EL CINE
El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento. Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han buscado procedimientos para reproducir la realidad. Es el caso de las representaciones con sombras que fueron los primeros espectáculos en público con proyección de imágenes animadas y la utilizada ya en el siglo XVI, la cámara oscura permitía la proyección de imágenes externas dentro de un espacio. De la misma manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de cine, logrando proyectar imágenes sobre una superficie plana. Con el fin de hacerlas llegar a todos los lugares, los feriantes viajaban con sus linternas dejando boquiabiertos a los espectadores. Sobre todo cuando hacían servir ingeniosos dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares, que hacían mover las imágenes.
Un invento capital aparece en el siglo XIX: la fotografía. Por vez primera, era posible impresionar y guardar una imagen del mundo que nos envuelve. Pero algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con objetos en movimiento, una de esas primeras maquinas fue una especie de fusil fotográfico capaz de captar las diferentes fases de un movimiento. Pero esa no fue la única ya que a largo del siglo, toda una serie de inventores construyen aparatos -mitad genios, mitad juguetes-, que buscan producir la ilusión del movimiento. Se trata del Taumatropo, el Fenaquistoscopio, el Zootropo y el Praxinoscopio. Una variante de este último, el Teatro óptico, construido por Emile Reynaud, es lo que más se acerca a lo que será el cine. Con el fin de producir una acción continua, se proyectaban largas bandas de más de 500 transparencias de dibujos a partir de un aparato cilíndrico que, juntamente con la proyección de una imagen de fondo desde una linterna, proporcionaba la proyección de los primeros dibujos animados.
Ya tenemos, pues, los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de la visión, la fotografía y la proyección. Pero faltaban dos más de fundamentales: la película perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve. Y fue en los EE.UU. donde, en 1890, se solucionó el problema, de la mano del gran inventor Edison y de Dickson.
En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison, cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película... individualmente. Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. ¡Cuan equivocado estuvo, como el tiempo llegó a demostrar...! Sin embargo, la invención del cine no puede ser atribuida, específicamente, a nadie. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.
Pero, un 28 se diciembre de 1895 se rompe la historia del arte, la imagen deja de ser estática, la maquina por fin a superado al hombre, los impresionistas artistas del momento son obsoletos y los futuristas están en su momento, nace una nueva cultura, el cine.
Los hermanos Lumière dan inicio a ese nuevo mundo de ciencia, feria, distracción y espectáculo.
El cine como ciencia, es un proceso físico óptico que tiene sus inicios en aquellas fotografías de Daguere y Niepce de 1823 que necesitaban 14 horas de exposición para capturar aquellas imágenes borrosas de las cuales solo queda el recuerdo, la fotografía fue progresando hasta imprimirle movimiento. “el movimiento fotográfico se sustenta en el poder que tiene el ojo de retener durante poco mas de 2/45 de segundo un objeto luminoso. A partir de dicho principio, si fotografiamos una secuencia que luego es proyectada una a una las fotografías por un lapso no menor a 2/45 de segundo logramos la sensación de movimiento”.
El cine como feria, distracción y espectáculo inicia en el café Boulevard des Capucines de Paris, con 35 espectadores. Las primeras películas eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) a el debemos los millones de espectadores en el mundo que disfrutan día a día la magia del cine en cafés, bares, restaurantes, centros comerciales, etc. el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo. Pero desde luego el cine es mas que un espectáculo divertido de fines de semana o de cinéfilos, el cine es un arte, más aún, el heredero de todas las artes, su magia tiene el poder de transportarnos a la realidad o a otra realidad.
El cine como espectáculo y obra de arte se disfruta de manera estética, ante estos elementos brindare algunos aspectos esenciales para su comprensión y disfrute.
¿Cómo nace una obra de arte cinematográfica?
A- Preproducción
Se manejan tres pasos esenciales
+ Tema: Este lo podemos ubicar según el genero (histórico, drama, etc.)
+ Idea: corresponde a los elementos fundamentales de la historia a realizar y que dan pie a que el producto final posea unidad- interés- profundidad y originalidad.
+ Argumento: Comprende a una sinopsis de la historia teniendo en cuenta personajes y espacios, sin llegar a un aspecto descriptivo.
B- Producción
Es el soporte fundamental en la realización del producto cinematográfico y se tienen los siguientes pasos:
+ Guión literario: Es un texto que se fundamenta en la descripción psicológica y física de los personajes. Incluye diálogos que determinan así el tiempo y ritmo de la obra cinematográfica.
+ History Work: es una sustentación visual del guión literario que a través de dibujo se representan personajes, espacios y escenas a desarrollar durante la fimación y que sirven como soporte al guión técnico “lo mas parecido al history work son las tiras cómicas”.
+ Guión técnico: Es un texto detallado y es esencial para el momento de la filmación y contiene acciones, espacios, tiempos, diálogos organizados de la siguiente manera:
Secuencia (contiene una escena o varias que se desarrollan en un espacio y van numeradas para lograr la edición fílmica)
Escena (corresponde a sucesos y diálogos y se enumeran dentro de una secuencia)
Tiempo (corresponde a día o noche y sus características)
Espacio (corresponde si es abierto o cerrado y sus características)
Suceso (Corresponde a las actitudes de los personajes diálogos y manejo de cámara)
Esquema general:
TITULO DEL FILM
Secuencia____
Escena ____
Tiempo __________________________________________________
Espacio __________________________________________________
Suceso ___________________________________________________
+ Proceso fílmico: Es el proceso de filmación e intervienen las siguientes personas:
Clacletista Es quien enumera la secuencia y la escena de acuerdo al guión técnico en el momento de filmarse. Es indispensable para el momento de la edición.
Script Es quien esta tomando nota durante el rodaje y tiene a la mano el guión técnico para que no existan errores de secuencia cinematográfica.
Director artístico Es quien esta encargado de la escenografia, maquillaje y vestuario pertinente a la historia.
