego el cine es mas que un espectáculo divertido de fines de semana o de cinéfilos, el cine es un arte, más aún, el heredero de todas las artes, su magia tiene el poder de transportarnos a la realidad o a otra realidad.

El cine como espectáculo y obra de arte se disfruta de manera estética, ante estos elementos brindare algunos aspectos esenciales para su comprensión y disfrute.

¿Cómo nace una obra de arte cinematográfica?

A- Preproducción

Se manejan tres pasos esenciales

+ Tema: Este lo podemos ubicar según el genero (histórico, drama, etc.)

+ Idea: corresponde a los elementos fundamentales de la historia a realizar y que dan pie a que el producto final posea unidad- interés- profundidad y originalidad.

+ Argumento: Comprende a una sinopsis de la historia teniendo en cuenta personajes y espacios, sin llegar a un aspecto descriptivo.

B- Producción

Es el soporte fundamental en la realización del producto cinematográfico y se tienen los siguientes pasos:

+ Guión literario: Es un texto que se fundamenta en la descripción psicológica y física de los personajes. Incluye diálogos que determinan así el tiempo y ritmo de la obra cinematográfica.

+ History Work: es una sustentación visual del guión literario que a través de dibujo se representan personajes, espacios y escenas a desarrollar durante la fimación y que sirven como soporte al guión técnico “lo mas parecido al history work son las tiras cómicas”.

+ Guión técnico: Es un texto detallado y es esencial para el momento de la filmación y contiene acciones, espacios, tiempos, diálogos organizados de la siguiente manera:

Secuencia (contiene una escena o varias que se desarrollan en un espacio y van numeradas para lograr la edición fílmica)

Escena (corresponde a sucesos y diálogos y se enumeran dentro de una secuencia)

Tiempo (corresponde a día o noche y sus características)

Espacio (corresponde si es abierto o cerrado y sus características)

Suceso (Corresponde a las actitudes de los personajes diálogos y manejo de cámara)

Esquema general:

TITULO DEL FILM
Secuencia____
Escena ____
Tiempo __________________________________________________
Espacio __________________________________________________
Suceso ___________________________________________________

+ Proceso fílmico: Es el proceso de filmación e intervienen las siguientes personas:

Clacletista Es quien enumera la secuencia y la escena de acuerdo al guión técnico en el momento de filmarse. Es indispensable para el momento de la edición.

Script Es quien esta tomando nota durante el rodaje y tiene a la mano el guión técnico para que no existan errores de secuencia cinematográfica.

Director artístico Es quien esta encargado de la escenografia, maquillaje y vestuario pertinente a la historia.

Director de fotografía Es el encargado de los espacios y encuadres de las escenas.

Ingeniero de sonido Esta encargado de registrar los sonidos del ambiente, diálogos, y banda sonora de la producción.

Director Esta encargado de todo el proceso fílmico.

C- Pos – producción

Corresponde a sacar en limpio el proceso fílmico así:

+ Edición Este proceso esta realizado por un editor que trabaja de la mano del director, productor y demás colaboradores del proceso fílmico, teniendo en cuenta el trabajo del claquetista.

+ Comercialización esta se encuentra en manos del productor (persona que consigue el dinero o realiza la inversión económica para el film)

D- Critica
La critica esta determinada por los espectadores y en gran parte por los cinéfilos, que tienen como elementos para la critica entre otros muchos aspectos los siguientes:

+ Estructura fílmica
Relación idea – guión

-Tiempos El tiempo físico tiene una sola dimensión lineal, una sola dirección y una sola marcha, totalmente contrario a lo que sucede con el tiempo fílmico que esta en manos del guionista y el director. Los más utilizados son los siguientes:

· Adecuación:
Es la historia fílmica lineal, donde tiempo, acción y hechos no se aíslan del tiempo real.
· Condensación:
Es muy utilizado en las historias fílmicas donde los años y meses se reducen a minutos. Esta actividad se conoce como elipsis.
· Distensión:
Es el alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción ej: cuando un pensamiento excede al tiempo real del pensamiento.
· Continuidad:
Cuado el tiempo fílmico corre a la par del tiempo real (Es muy común en las filmaciones caseras).
· Simultaneidad
Es cuando se presentan dos tiempos vitales en un solo plano, es decir en el plano existen varias escenas al mismo tiempo.
· Flash back
Cuando el tiempo se detiene y existe un retroceso en él.
· Tiempo sicológico
Se habla de este tiempo cuando las escenas así lo ameriten es decir existen escenas de transición y de tensión y son quienes determinan el ritmo de la película.
· Representación del pasado
Se habla de este tiempo cuando se representa el pasado de manera cotidiana (Recuerdo del pasado) a partir de virados (imagen en un solo color)
· Elipsis
Son elementos visuales que nos determinan el tiempo. (Cuando por ejemplo muestran la imagen de un árbol cambiando las hojas para ilustrarnos el paso del tiempo).

-Ritmo
Podemos decir que ritmo es la cadencia producida en la proyección de acuerdo a las secuencias fílmicas, en los cuales se destacan el ritmo visual, el ritmo auditivo y el ritmo de la acción que encuentran su valor a partir de los tiempos sicológicos empleados por el guionista o el director. Esta clase de ritmos los podemos nombrar así:
· Analítico
Planos cortos muy numerosos, es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo.
· Sintético
Planos largos y poco numerosos, resulta un ritmo lento.
· In crescendo
Planos cada ves mas breves; significa tensión y dinamismo y planos cada ves mas largos; nos hacen sentir relajación y serenidad.
· Arrítmico
los planos son breves o largos, sin tonalidad espacial, cambiando de manera brusca generando sorpresa.

+ Técnico
Nos limitaremos al manejo de cámara:
El movimiento interior de la imagen se añade el movimiento de la cámara que se desplaza, variando el encuadre de las mismas figuras. El movimiento se ejecuta bajo tres ejes:
X: Balanceo
Y: Cabeceo
Z: Mirada en rededor.
Estos tres movimientos son mezclados con
Panorámica Horizontal, Panorámica vertical y movimiento de balanceo y estos movimientos con:
Descriptivo Reconocemos el escenario
Dramático Va presentando los diversos elementos de la acción.
Subjetivo la cámara parece meterse dentro de los personajes.
y existen otros movimientos como son los de translación (las demás cámaras eran estáticas) estos movimientos los podemos dividir en:
Travelling de profundidad en avance la cámara se traslada desde un punto de profundidad a otro más cercano y el contrario es Travelling de profundidad en retroceso.
Travelling vertical La cámara sube y baja
Travelling lateral Cuando la cámara acompaña a una persona en el espacio.
Movimientos complejos Cuando la cámara se monta en una grúa
Tipos deplanos-:
· Plano general: cuando se enfoca un personaje completo.
· Plano americano: cuando el encuadre se encuentra a la altura de la pierna hacia arriba.
· Primer plano: cuando de enfoca un sector del objeto.
· Primerisimo plano: cuando se encuadra mas haya de un pequeño sector del objeto.

LA FOTOGRAFIA

LA FOTOGRAFIA

La fotografía como arte práctico se inicio en 1831 con los trabajos de Daguerre Jacques y Niepce Nicéforo. La fotografía consiste esencialmente, en un proceso óptico de captación de imágenes a través de una cámara oscura y un proceso químico de impresión.

Proceso físico

Luz y color implican factores físicos, fisiológicos y psicológicos. Los especialistas en física se ocupan de la energía, de las ondas luminosas y de la interacción de la luz con la materia; los fisiólogos, de la percepción visual y del color, o sea que desarrollan distintos puntos de vista y utilizan diferentes léxicos al tratar de la luz y el color. No obstante, se ha determinado una terminología definida.

Las mediciones científicas de la luz, exigen el uso de cantidades grandes y pequeñas, unidades relacionadas entre si y de una gran exactitud. En algunos países , las unidades de medida en parte en el sistema ingles de pulgadas , galones y libras. El sistema métrico es el preferido por los científicos porque la relación entre las unidades de longitud y peso es mas sencilla; además, los decimales dan mayor seguridad y exactitud a los cálculos y a las cantidades de muchas cifras se pueden expresar concisamente. Nosotros utilizaremos las unidades métricas.

La velocidad de la luz en el espacio o en el vacío es de 300000Km por segundo, aproximadamente, ósea 186282 millas por segundo, que al parecer es el limite natural de la velocidad en el universo. La velocidad de la luz en el vacío es un constante representada por C en las ecuaciones ; por ejemplo E=mc2 no importa cual sea la fuente de luz .y esta es perceptible a través de ondas.

La luz es una onda electromagnética que se transporta a través del universo, vibrando en planos perpendiculares a la dirección de la onda, tales ondas muestran una serie continua de frecuencias y longitud de onda, la frecuencia es el numero de crestas de onda que pasan por un punto en un segundo, es de anotar que lo que nosotros conocemos como color visible solo depende de las longitudes de onda. Ejemplo:

Longitud de onda de los rayos:

MEDIDA Angströms
4000 Violeta
4500 Azul
5500 Verde
6000 Amarillo
6500 Anaranjado
7000 Rojo

La mezcla de los colores luz que producen el blanco se denomina mezcla aditiva.

El ojo es una cámara fotográfica

La mayoría de nosotros aprendimos en la escuela una simple y atractiva explicación de por que las cosas nos parecen lo que nos parecen, explicación basada en la analogía del ojo con la cámara fotográfica, según esta teoría, el ojo toma vistas de las escenas que tiene ante si. La luz que los objetos de la escena reflejan es enfocada por los objetivos que hay dentro del ojo y llega así hasta la retina, suerte de película sensible situada al fondo del globo ocular donde se forman las imágenes. Estas imágenes se transmiten entonces al cerebro, con lo que se generan las representaciones mentales de las escenas; nuestras percepciones.
La comparación es valida hasta cierto punto. En efecto. La imagen de una es cena enfocada sobre el filme en el interior de una cámara fotográfica, o, para el caso de la pintura, a la fiel reproducción de la escena lograda por el artista. El ojo tiene una lente- el cristalino- lo mismo que lo tiene la cámara, y, como en esta, también en aquel puede cambiar el enfoque. El ojo posee una abertura - la pupila – de diámetro variable para permitir el ingreso de la luz, igual que la cámara. Las imagen que se forma en la retina es una imagen invertida, exactamente igual que la imagen que se forma en la película fotográfica.

La cámara oscura

Sus inicios lo podemos ubicar a comienzos del siglo XVII, el filosofo Francés René Descartes describió un experimento que revelaría la imagen visual tal como aparece en la retina. Sacándole un ojo a un buey, poniéndolo luego en un marco y raspando su parte posterior para hacerla traslúcida, se podía ver dijo, fijando en la retina, como se proyectaba en ella en el mundo exterior.