Director de fotografía Es el encargado de los espacios y encuadres de las escenas.
Ingeniero de sonido Esta encargado de registrar los sonidos del ambiente, diálogos, y banda sonora de la producción.
Director Esta encargado de todo el proceso fílmico.
C- Pos – producción
Corresponde a sacar en limpio el proceso fílmico así:
+ Edición Este proceso esta realizado por un editor que trabaja de la mano del director, productor y demás colaboradores del proceso fílmico, teniendo en cuenta el trabajo del claquetista.
+ Comercialización esta se encuentra en manos del productor (persona que consigue el dinero o realiza la inversión económica para el film)
D- Critica
La critica esta determinada por los espectadores y en gran parte por los cinéfilos, que tienen como elementos para la critica entre otros muchos aspectos los siguientes:
+ Estructura fílmica
Relación idea – guión
-Tiempos El tiempo físico tiene una sola dimensión lineal, una sola dirección y una sola marcha, totalmente contrario a lo que sucede con el tiempo fílmico que esta en manos del guionista y el director. Los más utilizados son los siguientes:
· Adecuación:
Es la historia fílmica lineal, donde tiempo, acción y hechos no se aíslan del tiempo real.
· Condensación:
Es muy utilizado en las historias fílmicas donde los años y meses se reducen a minutos. Esta actividad se conoce como elipsis.
· Distensión:
Es el alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción ej: cuando un pensamiento excede al tiempo real del pensamiento.
· Continuidad:
Cuado el tiempo fílmico corre a la par del tiempo real (Es muy común en las filmaciones caseras).
· Simultaneidad
Es cuando se presentan dos tiempos vitales en un solo plano, es decir en el plano existen varias escenas al mismo tiempo.
· Flash back
Cuando el tiempo se detiene y existe un retroceso en él.
· Tiempo sicológico
Se habla de este tiempo cuando las escenas así lo ameriten es decir existen escenas de transición y de tensión y son quienes determinan el ritmo de la película.
· Representación del pasado
Se habla de este tiempo cuando se representa el pasado de manera cotidiana (Recuerdo del pasado) a partir de virados (imagen en un solo color)
· Elipsis
Son elementos visuales que nos determinan el tiempo. (Cuando por ejemplo muestran la imagen de un árbol cambiando las hojas para ilustrarnos el paso del tiempo).
-Ritmo
Podemos decir que ritmo es la cadencia producida en la proyección de acuerdo a las secuencias fílmicas, en los cuales se destacan el ritmo visual, el ritmo auditivo y el ritmo de la acción que encuentran su valor a partir de los tiempos sicológicos empleados por el guionista o el director. Esta clase de ritmos los podemos nombrar así:
· Analítico
Planos cortos muy numerosos, es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo.
· Sintético
Planos largos y poco numerosos, resulta un ritmo lento.
· In crescendo
Planos cada ves mas breves; significa tensión y dinamismo y planos cada ves mas largos; nos hacen sentir relajación y serenidad.
· Arrítmico
los planos son breves o largos, sin tonalidad espacial, cambiando de manera brusca generando sorpresa.
+ Técnico
Nos limitaremos al manejo de cámara:
El movimiento interior de la imagen se añade el movimiento de la cámara que se desplaza, variando el encuadre de las mismas figuras. El movimiento se ejecuta bajo tres ejes:
X: Balanceo
Y: Cabeceo
Z: Mirada en rededor.
Estos tres movimientos son mezclados con
Panorámica Horizontal, Panorámica vertical y movimiento de balanceo y estos movimientos con:
Descriptivo Reconocemos el escenario
Dramático Va presentando los diversos elementos de la acción.
Subjetivo la cámara parece meterse dentro de los personajes.
y existen otros movimientos como son los de translación (las demás cámaras eran estáticas) estos movimientos los podemos dividir en:
Travelling de profundidad en avance la cámara se traslada desde un punto de profundidad a otro más cercano y el contrario es Travelling de profundidad en retroceso.
Travelling vertical La cámara sube y baja
Travelling lateral Cuando la cámara acompaña a una persona en el espacio.
Movimientos complejos Cuando la cámara se monta en una grúa
Tipos deplanos-:
· Plano general: cuando se enfoca un personaje completo.
· Plano americano: cuando el encuadre se encuentra a la altura de la pierna hacia arriba.
· Primer plano: cuando de enfoca un sector del objeto.
· Primerisimo plano: cuando se encuadra mas haya de un pequeño sector del objeto.
sábado, 25 de agosto de 2007
LA FOTOGRAFIA
LA FOTOGRAFIA
La fotografía como arte práctico se inicio en 1831 con los trabajos de Daguerre Jacques y Niepce Nicéforo. La fotografía consiste esencialmente, en un proceso óptico de captación de imágenes a través de una cámara oscura y un proceso químico de impresión.
Proceso físico
Luz y color implican factores físicos, fisiológicos y psicológicos. Los especialistas en física se ocupan de la energía, de las ondas luminosas y de la interacción de la luz con la materia; los fisiólogos, de la percepción visual y del color, o sea que desarrollan distintos puntos de vista y utilizan diferentes léxicos al tratar de la luz y el color. No obstante, se ha determinado una terminología definida.
Las mediciones científicas de la luz, exigen el uso de cantidades grandes y pequeñas, unidades relacionadas entre si y de una gran exactitud. En algunos países , las unidades de medida en parte en el sistema ingles de pulgadas , galones y libras. El sistema métrico es el preferido por los científicos porque la relación entre las unidades de longitud y peso es mas sencilla; además, los decimales dan mayor seguridad y exactitud a los cálculos y a las cantidades de muchas cifras se pueden expresar concisamente. Nosotros utilizaremos las unidades métricas.
La velocidad de la luz en el espacio o en el vacío es de 300000Km por segundo, aproximadamente, ósea 186282 millas por segundo, que al parecer es el limite natural de la velocidad en el universo. La velocidad de la luz en el vacío es un constante representada por C en las ecuaciones ; por ejemplo E=mc2 no importa cual sea la fuente de luz .y esta es perceptible a través de ondas.
La luz es una onda electromagnética que se transporta a través del universo, vibrando en planos perpendiculares a la dirección de la onda, tales ondas muestran una serie continua de frecuencias y longitud de onda, la frecuencia es el numero de crestas de onda que pasan por un punto en un segundo, es de anotar que lo que nosotros conocemos como color visible solo depende de las longitudes de onda. Ejemplo:
Longitud de onda de los rayos:
MEDIDA Angströms
4000 Violeta
4500 Azul
5500 Verde
6000 Amarillo
6500 Anaranjado
7000 Rojo
La mezcla de los colores luz que producen el blanco se denomina mezcla aditiva.
El ojo es una cámara fotográfica
La mayoría de nosotros aprendimos en la escuela una simple y atractiva explicación de por que las cosas nos parecen lo que nos parecen, explicación basada en la analogía del ojo con la cámara fotográfica, según esta teoría, el ojo toma vistas de las escenas que tiene ante si. La luz que los objetos de la escena reflejan es enfocada por los objetivos que hay dentro del ojo y llega así hasta la retina, suerte de película sensible situada al fondo del globo ocular donde se forman las imágenes. Estas imágenes se transmiten entonces al cerebro, con lo que se generan las representaciones mentales de las escenas; nuestras percepciones.
La comparación es valida hasta cierto punto. En efecto. La imagen de una es cena enfocada sobre el filme en el interior de una cámara fotográfica, o, para el caso de la pintura, a la fiel reproducción de la escena lograda por el artista. El ojo tiene una lente- el cristalino- lo mismo que lo tiene la cámara, y, como en esta, también en aquel puede cambiar el enfoque. El ojo posee una abertura - la pupila – de diámetro variable para permitir el ingreso de la luz, igual que la cámara. Las imagen que se forma en la retina es una imagen invertida, exactamente igual que la imagen que se forma en la película fotográfica.
La cámara oscura
Sus inicios lo podemos ubicar a comienzos del siglo XVII, el filosofo Francés René Descartes describió un experimento que revelaría la imagen visual tal como aparece en la retina. Sacándole un ojo a un buey, poniéndolo luego en un marco y raspando su parte posterior para hacerla traslúcida, se podía ver dijo, fijando en la retina, como se proyectaba en ella en el mundo exterior.
Esta es simplemente una cámara que en latín significa cualquier aparato para captar imágenes. La mas sencilla es una caja opaca con un pequeño orificio en una cara y un pedazo de película sensible en la opuesta. La luz llega a esta cuando se obre el orificio por unos pocos segundos que luego por medio de un proceso químico es revelado y fijado en la superficie sensible a la luz.
Para mas detalles, la cámara oscura o maquina fotográfica para una perfecta obtención de imágenes va provista de un objetivo o sistema de lentes por donde penetra la luz; de un dispositivo de enfoque, para precisar las imágenes, y de un diafragma y de un obturador para regular la cantidad de luz que penetra en la maquina y el tiempo de exposición. Una ves impresionada la placa o film sensible a la luz, tiene lugar el revelado, mediante ciertos reactivos que dan como resultado una imagen negativa, en la que los blancos del objeto fotografiado aparecen negros y viceversa. Lavando la placa y quitando la sustancia no alterada por la luz resulta la prueba negativa. Aplicando esta sobre un papel sensible a la luz, se obtiene la prueba positiva final o fotografía que conocemos común mente.
La fotografía como arte práctico se inicio en 1831 con los trabajos de Daguerre Jacques y Niepce Nicéforo. La fotografía consiste esencialmente, en un proceso óptico de captación de imágenes a través de una cámara oscura y un proceso químico de impresión.
Proceso físico
Luz y color implican factores físicos, fisiológicos y psicológicos. Los especialistas en física se ocupan de la energía, de las ondas luminosas y de la interacción de la luz con la materia; los fisiólogos, de la percepción visual y del color, o sea que desarrollan distintos puntos de vista y utilizan diferentes léxicos al tratar de la luz y el color. No obstante, se ha determinado una terminología definida.
Las mediciones científicas de la luz, exigen el uso de cantidades grandes y pequeñas, unidades relacionadas entre si y de una gran exactitud. En algunos países , las unidades de medida en parte en el sistema ingles de pulgadas , galones y libras. El sistema métrico es el preferido por los científicos porque la relación entre las unidades de longitud y peso es mas sencilla; además, los decimales dan mayor seguridad y exactitud a los cálculos y a las cantidades de muchas cifras se pueden expresar concisamente. Nosotros utilizaremos las unidades métricas.
La velocidad de la luz en el espacio o en el vacío es de 300000Km por segundo, aproximadamente, ósea 186282 millas por segundo, que al parecer es el limite natural de la velocidad en el universo. La velocidad de la luz en el vacío es un constante representada por C en las ecuaciones ; por ejemplo E=mc2 no importa cual sea la fuente de luz .y esta es perceptible a través de ondas.
La luz es una onda electromagnética que se transporta a través del universo, vibrando en planos perpendiculares a la dirección de la onda, tales ondas muestran una serie continua de frecuencias y longitud de onda, la frecuencia es el numero de crestas de onda que pasan por un punto en un segundo, es de anotar que lo que nosotros conocemos como color visible solo depende de las longitudes de onda. Ejemplo:
Longitud de onda de los rayos:
MEDIDA Angströms
4000 Violeta
4500 Azul
5500 Verde
6000 Amarillo
6500 Anaranjado
7000 Rojo
La mezcla de los colores luz que producen el blanco se denomina mezcla aditiva.