Esta es simplemente una cámara que en latín significa cualquier aparato para captar imágenes. La mas sencilla es una caja opaca con un pequeño orificio en una cara y un pedazo de película sensible en la opuesta. La luz llega a esta cuando se obre el orificio por unos pocos segundos que luego por medio de un proceso químico es revelado y fijado en la superficie sensible a la luz.

Para mas detalles, la cámara oscura o maquina fotográfica para una perfecta obtención de imágenes va provista de un objetivo o sistema de lentes por donde penetra la luz; de un dispositivo de enfoque, para precisar las imágenes, y de un diafragma y de un obturador para regular la cantidad de luz que penetra en la maquina y el tiempo de exposición. Una ves impresionada la placa o film sensible a la luz, tiene lugar el revelado, mediante ciertos reactivos que dan como resultado una imagen negativa, en la que los blancos del objeto fotografiado aparecen negros y viceversa. Lavando la placa y quitando la sustancia no alterada por la luz resulta la prueba negativa. Aplicando esta sobre un papel sensible a la luz, se obtiene la prueba positiva final o fotografía que conocemos común mente.

TECNICA ESCULTURA

LA ESCULTURA

Para comenzar hay que delimitar y definir el concepto escultura desde el punto artístico. Las ideas que se exponen a continuación no son en absoluto originales ya que son el producto de unas lecturas previas.

Como una finalidad meramente didáctica partiremos del termino plástica que se considera como el arte de modelar, y se refiere en concreto a la manipulación de materiales blandos, modelables por las manos (plastilina, arcilla, porcelanicrom, yeso etc.) y se diferencia del termino escultura, que se utiliza para la manipulación de materiales duros (madera, piedra, metales etc.) manipulados bajo la utilización de herramientas acordes al material intervenido.

Aclarado estos dos conceptos entramos en una ambivalencia conceptual basada en la consideración de que estos son sinónimos en el ámbito cultural. Aun mas existe otro termino que entra en juego y es el de forma el cual esta ligado estrictamente al producto de los dos términos tratados y son susceptibles al sentido del tacto y la vista.

Hemos terminado de definir los conceptos tradicionales cuando nos encontramos que a partir del siglo XX aparecen otras tendencias que nos complican aun mas, ya que en ocasiones en la escultura actual no existe una forma tangible a los sentidos.

Delimitado este paradigma entramos en una breve comentario de la escultura que nos aclarara o nos confundirá mas.

En un principio la escultura no fue un arte libre como la pintura ya que la escultura generalmente hacía parte de la arquitectura. Las más antiguas construcciones estaban destinadas a monumentos funerarios y religiosos. Esto no significa que no existiera una arquitectura destinada para la vivienda, pero si descubrimos que fue mas importante la arquitectura funeraria de los “Dolmenes” y de las pirámides así como la arquitectura religiosa de los templos de Egipto , Mesopotámica, China, India, y de todas las culturas posteriores se hizo frecuente la utilización de elementos escultóricos en sus fachadas o interiores en unos casos en bulto y en otros casos a manera de bajos relieves brindando carácter a los elementos arquitectónicos.

Podemos tomar como punto de partida la estatuaria egipcia, y la escultura en bloque, con base en los cuatro planos descritos (anterior, posterior, y laterales) donde podemos observar lo que se llamo la ley de la frontalidad, luego, podemos mencionar la escultura Griega en la cual predomina la belleza ideal y sobresale una unidad orgánica en las distintas partes o miembros (Diartrosis) la cual abandonando el carácter cúbico de las esculturas Egipcias. Y en esa secuencia histórica por instantes se renuncia a la belleza para dar paso a los cánones religiosos establecidos en la edad media hasta el surgimiento de la razón en el Renacimiento. Que da un ímpetu nuevo al trabajo artístico.

El ímpetu moderno en la escultura lo podemos marcar en el siglo XX, donde la escultura marca una ruptura rotunda con el pasado, en un fenómeno plástico de desarrollo paralelo al experimentado por la pintura. En realidad la pintura y la esculturan aparecen como dos frentes complementarios de una misma búsqueda formal.

Los cambios en la escultura moderna parten de la perdida de las tradiciones técnicas y en la caída en desuso del carácter conmemorativo y celebrativo de estas en el ámbito cultural. La escultura ya no es el vinculo del pensamiento y de la ética, es, una nueva simbología para la expresión escultórica.

En esa nueva búsqueda encontramos algunas manifestaciones que podemos enmarcar en la escultura:

Arte conceptual, Arte corporal, Arte de Acción, Happening, Fluxus, Arte Procesual, Ready–made, Environment, Land art, Arte mecanisita, Acumulación, Arte objetual, Cinética, Contrarelieve, Minimal art, Nuevo realismo, Sofá-esculture, Etc.

Bibliografía
BORRAS, Gonzalo, Introducción general al arte, Editorial Istmo, Madrid, 1994, Pp 139 – 193.
RECASENS, José, Apreciación artística, Editorial Voluntad, Bogota, 1978, Pp 78- 81.

TECNICA DE PINTURA EL TEMPLE

RESUMEN HISTORICO DE EL TEMPLE POLIMERO

La conquista mas resiente en el campo de los procedimientos pictóricos la constituyen las resinas sintéticas polimerizadas, que se empezaron a utilizar regularmente en Estados Unidos desde 1950.

Estas resinas no sustituyen a ningún otro aglutinante, como alguien a pretendido decir, sino que constituye una aportación mas al campo de los procedimientos pictóricos, con identidad y características propias.

El desarrollo de las resinas sintéticas como aglutinante nació como consecuencia de una necesidad social. Hacia la década de 1920, un grupo de pintores latinoamericanos, como Orozco, Siqueiros, Rivera, entre otros quisieron pintar grandes murales sobre cemento y al aire libre. Ni el óleo ni el fresco resultaban lo suficiente prácticos ya que necesitaban un material que secara mas rápidamente; este material ya existía en el campo industrial, aunque no se había empleado nunca como aglutinante en la pintura artística.

Así empezó la investigación y la búsqueda de pinturas para uso artístico, y en este sentido se investigo tanto el medio acrílico como el vinílico.

La experimentación continuo en Estados Unidos, donde en los años cincuenta ya se podía encontrar en el mercado pinturas artísticas; en Europa no se difundieron hasta los años sesenta. Muchos artistas pintores las han adoptado como un procedimiento preferido.

EL TEMPL,E POLIMERO

Es la pintura cuyo aglutinante esta constituido por una emulsión acuosa de un plástico ( sustancia hoy totalmente sintética, cuya principal cualidad es la plasticidad. Los primeros plásticos fueron obtenidos a partir de productos naturales como el celuloide, de la celulosa en 1869; el caucho, de un látex vegetal, mientras que actualmente son totalmente sintéticos, obtenidos de hidrocarburos por sisaseis química. La industria ofrece una gama extensisima de estos productos de múltiples aplicaciones, desde fibras textiles, colas adhesivas y pinturas de toda clase de objetos.)estos plásticos son de un alto grado de proliferación (la proliferación es el proceso químico en el que se unen unas moléculas llamadas monomeros de la misma clase, formando otras moléculas mas grandes ,estas macromoléculas reciben el nombre de polímeros – poli > muchos –meros >partes). De aquí procede el nombre de temple polímero.

Al escarce el aglutinante, es decir, al evaporarce el agua o el liquido que mantiene en suspención las partículas de plástico, estas se juntan formando una capa de piel continua, transparente y resistente al agua.

Así pues, cuando decimos plástico nos estamos refiriendo al nombre genérico de unas resinas sintéticas polimerizadas.

Algunas de estas resinas sintéticas se presentan en estado de dispersión (liquidas), a manera de colas y aglutinantes, aptas para mezclarles pigmentos y constituir las llamadas vulgarmente pinturas plásticas.

Desde el año 1948 se a producido un desarrollo continuado de estos aglutinantes en todos los campos, especialmente en el de la pintura, en donde se utilizan sobre todo los vinílicos y los acrílicos; no obstante, la pintura industrial el numero de estos materiales es mas extenso. ( tengamos en cuenta que fuera de las dispersiones acuosas, existen también las disoluciones que tienen por diluyente el aguarrás. En el campo industrial es quizá donde mas se utilizan estas resinas, a manera de ligantes, tanto para pinturas como para barnices, como las resinas alquímicas y de poliester, así como las acrílicas, las aminicas, las fenólicas las apoxi Etc.)

Algunos pintores, por desconocimiento, llaman acrílica a cualquier pintura de este tipo.

El AGLUTINANTE VINILICO

El acetato de polivinilo (PVA), o poliacetato de vinilo, es una dispersión blanca y lechosa, vulgarmente llamada látex sintético, (El verdadero látex natural es el jugo lechoso de algunos vegetales que circulan por los vasos lacticiferos y que fluye de las heridas o incisiones producidas en el tronco de estas plantas. Su composición es compleja, y, según la especie de que se trate, se consiguen sustancias tan diversas como el caucho, la gutapercha, Etc., sus mejores propiedades son la elasticidad y la consistencia.) esta sustancia se puede utilizar como aglutinante y que admite el agua como diluyente. Su precio relativamente económico hace que sea muy utilizado para pinturas de corta duración, como la de los anuncios publicitarios, Etc.(muchas de las colas que hoy ofrece el mercado bajo nombres distintos son, en el fondo, vinílicas, como la “cola blanca o colbon” que usan los carpinteros.)

EL AGLUTINANTE ACRILICO

Otro aglutinante es la emulsión de acrilato ( o polímero acrílico). Es igualmente de color blanco lechoso y posee una gran dureza y resistencia, sobre todo para exteriores, más que los propios vinílicos.

Los pigmentos que se pueden utilizar con estos aglutinantes son los mismos que se utilizan para temples y óleo en general; sin embargo, deben emplearce el blanco de titanio, ya que los otros blancos no son del todo compatibles con la naturaleza alcalina del medio polímero.

Los establecimientos especializados proporcionan pinturas ya preparadas con estos aglutinantes, así como también otros accesorios y aditivos- unos mas útiles que otros -, unos para retardar o acelerar el secado según el gusto del artista.

SOPORTES

Como soporte puede utilizarce: papel, cartón, lienzo, tabla, muro ,Etc. Ha de ser limpio, exento de grasa y bien seco. Se puede preparar de manera acostumbrada o también aplicándole una mano de látex rebajado o alguno de los subproductos existentes como el tapaporos, el gesso Etc. Procurando siempre no impermeabilizar la superficie.


BIBLIOGRAFIA
Pedrola, ANTONI, Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Ed Ariel Patrimonio Histórico, Barcelona , 1998, Pp137 –141.

ARTES GRAFICAS

Serigrafía

Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.

En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida en Bogotá 1932 por Guillermo Jaramillo. Pintor aficionado, monto su primera empresa para realizar vallas y carteles. La llamo Gráficas Jaramillo. Por encargo realizaba todo tipo de publicidad impresa y llego a tener 40 operarios De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.