El ojo es una cámara fotográfica
La mayoría de nosotros aprendimos en la escuela una simple y atractiva explicación de por que las cosas nos parecen lo que nos parecen, explicación basada en la analogía del ojo con la cámara fotográfica, según esta teoría, el ojo toma vistas de las escenas que tiene ante si. La luz que los objetos de la escena reflejan es enfocada por los objetivos que hay dentro del ojo y llega así hasta la retina, suerte de película sensible situada al fondo del globo ocular donde se forman las imágenes. Estas imágenes se transmiten entonces al cerebro, con lo que se generan las representaciones mentales de las escenas; nuestras percepciones.
La comparación es valida hasta cierto punto. En efecto. La imagen de una es cena enfocada sobre el filme en el interior de una cámara fotográfica, o, para el caso de la pintura, a la fiel reproducción de la escena lograda por el artista. El ojo tiene una lente- el cristalino- lo mismo que lo tiene la cámara, y, como en esta, también en aquel puede cambiar el enfoque. El ojo posee una abertura - la pupila – de diámetro variable para permitir el ingreso de la luz, igual que la cámara. Las imagen que se forma en la retina es una imagen invertida, exactamente igual que la imagen que se forma en la película fotográfica.
La cámara oscura
Sus inicios lo podemos ubicar a comienzos del siglo XVII, el filosofo Francés René Descartes describió un experimento que revelaría la imagen visual tal como aparece en la retina. Sacándole un ojo a un buey, poniéndolo luego en un marco y raspando su parte posterior para hacerla traslúcida, se podía ver dijo, fijando en la retina, como se proyectaba en ella en el mundo exterior.
Esta es simplemente una cámara que en latín significa cualquier aparato para captar imágenes. La mas sencilla es una caja opaca con un pequeño orificio en una cara y un pedazo de película sensible en la opuesta. La luz llega a esta cuando se obre el orificio por unos pocos segundos que luego por medio de un proceso químico es revelado y fijado en la superficie sensible a la luz.
Para mas detalles, la cámara oscura o maquina fotográfica para una perfecta obtención de imágenes va provista de un objetivo o sistema de lentes por donde penetra la luz; de un dispositivo de enfoque, para precisar las imágenes, y de un diafragma y de un obturador para regular la cantidad de luz que penetra en la maquina y el tiempo de exposición. Una ves impresionada la placa o film sensible a la luz, tiene lugar el revelado, mediante ciertos reactivos que dan como resultado una imagen negativa, en la que los blancos del objeto fotografiado aparecen negros y viceversa. Lavando la placa y quitando la sustancia no alterada por la luz resulta la prueba negativa. Aplicando esta sobre un papel sensible a la luz, se obtiene la prueba positiva final o fotografía que conocemos común mente.
TECNICA ESCULTURA
LA ESCULTURA
Para comenzar hay que delimitar y definir el concepto escultura desde el punto artístico. Las ideas que se exponen a continuación no son en absoluto originales ya que son el producto de unas lecturas previas.
Como una finalidad meramente didáctica partiremos del termino plástica que se considera como el arte de modelar, y se refiere en concreto a la manipulación de materiales blandos, modelables por las manos (plastilina, arcilla, porcelanicrom, yeso etc.) y se diferencia del termino escultura, que se utiliza para la manipulación de materiales duros (madera, piedra, metales etc.) manipulados bajo la utilización de herramientas acordes al material intervenido.
Aclarado estos dos conceptos entramos en una ambivalencia conceptual basada en la consideración de que estos son sinónimos en el ámbito cultural. Aun mas existe otro termino que entra en juego y es el de forma el cual esta ligado estrictamente al producto de los dos términos tratados y son susceptibles al sentido del tacto y la vista.
Hemos terminado de definir los conceptos tradicionales cuando nos encontramos que a partir del siglo XX aparecen otras tendencias que nos complican aun mas, ya que en ocasiones en la escultura actual no existe una forma tangible a los sentidos.
Delimitado este paradigma entramos en una breve comentario de la escultura que nos aclarara o nos confundirá mas.
En un principio la escultura no fue un arte libre como la pintura ya que la escultura generalmente hacía parte de la arquitectura. Las más antiguas construcciones estaban destinadas a monumentos funerarios y religiosos. Esto no significa que no existiera una arquitectura destinada para la vivienda, pero si descubrimos que fue mas importante la arquitectura funeraria de los “Dolmenes” y de las pirámides así como la arquitectura religiosa de los templos de Egipto , Mesopotámica, China, India, y de todas las culturas posteriores se hizo frecuente la utilización de elementos escultóricos en sus fachadas o interiores en unos casos en bulto y en otros casos a manera de bajos relieves brindando carácter a los elementos arquitectónicos.
Podemos tomar como punto de partida la estatuaria egipcia, y la escultura en bloque, con base en los cuatro planos descritos (anterior, posterior, y laterales) donde podemos observar lo que se llamo la ley de la frontalidad, luego, podemos mencionar la escultura Griega en la cual predomina la belleza ideal y sobresale una unidad orgánica en las distintas partes o miembros (Diartrosis) la cual abandonando el carácter cúbico de las esculturas Egipcias. Y en esa secuencia histórica por instantes se renuncia a la belleza para dar paso a los cánones religiosos establecidos en la edad media hasta el surgimiento de la razón en el Renacimiento. Que da un ímpetu nuevo al trabajo artístico.
El ímpetu moderno en la escultura lo podemos marcar en el siglo XX, donde la escultura marca una ruptura rotunda con el pasado, en un fenómeno plástico de desarrollo paralelo al experimentado por la pintura. En realidad la pintura y la esculturan aparecen como dos frentes complementarios de una misma búsqueda formal.
Los cambios en la escultura moderna parten de la perdida de las tradiciones técnicas y en la caída en desuso del carácter conmemorativo y celebrativo de estas en el ámbito cultural. La escultura ya no es el vinculo del pensamiento y de la ética, es, una nueva simbología para la expresión escultórica.
En esa nueva búsqueda encontramos algunas manifestaciones que podemos enmarcar en la escultura:
Arte conceptual, Arte corporal, Arte de Acción, Happening, Fluxus, Arte Procesual, Ready–made, Environment, Land art, Arte mecanisita, Acumulación, Arte objetual, Cinética, Contrarelieve, Minimal art, Nuevo realismo, Sofá-esculture, Etc.
Bibliografía
BORRAS, Gonzalo, Introducción general al arte, Editorial Istmo, Madrid, 1994, Pp 139 – 193.
RECASENS, José, Apreciación artística, Editorial Voluntad, Bogota, 1978, Pp 78- 81.
Para comenzar hay que delimitar y definir el concepto escultura desde el punto artístico. Las ideas que se exponen a continuación no son en absoluto originales ya que son el producto de unas lecturas previas.
Como una finalidad meramente didáctica partiremos del termino plástica que se considera como el arte de modelar, y se refiere en concreto a la manipulación de materiales blandos, modelables por las manos (plastilina, arcilla, porcelanicrom, yeso etc.) y se diferencia del termino escultura, que se utiliza para la manipulación de materiales duros (madera, piedra, metales etc.) manipulados bajo la utilización de herramientas acordes al material intervenido.
Aclarado estos dos conceptos entramos en una ambivalencia conceptual basada en la consideración de que estos son sinónimos en el ámbito cultural. Aun mas existe otro termino que entra en juego y es el de forma el cual esta ligado estrictamente al producto de los dos términos tratados y son susceptibles al sentido del tacto y la vista.
Hemos terminado de definir los conceptos tradicionales cuando nos encontramos que a partir del siglo XX aparecen otras tendencias que nos complican aun mas, ya que en ocasiones en la escultura actual no existe una forma tangible a los sentidos.
Delimitado este paradigma entramos en una breve comentario de la escultura que nos aclarara o nos confundirá mas.
En un principio la escultura no fue un arte libre como la pintura ya que la escultura generalmente hacía parte de la arquitectura. Las más antiguas construcciones estaban destinadas a monumentos funerarios y religiosos. Esto no significa que no existiera una arquitectura destinada para la vivienda, pero si descubrimos que fue mas importante la arquitectura funeraria de los “Dolmenes” y de las pirámides así como la arquitectura religiosa de los templos de Egipto , Mesopotámica, China, India, y de todas las culturas posteriores se hizo frecuente la utilización de elementos escultóricos en sus fachadas o interiores en unos casos en bulto y en otros casos a manera de bajos relieves brindando carácter a los elementos arquitectónicos.
Podemos tomar como punto de partida la estatuaria egipcia, y la escultura en bloque, con base en los cuatro planos descritos (anterior, posterior, y laterales) donde podemos observar lo que se llamo la ley de la frontalidad, luego, podemos mencionar la escultura Griega en la cual predomina la belleza ideal y sobresale una unidad orgánica en las distintas partes o miembros (Diartrosis) la cual abandonando el carácter cúbico de las esculturas Egipcias. Y en esa secuencia histórica por instantes se renuncia a la belleza para dar paso a los cánones religiosos establecidos en la edad media hasta el surgimiento de la razón en el Renacimiento. Que da un ímpetu nuevo al trabajo artístico.
El ímpetu moderno en la escultura lo podemos marcar en el siglo XX, donde la escultura marca una ruptura rotunda con el pasado, en un fenómeno plástico de desarrollo paralelo al experimentado por la pintura. En realidad la pintura y la esculturan aparecen como dos frentes complementarios de una misma búsqueda formal.
Los cambios en la escultura moderna parten de la perdida de las tradiciones técnicas y en la caída en desuso del carácter conmemorativo y celebrativo de estas en el ámbito cultural. La escultura ya no es el vinculo del pensamiento y de la ética, es, una nueva simbología para la expresión escultórica.
En esa nueva búsqueda encontramos algunas manifestaciones que podemos enmarcar en la escultura:
Arte conceptual, Arte corporal, Arte de Acción, Happening, Fluxus, Arte Procesual, Ready–made, Environment, Land art, Arte mecanisita, Acumulación, Arte objetual, Cinética, Contrarelieve, Minimal art, Nuevo realismo, Sofá-esculture, Etc.
Bibliografía
BORRAS, Gonzalo, Introducción general al arte, Editorial Istmo, Madrid, 1994, Pp 139 – 193.
RECASENS, José, Apreciación artística, Editorial Voluntad, Bogota, 1978, Pp 78- 81.
TECNICA DE PINTURA EL TEMPLE
RESUMEN HISTORICO DE EL TEMPLE POLIMERO
La conquista mas resiente en el campo de los procedimientos pictóricos la constituyen las resinas sintéticas polimerizadas, que se empezaron a utilizar regularmente en Estados Unidos desde 1950.
Estas resinas no sustituyen a ningún otro aglutinante, como alguien a pretendido decir, sino que constituye una aportación mas al campo de los procedimientos pictóricos, con identidad y características propias.
El desarrollo de las resinas sintéticas como aglutinante nació como consecuencia de una necesidad social. Hacia la década de 1920, un grupo de pintores latinoamericanos, como Orozco, Siqueiros, Rivera, entre otros quisieron pintar grandes murales sobre cemento y al aire libre. Ni el óleo ni el fresco resultaban lo suficiente prácticos ya que necesitaban un material que secara mas rápidamente; este material ya existía en el campo industrial, aunque no se había empleado nunca como aglutinante en la pintura artística.
Así empezó la investigación y la búsqueda de pinturas para uso artístico, y en este sentido se investigo tanto el medio acrílico como el vinílico.
La experimentación continuo en Estados Unidos, donde en los años cincuenta ya se podía encontrar en el mercado pinturas artísticas; en Europa no se difundieron hasta los años sesenta. Muchos artistas pintores las han adoptado como un procedimiento preferido.