La serigrafía como técnica artística en Colombia tubo su gran empuje a través del diseñador David Consuegra y Juan Antonio Roda ya que el primero cuando regreso al país procedente de Estados Unidos, Consuegra recibe una invitación del decano de Arquitectura de la Universidad de los Andes para organizar una escuela de diseño gráfico. Infortunadamente, la iniciativa no se llevo a cavo, pero en su efecto recibió la invitación de Juan Antonio Roda como director de la Escuela de Bellas Artes del mencionado centro educativo para ser profesor de procedimientos de grabado.

Se han mencionado hasta ahora algunos antecedentes aislados que activaron la gráfica serigrafía en el país, el único antecedente directo, es decir artístico, lo constituyen tres trabajos hechos por Enrique Grau en Nueva York, durante su estadía de 1941 a 1943. Como alumno del Art. Students League, el artista cartagenero se inicio en la serigrafía con dos ensayos ”Yellow nude y Green Nude”.

El periodo de 1970 – 1974 corresponde a la primera etapa de la historia de la serigrafía en Colombia, esta comienza con una exposición internacional dedicada a la gráfica: la bienal del Grabado Latinoamericano, en San Juan de Puerto Rico, y la Exposición Panamericana de Artes Gráficas, germen de la futura Bienal organizada por el Museo La Tertulia en Cali, es así como nace un gran interés en Colombia por tal manifestación artística.

En la segunda etapa, con la información de los talleres editores, el uso de la serigrafía se amplia; muchos artistas que no se avían interesado en los primeros años justamente por no disponer de elementos adecuados, encuentran en las casa editoras un mecanismo que les permite realizar trabajos serigraficos sin asumir personalmente el proceso de estampación. Esta misma características presenta en los últimos años de la década 1970- 1980.

El ritmo acelerado del aprendizaje y difusión de la estampación esta marcado por algunas circunstancias favorables y hechos históricos que convulsionaron al país en su momento (económicos, sociales y políticos).

El proceso de la serigrafía esta estrechamente relacionado con la técnica del estarcido. Ya que el proceso esta mediado por la fabricación de un clisé que permite el paso de la pintura a través de una seda de tramado fino, la pintura es aplicada a partir de una rasqueta o peine que porta una lamina de plástica que arrastra de manera uniforme la pintura. De esta manera se obtiene el producto final o estampación.

BIBLIOGRAFIA

Iriarte, Maria Elvira, Historia de la serigrafía en Colombia, Ed. Universidad Nacional De Colombia, 1986, Bogotá.

TECNICA ARTES GRAFICAS

Marco teórico Artes Gráficas

Lo impreso es algo que puede ser visto como empresa, ya que son multitud de usos los que pueden ser percibidos con nuestros ojos, sin tener en cuenta la multitud de formas de impresión.

Si miramos des de el hombre y su historia impresa, los primeros ensayos hechos por el hombre para tratar de tener un elemento visual de su vida data de hace 30000 años, todos ellos llamados Pictogramas y seguidos de los ideogramas, los cuiniformes Persas, los jeroglíficos Egipcios, y diez siglos después por la escritura de los Fenicios.

La evidencia del primer ejemplo de impresión por medio de tipos móviles fue descubierta en 1908 por un arqueólogo Italiano en la isla de Creta. El encontró un cilindro de arcilla en las ruinas del palacio de Faistos que data del año 1500 a.C.

La impresión de tipos móviles apareció en China y en Corea en el siglo XI. En 1041, un chino Pi-Sheng, desarrollo caracteres de arcilla endurecida. No tuvieron completo éxito. Luego en Corea se desarrollo un tipo de móviles fundidos en bronce que se utilizaron ampliamente también en China. Hasta que apareció el sistema de Johann Gutenberg de caracteres separados para la impresión con tinta en papel a partir de una prensa. Algunos consideran que este es el fin de la edad media y el inicio de la edad moderna.

A partir de ese momento hasta nuestros días a existido un cambio radical en el modo de transferir la imagen al papel a través de la prensa y de esta manera podemos clasificarlo en cuatro tipos:

1- Imprenta
2- Litografía
3- Serigrafía
4- Huecograbado



1- Imprenta:
Es el más antiguo y el más versátil de los métodos de impresión existiendo equipos para tirajes cortos, medianos y largos: es utilizado común mente para el tiraje de libros, periódicos, revistas, etiquetas y decoraciones.
La imprenta imprime por medio de relieve, es el único proceso que utiliza tipo de imprenta directa. la impresión se hace a partir de una plancha fundida donde las áreas de impresión están en relieve sobre la superficie. Para este tipo de impresiones existen diferente tipo de prensas: prensa de platina, prensa de cama y cilindro y la rotativa.

2- Litografía:
El principio básico de la litografía es escribir en piedra, fue descubierto `por Alois Senefelder en Munich alrededor de 1798, trabajando sobre una piedra muy porosa, se dibuja el diseño con una sustancia grasosa la cual es absorbida por la piedra, luego se moja toda la superficie de la piedra, absorbiendo esta en las partes no dibujadas mientras que las otras la repelen, luego se esparce la tinta sobre la superficie y se nota que esta solo se adhiere sobre la superficie dibujada, luego de este proceso se utiliza la prensa para la impresión. A partir de este proceso se deriva el de Litografía Offset, consiste en el mismo método anterior pero sobre láminas de metal, es hoy día el más empleado.

3- Serigrafía:
Conocido inicialmente como Silk Screen (malla de seda) este método emplea un estencil poroso. Una malla fina de seda, montada en un marco en la cual se realiza la imagen o en su efecto se hace un clisé en cartón para ser estampado después de aplicar tinta sobre este y ser esparcido con una banda de caucho o rasqueta. Es muy utilizado en la estampación de ropa, afiches, pasacalles etc.

4- Huecograbado
Mientras en la imprenta y en la tipografía se imprime la parte superior en este tipo de técnica lo que se imprime es el hueco previamente entintado, este se desarrolla sobre laminas de metal, madera o acrílicos que son intervenidos de manera manual o por la acción de químicos abrasivos que realizan la incisión necesaria, estos toman diferentes nombres: aguafuerte, aguatinta, punta seca, linóleo, xilograbado, impresión indirecta, monotipo. Etc.

· Monotipo:
Se considera monotipo, el resultado de una matriz que no permite una serie o tiraje consecutivo, pero si un original o varios con diferentes resultados. Dentro de este tipo de copias podemos ubicar las pruebas de estado (P/E) o las pruebas de autor (P/A).

· Impresión indirecta:
Se considera impresión indirecta, el resultado obtenido después de transferir una imagen ya impresa por medio de disolventes sobre otra superficie deseada.

· Xilograbado:
Se considera xilograbado, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de madera. El procedimiento es censillo, si partimos de una zona ennegrecida sobre la superficie de madera y retiramos partes formando huecos con una herramienta corto punzante, construiremos a manera de dibujo las partes blancas de la imagen, la matriz de madera es entintada de manera superficial para realizar la impresión gráfica.

· Linóleo:
Se considera linóleo, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de un material sintético con el que se fabrican suelas para zapato. Se desarrolla el mismo procedimiento del xilograbado pero la impresión es de diferente calidad ya que este no posee texturas de tramas como el existente en la madera. El proceso mas cercano o idéntico a este proceso grafico son los sellos de las diferentes oficinas.

· Punta seca:
Se considera Punta seca, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal o lamina sintética. El procedimiento esta estrechamente relacionado con el rasgar, ya que la superficie es presionada por medio de un punzón que retira levemente el material de la superficie a lado y lado de la incisión, el material sobrante del procedimiento, de esta manera se deja impresa la imagen deseada sobre la matriz. Para desarrollar la impresión grafica; se esparce pintura dentro de las incisiones y se elimina el exceso de pintura existente sobre la superficie que luego es impresa sobre un soporte de papel por medio de una prensa de torniquete.

· Aguafuerte:
Se considera aguafuerte, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal (hierro, cobre, cinc). En el proceso de fabricación de la matriz son empleados asidos abrasivos que retiran el material para dejar la incisión requerida para representar la imagen. Nota: el mismo proceso se desarrolla para el aguatinta. Para desarrollar la impresión se desarrolla el mismo procedimiento empleado en la punta seca.

Como dijimos antes el grabado a existido desde que existe el hombre pero debemos destacar algunos grabadores en la historia del arte:
Juan Van Eyck, Aldo Manucio, Durero, Francesco Mazzuoli, Rafael, Rembrandt, Goya. Etc.

TECNICA DE DIBUJO A LA TINTA

TECNICA DE DIBUJO A LA TINTA

En un sentido literal tinta es todo elemento colorante que tiñe una superficie. En el mercado existen un sin numero de materiales que cumplen tal objetivo de los cuales podemos mencionar: lapiceros, estilógrafos, tinta china, y además debemos incluir todos los materiales orgánicos que manchan cualquier tipo de superficie.

La mas mencionada en el mercado del arte es la tinta china, liquido resinoso extraído mediante la combustión de algunos arbustos, que permite un sin numero de tratamientos técnicos para la ejecución de obras artísticas.

El tratamiento gráfico más cotidiano es el lineal, que se ejecuta a partir de un instrumento conocido como plumilla (punta metálica con diferentes formas y durezas con una extensión) la cual permite una gran elaboración de trazos y valoraciones tonales al fluir la tinta sobre la superficie.

La plumilla permite un trazo continuo e uniforme por lo que su uso se hace indispensable en el dibujo a línea en tinta. El trazo realizado con plumilla puede ser entrecortado o bien continuo, teniendo que recargar la pluma de tinta cuando esta se haya agotado.

El dibujo realizado con plumilla dura podrá ser reemplazado por el estilografo o por su efecto el lapicero de uso cotidiano.

Las degradaciones tonales están determinadas en unos casos por el entramado de líneas o por la saturación de la tinta.

Pero se debe mencionar que existe otro tipo de técnica, que parte de la utilización de pinceles, donde la tinta impresa logra diferente calidad de grises al disolverce en su vehículo dispersor.

La técnica de la aguada posee elementos pictóricos pero se encuentra mas cerca del dibujo ya que posee elementos monocromáticos durante su ejecución, es decir un solo tinte.

La aguada parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza de menos a mas, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros sean los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo es de suma importancia dejar establecido desde un primer momento cual va a ser la principal zona de trabajo en el dibujo; para de esta forma poder medir con exactitud que tonalidades de grises corresponden a cada zona.

El método más sencillo realizar boceto a lápiz y luego determinar los tonos por zonas y realizar reservas de blancos con pegaucho y en caso de equivocare utilizar papel absorbente en las zonas húmedas resientes.

En nuestra materia practicaremos la técnica de la tinta así:
· Los elementos lineales a partir de la utilización del lapicero de tinta negra o en su efecto azul.
· La aguada será trabajada a partir de la tinta del café instantáneo


BIBLIOGRAFIA
Parramon, Manual de Dibujo, 1996, Ed Parramon Pp 58-59, 70-75, 84-87

PROGRAMA ED. ARTISTICA

Institución Educativa Rural el Hatillo Barbosa - Antioquia - Colombia
Educación Artística propuesta Docente Juan Carlos Florez Arcila

El programa implementado dentro de la institución busca en sus alumnos una capacidad de reflexión ante su entorno, brindándole una optima capacitación en técnicas artísticas apropiadas para sus elementos expresivos durante su desarrollo.

El Dibujo

El dibujo es la manifestación primaria de todo proceso creativo en el Arte, que busca representar el mundo exterior al plano.

Métodos en el Dibujo

* Expresivo:
Son los movimientos lineales que dejan huella de representación, su principal característica es la individualidad expresiva, la más común es la letra de cada persona.
* Cuadricula:
Método de reproducción para reducir o ampliar una representación ya existente a la cual se le genera una cuadricula acorde a la imagen.
*Visor:
Método de reproducción del mundo real a partir de una ventana a través de la cual se observa para realizar la reproducción.
* Canon:
Método de reproducción de figuras a partir de elementos o reglas preestablecidas por una cultura.
* Perspectiva:
Método de reproducción de elementos arquitectónicos de manera tridimensional en un plano las mas utilizadas son Paralela, Oblicua, Aérea.

Técnicas de Dibujo

En el mercado existen diferentes utensilios artísticos para la huella en el dibujo, entre muchos mencionaré los siguientes:

* Lápiz:
Es un elemento construido a partir de partículas de grafito con un aglutinante de resina más un componente de petróleo los cuales determinan el grado de dureza del lápiz.
Blandos (B) Duros (H). la principal característica del lápiz es la calidad de grises.
* Pastel:
Es un elemento construido a partir de partículas de creta y minerales el aglutinante es una mínima parte de resina, la principal característica los colores que poseen una alta intensidad de luminosidad.
* Lápiz de Color:
Es un elemento construido a partir de tierras minerales, resina y un componente de petróleo que determina su dureza, se emplea de la misma manera que el lápiz pero bajo la presencia del color.
* Aguada:
Es toda pintura monocromática diluida en agua que se aplica con pincel determinando la diferente calidad de escalas tonales.

Técnica de Grabado

Se considera grabado toda sustracción de material que genere incisión o ranura en una superficie, por lo cual es considerada una de las técnicas más antiguas en la historia del Hombre
En nuestra época contemporánea los artistas y algunos teóricos del arte le han designado algunos nombres característicos a los deferentes métodos implementados para el desarrollo de la técnica del grabado:
* Impresión indirecta:
Cuando una imagen ya impresa se traspasa a una superficie limpia por acción de un disolvente.
* xilograbado:
Cuando se realiza la incisión sobre una plancha de madera y luego es impresa en papel por acción manual.
* Punta Seca:
Cuando se realiza una incisión a una superficie por medio de un punzón y luego es impresa en un papel en limpio por acción de una prensa
* Agua Fuerte:
Cuando se realiza una incisión a una superficie por medio de un ácido y luego es impresa en un papel en limpio por acción de una prensa

Pintura Acrílica

Esta pintura es relativamente joven ya que fue puesta en consideración por la mayoría de los artistas a mediados del año de 1950 en Estados Unidos para luego ser difundida por todo el mundo.

Este tipo de pintura esta compuesta por un pigmento o colorante y un aglutinante que es un polímero sintético (Acrilato) o nombre común (acronal), su diluyente es el agua, su principal característica el rápido secado.

Uno de los máximos exponentes de este tipo de pintura en Colombia fue Alejandro Obregón.

Pintura al Temple

Algunas personas consideran que es una de las pinturas mas antiguas ya que se encuentran registros de su utilización en Egipto, aunque su gran auge se presento durante la época Medieval para la decoración de iglesias y perduro hasta principios del Renacimiento donde fue sustituido en gran parte en las pinturas de caballete por el Óleo

Este tipo de pintura esta compuesta por un pigmento o colorante y un aglutinante compuesto por huevo y aceite de linaza, su diluyente es el agua, su principal característica es su aplicación sobre superficies duras como madera o muro su rápido secado y apariencia brillante.

Sus máximos exponentes se encuentran en la época Medieval y algunos artistas del Renacimiento Italiano.

Serigrafía

Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.

En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida por la familia Jaramillo en Bogota. De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.

Técnica de Escultura

En un concepto tradicional se considera elemento escultórico todo objeto que podemos observar y tocar bajo tres dimensiones (alto, ancho, largo y profundidad) y en nuestra época contemporánea surgen otros conceptos que rompen con lo anteriormente señalado:

Arte conceptual, Arte corporal, Arte de accion, Happening, Fluxus, Arte procesual, Ready-made, Environment, Land art, Arte mecanicista, Acumulación, Arte objetual, Cinetica, Contrarelieve, Minimal Art, Nuevo realismo, Sofa-escultura…Etc.

Técnica de Fotografía

La fotografía es un proceso físico y químico que tiene sus inicios en 1823 con los hermanos Daguere y Niepce quienes a través de una toma fotográfica de 14 horas lograron revelar su primera fotografía, nada comparable con el hoy.

La cámara es un elemento sencillo compuesto por un sito aislado a la luz donde se encuentra la película o rollo fotográfico (la película esta compuesta por haluros de plata), y delante de esta existe un orificio o lente por donde entra un rayo de luz al tomarse la fotografía, la toma o exposición corresponde a fracciones de segundo, donde los haluros de plata entran en contacto con la luz y se oxidan, así se genera lo que conocemos como negativo. El negativo entra en un proceso químico, conocido comúnmente como revelado, el paso final de copiado viene a ser el producto que se recibe del laboratorio fotográfico (imagen).

Técnica del Cine

El cine nace como sensación de feria o innovación científica un 28 de diciembre de 1895 en París. Los hermanos Lumiere son artífices de este nuevo Arte, el cual es más que un espectáculo, por ser el heredero rotundo de todas las manifestaciones artísticas en la historia del arte.

El cine como ciencia, es un proceso físico óptico que tiene sus inicios con la fotografía con la innovación fundamental del movimiento fotográfico sustentado en el poder que tiene el ojo de retener durante poco mas de 2/45 de segundo un objeto luminoso, a partir de dicho principio, si fotografiamos una secuencia que luego es proyectada una a una las fotografías por un lapso no mayor a 2/45 fracciones de segundo logramos la sensación de movimiento.

Para lo que nosotros conocemos por película pasa por los siguientes procesos:
· Pre- producción
· Producción
· Pos - Producción

ELEMENMTOS DEL DIBUJO

ELEMENTOS DEL DIBUJO

Para comenzar el dibujo sobrepasa todos los ámbitos del producto artístico, ya que interviene también el mundo cotidiano, y es ese concepto cotidiano que le da el gran valor al producto intervenido llámese obra de arte u objeto banal.

El dibujo como mencioné antes esta en cada una de nuestras actividades desde el hecho cotidiano de escribir, es decir un simple gesto que concreta una estructura mediada por una expresión que da sentido a las ideas del creador.

Cuando hablamos del gesto, nos referimos a la huella marcada por el creador que nos permite establecer un orden en el momento de valorar la obra de arte el cual es personal y único.

La representación obtenida a partir de la gestualidad establece una mayor complejidad, ya que determina una forma sensible a nuestros sentidos, esta forma permite establecer una lectura mas conceptual. Sabemos también por lecturas anteriores que el concepto de la forma esta establecida por la cultura; y en ocasiones la cultura supera a la forma dándole a esta el sentido de patrimonio innegable.

Que son entonces los dibujos. Los dibujos fuera de representar así parezca obvio son dibujos. Pero poseen la particularidad de que son elementos concretos determinados por los científicos, los arquitectos, los geógrafos y los artistas obviamente que determinan cualidades determinadas por sus destrezas.

En este caso nos interesa el concepto de dibujo planteado por los artistas; existen muchísimos conceptos apropiados y validos que podemos mencionar, pero para no confundirnos miraremos uno que es muy apropiado:

BRUCE NAUMAN (Americano)
“Dibujar es equivalente a pensar. Algunos dibujos se hacen con la misma intención con que se escribe: son notas que se toman. Otros tratan de resolver el ejercicio de una escultura en particular, o de imaginar como funciona, existe otro tipo de dibujos representasionales de obras, que se realizan después de las mismas, dándoles un nuevo enfoque. Todos ellos posibilitan una aproximación sistemática en el trabajo, incluso si a menudo fuerzan su lógica interna hasta el absurdo.” Aunque podemos hablar de otros conceptos como: “ Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.” A partir de esto podríamos preguntarnos cual es nuestro concepto de dibujo?

Cuando hablamos de dibujo tenemos que entrar en un elemento particular y necesario los instrumentos y los soportes. En ese caso podemos decir: Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite

Hablando un poco más en detalle de historia,los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en (abrigos) rocosos y en el interior de cuevas. Desde estos tiempos, muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y pensamientos. Estos dibujos constituyen las formas más primitivas de escritura, que luego se convirtió en símbolos usados en la escritura actual.

El hombre desarrolló la representación gráfica en dos direcciones distintas, atendiendo a su propósito: La Artística y Técnico. Desde el comienzo de los tiempos, los artistas utilizaron dibujos para expresar ideas estética, filosóficas o abstractas grafía. En los tiempos antiguos grafía, prácticamente todo el mundo era iletrado. No existía la imprenta, y por tanto, no había periódicos ni libros se escribían como los hay en asequibles al publico en general. Las gentes aprendían escuchando a sus nuestros días. Los libros se escribían a mano en papiro o en pergamino y no eran superiores y mirando esculturas, cuadros o dibujos en los lugares públicos. Todos podían atender un, cuadros, y éstos eran la fuentes principal de información. El artista no era simplemente un artista en sentido esté, era un maestro o un filósofo, un medio de expresión y de comunicación. La otra directiva que guió al dibujo en su desarrollo fue la historia la técnica. Desde los comienzos de la historia registrada, el hombre se valió de dibujos para representar su diseño de los objetos por fabricar o construir. No queda rastro alguno de estos primeros dibujo, pero se sabe en forma definitiva que el hombre usó dibujos, porque no podría haber diseñado y construido lo que hizo sin usar dibujos relativamente precisos.