EL TEMPL,E POLIMERO
Es la pintura cuyo aglutinante esta constituido por una emulsión acuosa de un plástico ( sustancia hoy totalmente sintética, cuya principal cualidad es la plasticidad. Los primeros plásticos fueron obtenidos a partir de productos naturales como el celuloide, de la celulosa en 1869; el caucho, de un látex vegetal, mientras que actualmente son totalmente sintéticos, obtenidos de hidrocarburos por sisaseis química. La industria ofrece una gama extensisima de estos productos de múltiples aplicaciones, desde fibras textiles, colas adhesivas y pinturas de toda clase de objetos.)estos plásticos son de un alto grado de proliferación (la proliferación es el proceso químico en el que se unen unas moléculas llamadas monomeros de la misma clase, formando otras moléculas mas grandes ,estas macromoléculas reciben el nombre de polímeros – poli > muchos –meros >partes). De aquí procede el nombre de temple polímero.
Al escarce el aglutinante, es decir, al evaporarce el agua o el liquido que mantiene en suspención las partículas de plástico, estas se juntan formando una capa de piel continua, transparente y resistente al agua.
Así pues, cuando decimos plástico nos estamos refiriendo al nombre genérico de unas resinas sintéticas polimerizadas.
Algunas de estas resinas sintéticas se presentan en estado de dispersión (liquidas), a manera de colas y aglutinantes, aptas para mezclarles pigmentos y constituir las llamadas vulgarmente pinturas plásticas.
Desde el año 1948 se a producido un desarrollo continuado de estos aglutinantes en todos los campos, especialmente en el de la pintura, en donde se utilizan sobre todo los vinílicos y los acrílicos; no obstante, la pintura industrial el numero de estos materiales es mas extenso. ( tengamos en cuenta que fuera de las dispersiones acuosas, existen también las disoluciones que tienen por diluyente el aguarrás. En el campo industrial es quizá donde mas se utilizan estas resinas, a manera de ligantes, tanto para pinturas como para barnices, como las resinas alquímicas y de poliester, así como las acrílicas, las aminicas, las fenólicas las apoxi Etc.)
Algunos pintores, por desconocimiento, llaman acrílica a cualquier pintura de este tipo.
El AGLUTINANTE VINILICO
El acetato de polivinilo (PVA), o poliacetato de vinilo, es una dispersión blanca y lechosa, vulgarmente llamada látex sintético, (El verdadero látex natural es el jugo lechoso de algunos vegetales que circulan por los vasos lacticiferos y que fluye de las heridas o incisiones producidas en el tronco de estas plantas. Su composición es compleja, y, según la especie de que se trate, se consiguen sustancias tan diversas como el caucho, la gutapercha, Etc., sus mejores propiedades son la elasticidad y la consistencia.) esta sustancia se puede utilizar como aglutinante y que admite el agua como diluyente. Su precio relativamente económico hace que sea muy utilizado para pinturas de corta duración, como la de los anuncios publicitarios, Etc.(muchas de las colas que hoy ofrece el mercado bajo nombres distintos son, en el fondo, vinílicas, como la “cola blanca o colbon” que usan los carpinteros.)
EL AGLUTINANTE ACRILICO
Otro aglutinante es la emulsión de acrilato ( o polímero acrílico). Es igualmente de color blanco lechoso y posee una gran dureza y resistencia, sobre todo para exteriores, más que los propios vinílicos.
Los pigmentos que se pueden utilizar con estos aglutinantes son los mismos que se utilizan para temples y óleo en general; sin embargo, deben emplearce el blanco de titanio, ya que los otros blancos no son del todo compatibles con la naturaleza alcalina del medio polímero.
Los establecimientos especializados proporcionan pinturas ya preparadas con estos aglutinantes, así como también otros accesorios y aditivos- unos mas útiles que otros -, unos para retardar o acelerar el secado según el gusto del artista.
SOPORTES
Como soporte puede utilizarce: papel, cartón, lienzo, tabla, muro ,Etc. Ha de ser limpio, exento de grasa y bien seco. Se puede preparar de manera acostumbrada o también aplicándole una mano de látex rebajado o alguno de los subproductos existentes como el tapaporos, el gesso Etc. Procurando siempre no impermeabilizar la superficie.
BIBLIOGRAFIA
Pedrola, ANTONI, Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Ed Ariel Patrimonio Histórico, Barcelona , 1998, Pp137 –141.
La conquista mas resiente en el campo de los procedimientos pictóricos la constituyen las resinas sintéticas polimerizadas, que se empezaron a utilizar regularmente en Estados Unidos desde 1950.
Estas resinas no sustituyen a ningún otro aglutinante, como alguien a pretendido decir, sino que constituye una aportación mas al campo de los procedimientos pictóricos, con identidad y características propias.
El desarrollo de las resinas sintéticas como aglutinante nació como consecuencia de una necesidad social. Hacia la década de 1920, un grupo de pintores latinoamericanos, como Orozco, Siqueiros, Rivera, entre otros quisieron pintar grandes murales sobre cemento y al aire libre. Ni el óleo ni el fresco resultaban lo suficiente prácticos ya que necesitaban un material que secara mas rápidamente; este material ya existía en el campo industrial, aunque no se había empleado nunca como aglutinante en la pintura artística.
Así empezó la investigación y la búsqueda de pinturas para uso artístico, y en este sentido se investigo tanto el medio acrílico como el vinílico.
La experimentación continuo en Estados Unidos, donde en los años cincuenta ya se podía encontrar en el mercado pinturas artísticas; en Europa no se difundieron hasta los años sesenta. Muchos artistas pintores las han adoptado como un procedimiento preferido.