El dibujo técnico más antiguo que se conoce, y que todavía existe, es la vista en planta del diseño de una fortaleza que hizo el ingeniero caldeo Cudea, y que aparece grabado en una loseta de piedra, es notable la semejanza que guarda este dibujo con los preparados por los arquitectos de nuestros días, a pesar de haber sido “ dibujado” miles de años antes de que se inventara el papel. La primera prueba escrita de la aplicación del dibujo técnico tuvo lugar en el año 30 a.C., cuando el arquitecto romano Vitruvius escribió un tratado sobre arquitectura en el que dice, “El arquitecto debe ser diestro con el lápiz y tener conocimiento del dibujo, de manera que pueda preparar con facilidad y rapidez los dibujos que se requieran para mostrar la apariencia de la obra que se proponga construir”. Luego continúa discutiendo el uso de la regla y de los compases para las construcciones geométricas, para el trazado de la planta y la elevación de un edificio y para dibujar perspectivas. En los museos pueden verse ejemplares reales de los primeros instrumentos de dibujo. Los compases eran de bronce y tenían aproximadamente el mismo tamaño que los de hoy día. El compás antiguo se parecía a los compases de puntas de la actualidad. Las plumillas se cortaban de tallos delgados. La teoría de las proyecciones de objetos sobre planos imaginarios de proyección no se desarrolló sino hasta la primera parte del siglo quince, y su desarrollo se debe a los arquitectos italianos Albe Brunelleschi y otros. Es del conocimiento general que Leonardo da Vinci usaba dibujos para transmitir a los demás sus ideas y diseños para construcciones mecánicas, y muchos de tales dibujos existen hoy en día. Sin embargo, no está muy claro, si Leonardo hizo alguna vez dibujos mecánicos en los que aparecieran las vistas ortográficas como las que se hacen en la actualidad, pero es muy probable que sí. Monografía Julián Tiburcio G. País: República Dominicana


Bibliografía
www.monografias.com
www.dibujotecnico.com
GOMEZ, Juan José, LAS LECCIONES DE DIBUJO, ed. Cátedra, 1995

HISTORIA ARTE MODERNO

¿HACIA DONDE VA EL ARTE?

¿Hacia donde va el arte? ¿Cuáles son las tendencias artísticas del siglo XXI? Los conceptos de uno de los críticos de arte mas calificados de Hispanoamérica. Su visión de perspectiva sobre las tendencias y corrientes contemporáneas.

Por Leonel Estrada
Para muchos amantes de la cultura, la única salvación que le queda al arte actual es un regreso a lo de antes. Volver a lo académico, al realismo y ante todo, despojarlo de sofisticamientos y de experimentaciones. Sin embargo, es bien distinto lo que piensa la mayoría de los artistas y creadores del mundo actual. Los constantes avances científicos y tecnológicos, el lógico evolucionar del gusto y de las modas, el distinto funcionamiento de la sociedad obligan a aceptar que estos hechos tienen que seguir influyendo en los constantes cambios que van a continuar revelando en actitudes diferentes ante él hecho estético.

Con la llegada en 1860 del Impresionismo se rompe con el tradicional concepto del cuadro como ”ventana abierta hacia el horizonte” y se inicia también las corrientes modernas que dan rienda suelta a la creatividad hasta producir un hastío que hace pensar, unos años mas tarde, en “ la muerte del arte”. Pero en verdad, no se sucede tal muerte y por el contrario, el ambiente del siglo XX esa de apertura y de búsqueda. Al comenzar el año 1900 toman fuerza además del Impresionismo, el Expresionismo y el Fauvismo. Siguieron a estos el Cubismo, el Futurismo y el Surrealismo, prácticamente estos movimientos fueron los que rompieron con la pintura académica y realista. Aparece luego el Arte Abstracto y sobre una nueva autopista para toda clase de libertades: el Geometrismo, el Tachismo, el Espacialismo, la pintura Matérica, y el Antiarte.

Pero las mayores empresas se suceden después de 1950. Surge el Antiarte, el Sonocinetismo y lo menos esperado, el Pop Art o arte de la sociedad de consumo que incorpora el arte comercial, lo urbano, las etiquetas de los supermercados, Etc. Posteriormente llegan los Happenings, el Arte Blando y el Arte de Borde Duro. Comenzando el año 1960, las revoluciones artísticas llegan a su acmé. Surgen aportes del cine, de las tiras cómicas, de la publicidad, etc. Los nuevos descubrimientos como la televisión, el vídeo, los escaners, los CDR, el fax, las multicopiadoras favorecen la inventiva y permiten realizar búsquedas que se relacionan con otras artes como la música, la poesía, la danza. Pero la marcha no se detiene, aparece el Arte Antimuseo, el Arte Corporal o Body Art, el Arte de Ideas, conocido como Arte Conceptual. Ya a finales del siglo XX aparecen el Deconstructivismo, el llamado Aperto 90, el Kalte Kunst o Arte Frío, el Arte Global, las Instalaciones, y los Espacios Poéticos, que son escenarios en que se combina la realidad con la ficción, lo objetivo con lo simulado, mas todas las tendencias y experiencias del momento. El panorama sigue cambiando y esto lo revelan eventos importantes como las bienales de Venecia con sus cien años de existencia, la de Florencia, la de Sao Paulo y la de Kassel en Alemania. Precisamente en esta ultima y a propósito de la pasada XI Documenta de Kassel del 2002 se opero un desconcertante cambio de orientación que fue de impacto. Su director, el nigeriano Okwui Enwezor, abrió todas las fronteras de la plástica y permitió pasar lo estético a un segundo plano para, en cambio, generar ideas y preguntas. Los 118 artistas participantes en ella no se preocuparon ni de soportes ni de medios plásticos. Se debatieron temas como la contaminación ambiental, la recuperación ecológica, la economía y otros asuntos tan extraños como la ética y la justicia social a través de la radio, la televisión y el teatro. Asuntos muy ajenos a la plástica que exigieron un público más sensibilizado y preparado. Pero aún estas ideas y planteamientos no resultaron nuevos. Ya los dadaístas en 1918 y más tarde los creadores de arte conceptual desde mediados del siglo XX, habían buscado desmaterializar el arte y acabar con las obras originales que se llevaban a los museos, a las galerías o las casas de los coleccionistas. Precisamente en la propia Alemania surgió a mediados de los 70 un soñador y visionario romántico, a la vez que reformador radical, Joseph Beuys quien buscó transformar el arte en conceptos sociológicos, en ideas políticas, en sentires. En nuestro continente americano, en la Argentina, también surge un artista que se atreve a realizar “intervenciones territoriales” Horacio Zabala es quien altera en mapas geográficos las fronteras soberanas de los países y hasta desvirtúa la extensión y el cubrimiento de los mares.

Imposible predecir que más puede venir ahora después del 2004. El hombre, el artista del siglo XXI (como lo hicieron en el siglo XX Picasso, Duchamp, Joseph Beuys, Christo Javacheff, Andy Warhol, etc.) continuará creando y muchos seguirán afirmando que el arte es “solo una simple huella en la arena del desierto”. La creatividad humana ayudada por la ciencia y con el aporte de los hemisferios cerebrales, seguirá produciendo inimaginables resultados y de esta manera cada país estará desarrollando su propia y original cultura: la cultura del siglo XXI.

BIBLIOGRAFÍA
ESTRADA, Leonel. El arte en el siglo XXII. El Colombiano, suplemento dominical, febrero 22 del 2004. PP 2, 3.

IMPRESIONISMO Y POS- IMPRESIONISMO

Otro gran sentimiento se llena en los corazones y es ¿cuándo empieza el arte moderno? ¿cuándo empieza a sentirce el bello aroma de nuestra época llena de cambios y adelantos en todos los ámbitos?

Podemos determinar a partir de la lectura de diferentes textos que ese momento es en el siglo XIX, ¿conque se da comienzo? O ¿conque obra representativa podemos dar ese comienzo? Creo que para cualquier interesado en las artes se le hace difícil y paradójico ubicar este santo grial.

No podemos entonces determinar cuando, como y por que se rompe alguna tendencia o manifestación artística, este es el verdadero caso de la aparición del Impresionismo que surge estrechamente ligado al Naturalismo, la suavidad de cambio estilístico no se hace casi notorio gracias a la estabilidad económica y social presente, ya que el año 1871 es un año relativamente transitorio en la historia de Francia a no ser por los grandes adelantos técnicos en su vida industrial. ¿podemos considerar estos grandes adelantos técnicos como precursores de una gran crisis intelectual y social? En cierta medida si, ya que el Hombre esta en continuo cambio y actualización, es eternamente moderno y competitivo y posee aquel impulso generador basado en el concepto de que lo nuevo es mejor.

La competencia va a la par de la velocidad técnica, a partir de esta premisa el intelectual de la época vivía una gran crisis alrededor de los nuevos centros urbanos, donde el tiempo y el hecho solo son elementos transitorios, donde la realidad no es un ser, sino un devenir, no un estado, sino un ocurrir. El intelectual de la época se preocupa por la representación de un equilibrio inestable que se funde en una experiencia concreta, temporal, y especialmente determinada: lo cotidiano la luz el color Etc.

Ante la aparición de un estilo o una nueva tendencia es prudente preguntare se trata realmente de una novedad o es la afloraciòn actualizada de ideas que coexistían vergonzosamente en épocas pasadas; podemos mencionar que ya en épocas pasadas como en el Romanticismo y en el Realismo ya existía un alto interés por el color y la luz e interpretaban estos fenómenos a través de diferentes estilos artísticos, algunos de estos estilos artistas que desarrollaron tal interés fueron: Jhon Constable, William Tuner, Gericault, Courbet, Camille Corot.

Courbet en cierta ocasión mencionaba “ El único tema posible en el arte es el realismo de la gente de la calle y la vida diaria” además este artista niega que la imaginación tenga algo que ver con el arte además afirmaba” El artista es capas de representar solamente lo que ve y toca y debe hacerlo con la mayor sencillez posible”. ¿ podemos nosotros considerar que esta aseveración pudo orientar a los artistas que le siguieron? Es de anotar que tal interés de Courbet le fue difícil ejecutar.

El anterior interés mencionado atrajo a dos jóvenes artistas del momento a Manet y Monet, Manet era el mayor de los dos con ocho años de diferencia, su interés pictórico se vio plasmado en escenas que fueron consideradas provocadoras para el momento con alto grado de interés que se salían de la realidad, y Claude Monet el menor quien fue considerado el jefe del grupo Impresionista y, mas que ningún otro pintor, el creador de la pintura del estilo en cuestión, párese no haber sentido interés por el arte del pasado y haber sentido terror hacia todas las teorías artísticas, su preocupación esencial durante toda su existencia fue el registrar sensaciones visuales a partir de colores primarios: amarillo, rojo, azul y sus tres complementarios y desapareciendo de sus paletas los colores terrosos y el negro.

Es de anotar que estos dos artistas no fueron los únicos interesados en el dilema también lo fueron sus amigos Frederic Bazille, Alfred Sisley, Pisarro, Auguste Renoir, Degas, Cesan y Berthe Morisot entre otros; su primera exposición fue en 1874 denominada la de los independientes ya que la mayoría de los trabajos fueron rechazados por el salón oficial.