EL TEMPL,E POLIMERO
Es la pintura cuyo aglutinante esta constituido por una emulsión acuosa de un plástico ( sustancia hoy totalmente sintética, cuya principal cualidad es la plasticidad. Los primeros plásticos fueron obtenidos a partir de productos naturales como el celuloide, de la celulosa en 1869; el caucho, de un látex vegetal, mientras que actualmente son totalmente sintéticos, obtenidos de hidrocarburos por sisaseis química. La industria ofrece una gama extensisima de estos productos de múltiples aplicaciones, desde fibras textiles, colas adhesivas y pinturas de toda clase de objetos.)estos plásticos son de un alto grado de proliferación (la proliferación es el proceso químico en el que se unen unas moléculas llamadas monomeros de la misma clase, formando otras moléculas mas grandes ,estas macromoléculas reciben el nombre de polímeros – poli > muchos –meros >partes). De aquí procede el nombre de temple polímero.
Al escarce el aglutinante, es decir, al evaporarce el agua o el liquido que mantiene en suspención las partículas de plástico, estas se juntan formando una capa de piel continua, transparente y resistente al agua.
Así pues, cuando decimos plástico nos estamos refiriendo al nombre genérico de unas resinas sintéticas polimerizadas.
Algunas de estas resinas sintéticas se presentan en estado de dispersión (liquidas), a manera de colas y aglutinantes, aptas para mezclarles pigmentos y constituir las llamadas vulgarmente pinturas plásticas.
Desde el año 1948 se a producido un desarrollo continuado de estos aglutinantes en todos los campos, especialmente en el de la pintura, en donde se utilizan sobre todo los vinílicos y los acrílicos; no obstante, la pintura industrial el numero de estos materiales es mas extenso. ( tengamos en cuenta que fuera de las dispersiones acuosas, existen también las disoluciones que tienen por diluyente el aguarrás. En el campo industrial es quizá donde mas se utilizan estas resinas, a manera de ligantes, tanto para pinturas como para barnices, como las resinas alquímicas y de poliester, así como las acrílicas, las aminicas, las fenólicas las apoxi Etc.)
Algunos pintores, por desconocimiento, llaman acrílica a cualquier pintura de este tipo.
El AGLUTINANTE VINILICO
El acetato de polivinilo (PVA), o poliacetato de vinilo, es una dispersión blanca y lechosa, vulgarmente llamada látex sintético, (El verdadero látex natural es el jugo lechoso de algunos vegetales que circulan por los vasos lacticiferos y que fluye de las heridas o incisiones producidas en el tronco de estas plantas. Su composición es compleja, y, según la especie de que se trate, se consiguen sustancias tan diversas como el caucho, la gutapercha, Etc., sus mejores propiedades son la elasticidad y la consistencia.) esta sustancia se puede utilizar como aglutinante y que admite el agua como diluyente. Su precio relativamente económico hace que sea muy utilizado para pinturas de corta duración, como la de los anuncios publicitarios, Etc.(muchas de las colas que hoy ofrece el mercado bajo nombres distintos son, en el fondo, vinílicas, como la “cola blanca o colbon” que usan los carpinteros.)
EL AGLUTINANTE ACRILICO
Otro aglutinante es la emulsión de acrilato ( o polímero acrílico). Es igualmente de color blanco lechoso y posee una gran dureza y resistencia, sobre todo para exteriores, más que los propios vinílicos.
Los pigmentos que se pueden utilizar con estos aglutinantes son los mismos que se utilizan para temples y óleo en general; sin embargo, deben emplearce el blanco de titanio, ya que los otros blancos no son del todo compatibles con la naturaleza alcalina del medio polímero.
Los establecimientos especializados proporcionan pinturas ya preparadas con estos aglutinantes, así como también otros accesorios y aditivos- unos mas útiles que otros -, unos para retardar o acelerar el secado según el gusto del artista.
SOPORTES
Como soporte puede utilizarce: papel, cartón, lienzo, tabla, muro ,Etc. Ha de ser limpio, exento de grasa y bien seco. Se puede preparar de manera acostumbrada o también aplicándole una mano de látex rebajado o alguno de los subproductos existentes como el tapaporos, el gesso Etc. Procurando siempre no impermeabilizar la superficie.
BIBLIOGRAFIA
Pedrola, ANTONI, Materiales, procedimientos y técnicas pictóricas, Ed Ariel Patrimonio Histórico, Barcelona , 1998, Pp137 –141.
ARTES GRAFICAS
Serigrafía
Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.
En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida en Bogotá 1932 por Guillermo Jaramillo. Pintor aficionado, monto su primera empresa para realizar vallas y carteles. La llamo Gráficas Jaramillo. Por encargo realizaba todo tipo de publicidad impresa y llego a tener 40 operarios De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.
La serigrafía como técnica artística en Colombia tubo su gran empuje a través del diseñador David Consuegra y Juan Antonio Roda ya que el primero cuando regreso al país procedente de Estados Unidos, Consuegra recibe una invitación del decano de Arquitectura de la Universidad de los Andes para organizar una escuela de diseño gráfico. Infortunadamente, la iniciativa no se llevo a cavo, pero en su efecto recibió la invitación de Juan Antonio Roda como director de la Escuela de Bellas Artes del mencionado centro educativo para ser profesor de procedimientos de grabado.
Se han mencionado hasta ahora algunos antecedentes aislados que activaron la gráfica serigrafía en el país, el único antecedente directo, es decir artístico, lo constituyen tres trabajos hechos por Enrique Grau en Nueva York, durante su estadía de 1941 a 1943. Como alumno del Art. Students League, el artista cartagenero se inicio en la serigrafía con dos ensayos ”Yellow nude y Green Nude”.
El periodo de 1970 – 1974 corresponde a la primera etapa de la historia de la serigrafía en Colombia, esta comienza con una exposición internacional dedicada a la gráfica: la bienal del Grabado Latinoamericano, en San Juan de Puerto Rico, y la Exposición Panamericana de Artes Gráficas, germen de la futura Bienal organizada por el Museo La Tertulia en Cali, es así como nace un gran interés en Colombia por tal manifestación artística.