A finales de 1880 se presenta una crisis en el arte impresionista, esta crisis ayuda a que dicha tendencia se salvara de llegar a la vulgarización del estilo, acompañada esta de los valores de la sociedad que se tornaron conflictivos a causa del cambio de siglo; esto contrajo ideas encontradas que generaron movimientos rivales pero frecuentemente relacionados y dirigidos respectivamente por George Seurat, Paul Gauguim y vincent Van Gogh.

Sgeorge Seurat, siendo un matemático deseoso por aclarar y clasificar e interesado por la pintura brillante determina una secuencia lógica de su ejecución así: primero el tono, luego el color, y finalmente la línea y la composición.

Paul Gauguin, este fue un artista visionario y rebelde comenzó con las ideas del impresionismo y las de Seurat pero después afirmo que el impresionismo era el creso error del naturalismo, al final y gran parte de su obra la podemos considerar simbolista dándole un sentido arbitrario al color obedeciendo a ideas expresivas.

Vincent Van Gogh, en la obra de este hombre podemos partir de su idea de que toda realidad es simbólica, esta afirmación la podemos constatar en cada una de sus cartas escritas a su hermano Teo y la percepción de cada una de sus obras sin afectar la maestría de este gran autor.
El tiempo tampoco fue misericordioso con la literatura, a diferencia de la pintura esta no fue tan definida, ya que sus inicios son apenas identificables en el complejo Naturalismo. Podemos identificar algunos elementos literarios marcados a finales del impresionismo pictórico y más concretamente en la decadencia del naturalismo que no es otra cosa que una crisis positivista del mundo donde los enemigos de la república en mayor parte son los enemigos del racionalismo, el materialismo y del progreso científico.

En esta tarea literaria estaba en manos de intelectuales estudiosos en su mayoría compuesto por burgueses del momento, su crisis gira alrededor de la cultura contaminada, es decir “ EL ARTE AL SERVICIO DE” su actitud fue tratar de ser mas espirituales y llenos de alma llegando al extremo de determinar que la naturaleza es fea y que solo se logra su belleza a través de la manifestación artística. Es decir la filosofía de “EL ARTE POR EL ARTE”

Algunos de estos literatos fueron Maupassant, Zola, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud Etc.

En la música durante este periodo especialmente Francia a mediados de 1870 se presenta cierta inclinación por el estatismo, cuya traducción estética seria el impresionismo. Este gusto entraña la noción del espacio que se manifiesta por el acorde en SI IMMOBILE y deplegado. Por otra parte, tiende a evitar las diversas atracciones melódicas y armónicas. No cabe duda de que, al proceder así, los compositores entran en conflicto con la esencia misma dando cabida a las melodías modales y a la música exótica.

Algunos de estos músicos fueron: César Franck y Camille Sain-Saëns.

IDEAS FUNDAMENTALES

· El impresionismo es un cumulo de ideas pictoricas heredadas de periodos artísticos anteriores llevados a una culminación.
· Entre los precursores del impresionismo tenemos a Jhon Constable, Willliam Turner, Guastave Courbet, Camille Corot.
· La idea básica del impresionismo fue la luz, hace desaparecer los contornos, donde la forma no es el resultado de la degradación tonal, sino de la yuxtaposición de colores.
· Las sombras también son color.
· En el impresionismo el color es abundante pero no tridente.
· El pintor impresionista no utiliza el negro.
· El impresionismo quiere expresar la fugacidad de las impresiones visuales debido a la luz cambiante.
· El impresionismo evoluciono hacia caminos distintos y personales.
· La característica común es la luz y el color.
· El pos-impresionismo es el resultado de ideas independientes marcadas por las ideas impresionistas. Orientados hacia la búsqueda de nuevos modos de interpretar la naturaleza.
· Dentro de la diversidad del pos-impresionismo aboga por un costructivismo que revoluciona la forma.
· Los pos-impresionistas señalan a frontera entre la pintura imitativa y el valor estético del color.
· Los músicos dejan su propia huella en el lenguaje musical saliendoce de esquemas tradicionales.
· Los compositores tienen en cuenta los sonidos exóticos.
· La literatura esta marcada por un grupo de intelectuales burgueses bohemios inconformes con el naturalismo defienden la teoría del arte por el arte.

BIBLIOGRAFIA

· Como conocer los estilos, Ed Parramon, Barcelona, España, 2000, Pp 60 –67.
· Alan, Bowness, Las bellas artes impresionistas y pos-impresionistas, Ed Grolier, México, 1973, Pp7 –14.
· JJ. Martin, Gonzalez, Historia del arte, EdGredos, Madrid España, 1992, Pp 468 – 483.
· Arnold, Hauser, Historia Social de la literatura y el Arte, tomo II Pp 402-461

ARTE DEL SIGLO XX

A comienzos del siglo XX existió un gran impulso por el cambio y fue un cambio radical que rompió con el pasado. Ya que este se consideraba agotado – la poesía debía liberarse de la rima y de la métrica, la música de la escala diatónica y la pintura de la imitación de las apariencias naturales.

En la historia del arte hasta el momento no ha existido un periodo tan productivo como el que inicia entre los años 1890 -1914, generado por ese gran impulso hacia lo nuevo mediado en parte por los grandes descubrimientos y postulados científicos – teoría de la relatividad, invención del avión, etc.- Generaron en el hombre de época un enorme desarrollo intelectual.

El artista adquiere de cierta manera un alto grado de libertad aparente. ya que al mismo tiempo crea cierta dependencia hacia la tecnología generando en este un cierto desasosiego, reflejado en su cambio continuo y en una constante competencia con el tiempo y la tecnología.

El arte, desde ese gran momento de inicio de siglo reflejo un alto grado de libertad para inventar y crear, pero es evidente que durante todo ese siglo XX se vivió una competencia constante entre dos grandes paralelos entre el tiempo – tecnología e ideas – innovaciones, que generaron en el arte una gran dicotomía entre acierto y desacierto.

Entre los desaciertos, aciertos, moda y lo kitsch podemos mencionar los siguientes:

Posimpresionismo, Modernismo, Simbolismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Suprematismo, Neoplastisismo, Futurismo, Surrealismo, Dadaísmo, Dadaísmo Pop-Art, Hiperrealismo, Superrealismo, Abstracción, Pintura metafísica, , Pintura no figurativa, Cientismo o Op-Art, Escultura no tradicional, Arte del cuerpo y sus variantes Etc.

Simbolismo:
Estrictamente es una escuela literaria iniciada en Francia a finales del siglo XX que puso de moda el verso libre y se destacaron en su tiempo Verlaine, Mallarme y Rimbaud que influenciaron en su tiempo a la pintura que busca la expresión de ideas mediante la representación de símbolos teniendo su mayor auge en la pintura decorativa. Algunos de los artistas mas reconocidos tenemos a Bocklin, Klinger, Moreau, y Puvis de Chavannes.
Fauvismo y Expresionismo:
Fauvismo, este fue el expresionismo Francés, y en Alemania adopta el grupo Die Brucke, el expresionismo tanto en Alemania como en Francia tiene sus orígenes en la influencia permanente de las ideas antipositivistas generadas por los diferentes cambios científicos y filosóficos de la época, es de aclarar que es difícil definir tal tendencia pero podemos decir que este istmo es sin duda un arte de oposición. Ya que nace de una protesta critica antinaturalita, antiimpresioniosta. y sin duda lo que mas les molestaba era la felicidad y el alto hedonismo de los artistas. para aclarar tales ideas a continuación citare el primer discurso que sintetizaba las ideas expresionistas. Hermann Bahr 1916 “Nosotros ya no vivimos –Escribía- hemos vivido. Ya no tenemos libertad, ya no sabemos decidirnos; el hombre a sido privado del alma; la naturaleza a sido privada del Hombre…nunca hubo época mas turbada por la desesperación y por el horror de la muerte. Nunca un tan sepulcral silencio ha reinado en el mundo. Nunca el hombre fue tan pequeño. Nunca estuvo mas inquieto. Nunca la alegría estuvo tan ausente y la libertad mas muerta. Y he aquí gritar la desesperación: el Hombre pide gritando su alma; un solo grito de angustia se eleva en nuestro tiempo. También el Arte grita en las tinieblas, pide socorro e invoca al espíritu” y terminare tal ilustración con las palabras de Goethe “el oído es mudo, la boca es sorda.

Podríamos determinar que los padres del expresionismo fueron Van Gogh, Ensor, Munich, y Gauguin y capitalizado por Matisse, Derain, Kandinsky, klee, Vlaminck, Beckmann, Ensor, Kokoschka, Otto Dix. Etc.

Cubismo:
Este movimiento es el padre de todas las tendencias abstractas Picasso y Braque fueron sus fundadores, en su intento por sustituir los meros efectos visuales, tan caros a los impresionistas, por una concepción mas intelectual de la forma y el color. su punto de partida fue la obra de Cezanne, que se avía ya formulado objetivos similares, aunque ellos llevaron hasta limites mucho mas avanzados su convicción acerca de la unidad básica de la superficie bidimensional del cuadro así como el análisis de la interacción de las formas. Estas son las causas de que estos pintores abandonasen deliberadamente el intento de representar las cosas como realmente aparecen, proponiéndose , en cambio, proporcionar al publico una descripción de la totalidad de un objeto determinado así como de la posición que ocupa en el espacio. Ello presentaba, en la practica, combinar varias vistas del objeto, más o menos superpuestas, expresando al final la idea que el artista tenia del objeto antes que su visión de el.

Suprematismo:
Movimiento promovido por Malevic, desarrollado en Rusia en 1913-1915 y considerado uno de los fundamentos claves en el nacimiento de la pintura abstracta, su base es esencialmente teórica y conceptual, sus principios se hayan en el manifiesto denominado del cubismo al suprematismo 1915. en el cual se determina la absoluta in objetividad, el empleo absoluto de objetos geométricos.

Neoplastisismo:
Este surge en intimo consorcio con la arquitectura funcional, su finalidad estribaba en obtener acoplamiento cromático a base de colore primarios, blanco y negro, aplicados de tal manera que se sectorizan los espacios a partir de rectángulos verticales y horizontales de manera plana. De esta manera la obra de arte se reduce a la pura experiencia de la sensibilidad. La relación de esta tendencia es patente con el cubismo, pero difieren con el concepto del volumen.

Futurismo:
Surge en Francia a partir de un artículo publicado el 9 de febrero de 1909, que tenia como autor al poeta Marinetti, en el que anuncio “Una nueva belleza…un automóvil crepitante, que avanza como una ametralladora y es mas hermoso que la victoria halada de soma tracia…queremos glorificar la guerra…”los artistas se detienen en las maquinas y el movimiento.

Dadaísmo:
Con este nombre se conoce un movimiento artístico precursor del surrealismo, que apareció por primera vez en zurich durante la primera guerra mundial. Producto de la histeria y del shock emocional que pretendía por entonces la vida europea, su periodo de esplendor se sitúa entre 1915 -1922. este movimiento tomo desde el principio posiciones contrarias al sentido común y a la propia actividad artística , proponiéndose sus miembros , ante todo, , escandalizar y violentar al publico burgués . uno de sus mas alto representante fue Duchamp.

Superrealismo- Surrealismo:
Nació de la unión del collage y los aspectos constructivitas del cubismo y el nihilismo de dada, y afirma poseer una larga tradición artística que abarca incluso el arte de Bosch, Goya, y cualquier otro artista que haya expresado lo misterioso y lo fantástico. Después de la desaparición de Dada en 1922, Andre Breton reunió los miembros que quedaban del grupo y adoptaron la palabra Surrealista el cual lo definían como automatismo. El surrealismo se dirigió bajo dos conceptos: Fantasía pura y la construcción de un mundo de sueños los máximos representantes son Dali, Magritte, Chirico, Klee.

Pop-Art:
Tendencia artística basada en la aceptación y empleo de artefactos, medios d comunicación, tanto de publicidad como de prensa, y productos de la vida moderna. Este tipo de arte aparece en estados unidos a mediados de los años sesenta y es de anotar que no es un Arte romántico pero en ocasiones es gracioso.

Hiperrealismo o Súper-realismo:
Esta es la derivación del Pop-Art. Se trata de una derivación mediata y con otros matices aun dentro del marco figurativo y realista que caracteriza el Arte popular, y llama en su ayuda a la técnica académica tradicional para la representación meticulosa de los objetos. En otras palabras el propósito del artista es reproducir la realidad tan perfecta que supere a la realidad. El mas representativo es el Alemán Asmas.

Abstracción
Este tipo de Arte se basa en la presunción de que las formas y los colores poseen en si mismos unos valores estéticos específicos, completamente independientes del tema de la pintura o escultura. Se trata de una visión ya formulada por primera ves en épocas antiguas que a llevado por una parte a la producción de piezas artísticas de características semimágicas, mientras que , por otra, a originado una gran calidad de creaciones de simple producción decorativa. Este es la visión prevaleciente de los países Musulmanes ya que se les prohíbe cualquier representación de figura humana.

Nota: Los otros istmos y manifestaciones artísticas han sido tratados en documentos anteriores.

Al observar la anterior lista nos queda evidente ese desasosiego creativo mencionado en líneas anteriores y podemos afirmar que el Arte a través del tiempo siempre a tenido la constante del cambio que no es otra cosa que la competencia del tiempo cronológico con el tiempo cultural, y como sucede a menudo es la lucha del artista como creador con el mundo como espectador.

El nuevo Arte en pos de lo moderno ayer y hoy siempre a estado mediado por el espectador que podemos determinar primario, secundario, especializado…….o simple espectador. Que hoy más que nunca genera a la obra de arte su valor característico. Decía el filosofo y escritor Antioqueño Fernando González “nuestra visión artística es una visión prostituida; capturadora de gustos” el autor desde ese sentido nos considera seres eunucos.

El artista del siglo XX en búsqueda de lo moderno retorna al pasado, pero ya no en los clásicos, su búsqueda “Creativa” mira, copia y modifica las manifestaciones culturales de África, América, india etc.

¿Existe acaso entonces un Arte moderno?

¿Cual arte moderno?
¿Cuáles nuevas tendencias?

En Arte actual, no hay tendencia o corriente nueva, todo, es un reciclaje bueno y malo. Percibiéndose mas lo anterior; repetiendoce a diario lo que decía Martha Traba “Colombia y el mundo esta condicionada a la arbitrariedad y los gustos particulares de los críticos con poder” cabe también allí lo que decía Herbertread “siempre son los mismos fenómenos fundamentales los que se confieren a una obra de arte su valor estético. ¿Cuáles son esos fenómenos? Únicamente fenómenos formales exagerados, llamativos o sobre manera pregnantes, que nos hacen salir de nuestros hábitos visuales y enseguida surge el auto engaño de lo omnicompresivo”. He allí lo que muchos llaman arte contemporáneo.

Termino este texto con un poema.
¿Donde esta, el carácter e identidad de la obra de Arte moderno?

Camaleones voraces infestados de renombre de indulgencias compartidas
Copartidarios y afines
Lagartos de toda índole,
que solventáis tu trabajo en herbarios de renombre
Cuando el día y la noche caen a tus espaldas
Sientes el peso de aquel fetiche,
Al que llamas Arte
y
Dándote golpes de pecho,
Justificas la iluminación divina
Adquirida en tus galpones de crianza,
y ….en medio de directrices copartidarias
te haces o heces, en aquellos que te iluminaron……

Juan C. Florez Arcila

HISTORIA BARROCO Y ROCOCO

BARROCO

Estrictamente hablando, arte Barroco es aquel que se extiende desde los primeros años del siglo XVII hasta mediados del XVIII. Se engendro en Italia, donde ya se desenvuelve a finales del siglo XVI, y perdura casi todo el siglo XVIII en algunos piases. Es el arte que se sigue al de la contrarreforma. Los piases exaltadamente en el Barroco fueron Italia, Alemania, y España, con sus dominios americanos.

Expresa el sentimiento de su época, es un arte brillante, ostentoso, expresando el poder y la grandeza de los monarcas y la fluyente riqueza de los estados y la prospera situación del catolicismo. Superando al Renacimiento, el barroco exalta la alegría del vivir, como algo sano y virtuoso, los grandes monumentos de la iglesia católica, con toda su imponente riqueza, atraen y deslumbran a los creyentes.

Hoy en día se considera uno de los periodos más maravillosos de la historia del arte y algunos teóricos determinan que todo periodo artístico posee una tercera fase denominada barroco es decir este es una constante histórica.

El patronazgo en esta época cobra formas diversas según los piases.

En Italia, son los papas los que impulsan el Barroco, en una dirección ostentosa y triunfalista. Están interesados en fomentar los tesoros artísticos, guardados en los grandes palacios de la ciudad de Roma. Un afán de emulación insaciable fomenta el coleccionismo entre las familias papales.

En Francia es el de serviré de arte para exaltar el soberano y con ello al estado. El centralismo es absorbente. Las palancas para ejercer este gobierno fueron los cargos de superintendentes y las academias. El ejemplo del monarca transmite a los altos cargos políticos, que tienen también sus palacios y ricas colecciones. Si Luis XIV elevo Versalles al mayor rango, Colbert se apunto el tanto de la inauguración del museo de Louvre, aunque quedara de momento alejado de la contemplación publica.

En Inglaterra, el arte fue objeto de protección oficial, la corona sufrago muchas obras, incluidas las religiosas, dado el papel del culto oficial. Pero sumemos la existencia de una aristocracia de la mayor exquisitez, que encierra en ostentosos palacios ricas colecciones.

En España, la realeza fue cliente ávido, fueron los monarcas fieles continuadores de sus antecesores en el gusto por el coleccionismo. Fue lastima que la extensa red palacial de la corona no contara con mejores edificios, asiendo el mayor contraste con abundancia de piezas de arte extranjeras, sobre todo de pintura. En cambio, pocas casas mobiliarias se distinguían por sus colecciones. Entre ellos el rey Felipe IV.

Volviendo al estilo Barroco, es de anotar que fue la mejor manera de expresar la idea de la iglesia triunfante, esta fuerza de la iglesia tuvo su equivalente, en Francia y en los piases protestantes, en el poder absoluto de los príncipes.

El Barroco tiende a las formas grandiosas y efectistas, desnaturalizado los elementos constructivos; las columnas, por ejemplo, dejan de ser un elemento sustentante para convertirce meramente en un elemento decorativo, y adoptan las mas insospechadas formas: retorcidas, helicoidales, etc; los arquitrabes se dislocan, y sobre ellos caen nuevos elementos decorativos sin la menor función constructiva, tales como nubes, rocas, etc.

El Barroco tiende a producir un efecto plástico acentuando vigorosamente los contrastes de claroscuro; los salientes se acentúan de manera violenta, los huecos se rehunden, los ángulos se hacen resaltar fuertemente. La dinámica línea curva es la dominante. Procuran evitarse las formas geométricas y definidas del Renacimiento. Se siguen empleando los ordenes grecorromanos y de ellos en especial el Jónico, de capiteles muy achatados y cuyas volutas caen por debajo del collarino; se emplean también a menudo el corintio. Las ventanas adoptan perfiles curvos; en las numerosas hornacinas, en los frontones rotos de puertas y ventanas y en las cornisas campean figuras simbólicas de ángeles o santos que , con sus suntuosos trajes agitados por el viento , expresan, de manera viva, la gloria del Barroco, la de un tiempo en el que, como en pocos, se exalto el ansia y la alegría de vivir.

La pintura en el estilo Barroco

La obra de arte Barroca aparece cuando el equilibrio entre la serenidad de las formas y el movimiento se rompe en beneficio del segundo. en este sentido, la tendencia Barroca no es privativa de una sola época. Pero el Barroco que se extiende desde Carvaggio; con su claroscuro, donde la luz invade oblicuamente el espacio, de modo que las formas surgen de violentos contrastes, con un realismo radical, una interpretación fiel del modelo, y Velázquez maestro indiscutible, llamado el pintor de la verdad, el técnico, el primer pintor moderno y uno de los mejores retratista de la historia, Rembrandt quien es considerado el máximo representante de la pintura Barroca Holandesa, quien practico un claro oscuro intenso, con un tenebrismo donde la luz no proviene de un foco o de una dirección siempre precisa y Fragonard considerado el pintor de la burguesía, con una pintura mas clasicista. estos y otros grandes artistas este periodo Barroco perduro hasta bien entrado el siglo XVIII, fue el resultado de la evolución del manierismo hacia criterios estéticos con formas sobreabundantes y ampulosas que dominaron a toda Europa.

La música en el estilo Barroco

El año 1600 señala el nacimiento de la opera, con la Eurìdice de Peri, y el del oratorio, con la Representación del alma y el cuerpo, de Cavalieri. En esta fecha se inician grandes transformaciones, que ya se gestaban desde hacia 25 años, y toman cuerpo muchas ideas revolucionarias. Estas ideas suelen agruparce bajo la etiqueta de reforma melodramática y designan el advenimiento de un nuevo lenguaje, de nuevas formas y de un nuevo ideal musical. La reforma melodramática imprime un giro brusco a la música y desemboca en un estilo que afirma a cada instante; la música es teatro. Este estilo se inscribe en la estética Barroca (1600-1750), universo del cambio, el movimiento y de la representación. El Barroco, arte de la ilusión, representa el mundo no en su realidad objetiva, sino como cosa percibida. En este sentido, toda obra Barroca es representativa y dramática.

El Arte Barroco exige otra dimensión: la de la representación y la expresión. En el siglo XVI una corriente de ideas ligada al humanismo había ya marcado una serie de hitos en esta dirección. Ciertamente existía la noción de música reservata (música secreta), destinada según algunos, a la ilustración musical de las imágenes contenidas en un texto literario; se pude decir , que este tipo de música realizo R. De Laussus cuando interpreto un grito mediante una melodía elevada. Para otros teóricos, sin embargo, la música reservata se asimila al virtuosismo en escritura basado en la utilización de medios técnicos nuevos (especialmente, el cromatismo), pero siempre cargados de un poderoso contenido emocional.

El proceso de la música reservata sigue su evolución durante el siglo XVII, donde el compositor no simplemente tratara de sustituir una imagen poética por una imagen sonora. Puesto que en la cosmovision Barroca figuraba la concepción del mundo como teatro, la música deberá mostrar las cosas no según su naturaleza, sino tal como aparecen.

En este periodo artístico se reafirmo también otro estilo musical que fue el figuralismo que venia desde la edad media. En esta, la pintura o figura en música existe de forma espontánea, desarrollando analogías para hallar la belleza, la gloria, el cielo de tal manera enérgica que logran ser visibles. Esta técnica algunos artistas la denominaron como la pintura para el oído, actualmente recibe el nombre de Madrigalismo. Paralela a la música figurativa se desarrolla la teoría de las pasiones, que bebe también en las pasiones del pensamiento que logran expresar el amor, el odio, la cólera, la templanza y la humildad.

Algunos representantes del estilo Barroco fueron:
Mattheson, Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Georg Friedrich Haendel.

ROCOCO

Este se desarrollo a partir del siglo XVIII, considerado por muchos como la edad del diamante: El Rococo es una distorsión fantasiosa de la palabra rocaille, ósea rocalla, y se refiere a la intrincada ornamentación de decoración insípida y recargada, fue vagamente peyorativo durante el siglo XIX. Es de anotar que el arte Francés del siglo XVIII es, por su puesto, ligero y etéreo, frívolo y adornado, gran parte, pero no todo, fue creado para una poderosa aristocracia, muy ricas y excesivamente indolente, y una clase media alta adinerada. Pero eso significa que no pudiera ser, aveces, profundo, multifacético y siempre brillante, la moda de los colores exquisitos y las ornamentaciones delicadas que siguió a las mas vigorosas del periodo Barroco, y que se manifestó con alegre frivolidad. El estilo predominante marco la insatisfacción del interés por el llamado arte primitivo, es decir, el arte de Africa, las civilizaciones del Océano Pacifico, América Latina, al igual que el de los pueblos nativos de América del Norte. El arte de Alemania tuvo gran impacto, e Italia se elevo de nuevo después de los días gloriosos del Renacimiento. La bella América (Estados Unidos) comenzó su largo y excepcionalmente fructífero periodo artístico.

El arte Rococo, es de resaltar que fue creado para reyes, reinas y favoritas reales indolentes y desenfrenados, donde sus palacios tenían como meta superar al de Versalles, con sus jardines naturales deleitaran a un pintor. Tal ves de allí, surge el paisajista. El asunto no es tan simple. A veces el arte de la época también presenta lo que podría llamarse una característica común.(el arte de burgueses para burgueses).

Entrando en detalle, el estilo Rococo es Francés, y fue obra de insignes decoradores, orientado bajo un sentido amable y juguetón con elementos decorativos exóticos de origen Chino; se persiguió la naturalidad y el desenfado, con acento picante, sensual, y frívolo muy de acuerdo con la mentalidad racionalistas y enciclopedista. Sus construcciones arquitectónicas buscan mas la elegancia y la gracia que la pompa y la solemnidad imponentes del estilo anterior. En las fachadas predomina un ritmo horizontal; audaces curvas suavizan la violencia de los ángulos rectos y, en general, se reducen las proporciones. Se persigue, en el trazado de las fachadas, una elegante sencillez mediante impostas y entablamentos regulares. el cuerpo central suele sobresalir algo de la línea general de la fachada , y sus balcones y terrazas se rematan, las mas de las veces, con airoso frontón curvo, en que figuran las armas del propietario, se disminuye el violento claroscuro en la arquitectura y la pintura en la música es considerado el Rococo una degeneración del Barroco.

HISTORIA DE LA COLONIA

LA COLONIA

Es obvio que en el año 1492, señalo para los pueblos americanos una mudanza radical en todos los sentidos en que pueden hablarse de una cultura. de pronto por obra del descubrimiento colombino y de la inmediata conquista española y portuguesa, los pobladores del continente se vieron abocados a aceptar otro concepto del mundo y otras formas de organización de los cuales nacía América; tan realmente, que las diversas culturas anteriores a la conquista, cuyos orígenes, interconexión y desarrollo guardan tantos enigmas para nosotros, constituyen hoy mas un objetivo para la arqueología que para la historiográfica.

A partir de 1492 y por más de tres siglos el nuevo mundo fue unido a la gran península ibérica ligado al idioma, religión, y costumbres. Donde los pueblos indígenas empezaron a sufrir una transformación radical.

Con la conquista entra el arte occidental a las ameritas, teniendo en cuenta que el arte que tiene su ingreso no era el mas actual para la época que vivía Europa.” El Renacimiento” sino un estilo mas medieval, que era el que vivía la clase popular europea.

El primer arte que entra tiene la función de evangelizar, es allí donde comienza la difícil tarea de remplazar ídolos de piedra y oro por imágenes naturalistas que remplazan las ideologías americanas.

En el periodo colonial no se desarrollo en cierta medida una actividad artístico colonial. Ya que la colonia es una actividad netamente político administrativo pero el termino es sugerido en el siglo XIX, aunque podemos decir que se distinguen algunos estilos de este periodo:
La hispánica y criolla.
La mestiza
La virreinal
La popular

La hispánica y criolla
Obedece a un claro propósito. Promulgar los temas, formas, y tónicas que se desarrollaban en España siendo mas bien una actividad provincial española, es pues sencillamente un arte español realizado en la nueva granada. Que trata de imitar a los grandes maestros de la época en España Zulbaran, Murillo o Morales y grandes escultores como Martínez Montañés o Alonso Cano y sumados a estos todos aquellos imitadores del manierismo italiano. Entre otros artistas hispanos criollos figuraron Figueroa y los Vásquez neogranadinos quienes procuraron esforzadamente asimilar, mezclando el lenguaje del Renacimiento y el Barroco.

El mestizo
Este arte, lo podríamos considerar como el verdadero arte colonial, ya que fue el producto del mestizaje racial, muy notable en el país, ya que hoy integra mas de la mitad de la población nacional.

Las principales manifestaciones artísticas se ven reflejadas en las siguientes manifestaciones artísticas: pintura, escultura, talla ornamental, decoración arquitectónica, platería, tejido, Etc. Es de anotarse que la mejor producción se desarrollo en la nueva España (México), nueva castilla (Perú), y Quito ya que existieron indígenas mas organizados para la ejecución de artesanías y parece que la baja producción en Colombia se debe a que en la nueva granada no participaron mucho los indígenas, aunque la mayor producción se encuentra actualmente en Boyacá.

El virreinal
Es el arte, que se presenta en las altas esferas oficiales a partir de la mitad del siglo XVIII, de hecho es un nuevo estilo criollo, se dice esto por que sigue el gran interés de copiado del arte europeo, pero con la modificación de las tendencias francesas, que se vieron reflejadas en el mobiliario de los virreyes españoles en la nueva granada.

El popular
Este arte estuvo muy dedicado a la producción piadosa, pero con un elemento particular, eran de aspecto censillo con carácter primitivista utilizado en sitios domésticos.

Manifestaciones artísticas de la colonia:

Pintura
Los personajes mas reconocidos son de apellidos hispano criollos que cumplían su papel artístico bajo una actitud artesanal, ya que se fundaron talleres familiares, parecidos a los que surgieron en el Renacimiento.
Algunos de los artistas mas conocidos entre otros fueron:
Alonso de Narváez, 1583, sevillano dedicado a la platería además de la pintura.
Antonio, Bernardo, Jerónima Acero de la Cruz y otros con el mismo apellido durante la primera mitad del siglo XVII, lo mismo con la familia Figueroa quien extendió su aprendizaje a Gregorio Vásquez Cevallos, Gregorio Carvallo de la Parra, Alonso y Tomas Fernández de Heredia quienes fundaron algunos talleres trabajando todos bajo una actitud naturalista y no hay que olvidar a todos aquellos artistas que participaron de la expedición botánica dirigida por José Celestino Mutis.

Escultura
La escultura surgió cerca a la tradición Española en la talla en madera estofada y policromada con brillantez que hace que las obras de bulto se vean reales y ayuda a estos elementos el color natural impreso en las tallas, los ojos de vidrio, el cabello natural, y las ropas reales, los cuales pasaron los limites escultóricos de aquella escultura tradicional. Algunos de los principales artistas de la época fueron:
Juan de Cabrera
Pedro de Lugo y sus hijos Lorenzo, Luís y Salvador.

Talla decorativa
Esta fue utilizada en los interiores de las iglesias, que no se puede pasar por alto, ya que fue la gran manifestación durante los siglos XVII, XVIII, que representan cerca de unos 1000 retablos en el territorio Colombiano de diferentes tamaños y calidades. Hay que aclarar que el retablo es aquello que se encuentra detrás del altar, en ocasiones es decorado con esculturas de santos. Es de anotar que los colores utilizados fueron el rojo carmín, azul ultramar, ocre dorado. Entre los artistas mas destacados se encuentra el tallista Pedro Caballero.

Artesanía
Auque el arte popular no es la artesanía de función utilitaria, sus formas se nutren muchas veces de esta. Ya que son arrancadas de la tradición de las comunidades:

Alfarería
Esta tendencia artística decayó durante el periodo colonial ya que el conquistador antes aprendió de las culturas indígenas.

Metalurgia
Este se inrequecio con la utilización de nuevos materiales como el hierro, el bronce, utilizado para la cerrajería, y el trabajo del oro fue reducido y decayó su calidad aunque algunas técnicas progresaron de manos de mestizos y negros. Algunos de los principales artistas fueron:
José Galaz
Nicolás de Burgos
José de la Iglesia
Antonio Rodríguez
Nota: la plata fue el material mas corriente utilizado en la nueva granada para la decoración de las iglesias la cual era platería repujada.

Ebanistería
Este arte fue totalmente nuevo ya que los indígenas lo desconocían; pues a pesar de la inmensa riqueza forestal no fue aprovechada sino hasta después de la conquista con la traída de herramientas utilizadas para la fabricación de elementos mobiliarios.

Bibliografía
Gil Tovar, Francisco, El Arte Colombiano, E.d. Plaza y Janes, Colombia, 1997. P.p 39 – 84