En la segunda etapa, con la información de los talleres editores, el uso de la serigrafía se amplia; muchos artistas que no se avían interesado en los primeros años justamente por no disponer de elementos adecuados, encuentran en las casa editoras un mecanismo que les permite realizar trabajos serigraficos sin asumir personalmente el proceso de estampación. Esta misma características presenta en los últimos años de la década 1970- 1980.
El ritmo acelerado del aprendizaje y difusión de la estampación esta marcado por algunas circunstancias favorables y hechos históricos que convulsionaron al país en su momento (económicos, sociales y políticos).
El proceso de la serigrafía esta estrechamente relacionado con la técnica del estarcido. Ya que el proceso esta mediado por la fabricación de un clisé que permite el paso de la pintura a través de una seda de tramado fino, la pintura es aplicada a partir de una rasqueta o peine que porta una lamina de plástica que arrastra de manera uniforme la pintura. De esta manera se obtiene el producto final o estampación.
BIBLIOGRAFIA
Iriarte, Maria Elvira, Historia de la serigrafía en Colombia, Ed. Universidad Nacional De Colombia, 1986, Bogotá.
Procedimiento de impresión utilizado para realizar reproducciones de arte o anuncios publicitarios sobre papel, madera, muro, vidrio, o tela, el cual consiste en filtrar los colores a través de una trama de una seda o plantilla.
En Colombia fue introducida la técnica y maquinaria industrial a mediados de 1920 para generar la publicidad de la Nacional de Chocolates y de Tabaco, que luego fue puesta en venta y adquirida en Bogotá 1932 por Guillermo Jaramillo. Pintor aficionado, monto su primera empresa para realizar vallas y carteles. La llamo Gráficas Jaramillo. Por encargo realizaba todo tipo de publicidad impresa y llego a tener 40 operarios De esta manera la técnica se fue expandiendo por todo el país bajo un concepto industrial, hasta el ingreso de nuevos conceptos teóricos artísticos sobre el Pop Art y el arte contestatario de gran trasfondo político.
La serigrafía como técnica artística en Colombia tubo su gran empuje a través del diseñador David Consuegra y Juan Antonio Roda ya que el primero cuando regreso al país procedente de Estados Unidos, Consuegra recibe una invitación del decano de Arquitectura de la Universidad de los Andes para organizar una escuela de diseño gráfico. Infortunadamente, la iniciativa no se llevo a cavo, pero en su efecto recibió la invitación de Juan Antonio Roda como director de la Escuela de Bellas Artes del mencionado centro educativo para ser profesor de procedimientos de grabado.
Se han mencionado hasta ahora algunos antecedentes aislados que activaron la gráfica serigrafía en el país, el único antecedente directo, es decir artístico, lo constituyen tres trabajos hechos por Enrique Grau en Nueva York, durante su estadía de 1941 a 1943. Como alumno del Art. Students League, el artista cartagenero se inicio en la serigrafía con dos ensayos ”Yellow nude y Green Nude”.
El periodo de 1970 – 1974 corresponde a la primera etapa de la historia de la serigrafía en Colombia, esta comienza con una exposición internacional dedicada a la gráfica: la bienal del Grabado Latinoamericano, en San Juan de Puerto Rico, y la Exposición Panamericana de Artes Gráficas, germen de la futura Bienal organizada por el Museo La Tertulia en Cali, es así como nace un gran interés en Colombia por tal manifestación artística.
En la segunda etapa, con la información de los talleres editores, el uso de la serigrafía se amplia; muchos artistas que no se avían interesado en los primeros años justamente por no disponer de elementos adecuados, encuentran en las casa editoras un mecanismo que les permite realizar trabajos serigraficos sin asumir personalmente el proceso de estampación. Esta misma características presenta en los últimos años de la década 1970- 1980.
El ritmo acelerado del aprendizaje y difusión de la estampación esta marcado por algunas circunstancias favorables y hechos históricos que convulsionaron al país en su momento (económicos, sociales y políticos).
El proceso de la serigrafía esta estrechamente relacionado con la técnica del estarcido. Ya que el proceso esta mediado por la fabricación de un clisé que permite el paso de la pintura a través de una seda de tramado fino, la pintura es aplicada a partir de una rasqueta o peine que porta una lamina de plástica que arrastra de manera uniforme la pintura. De esta manera se obtiene el producto final o estampación.
BIBLIOGRAFIA
Iriarte, Maria Elvira, Historia de la serigrafía en Colombia, Ed. Universidad Nacional De Colombia, 1986, Bogotá.
TECNICA ARTES GRAFICAS
Marco teórico Artes Gráficas
Lo impreso es algo que puede ser visto como empresa, ya que son multitud de usos los que pueden ser percibidos con nuestros ojos, sin tener en cuenta la multitud de formas de impresión.
Si miramos des de el hombre y su historia impresa, los primeros ensayos hechos por el hombre para tratar de tener un elemento visual de su vida data de hace 30000 años, todos ellos llamados Pictogramas y seguidos de los ideogramas, los cuiniformes Persas, los jeroglíficos Egipcios, y diez siglos después por la escritura de los Fenicios.
La evidencia del primer ejemplo de impresión por medio de tipos móviles fue descubierta en 1908 por un arqueólogo Italiano en la isla de Creta. El encontró un cilindro de arcilla en las ruinas del palacio de Faistos que data del año 1500 a.C.
La impresión de tipos móviles apareció en China y en Corea en el siglo XI. En 1041, un chino Pi-Sheng, desarrollo caracteres de arcilla endurecida. No tuvieron completo éxito. Luego en Corea se desarrollo un tipo de móviles fundidos en bronce que se utilizaron ampliamente también en China. Hasta que apareció el sistema de Johann Gutenberg de caracteres separados para la impresión con tinta en papel a partir de una prensa. Algunos consideran que este es el fin de la edad media y el inicio de la edad moderna.
A partir de ese momento hasta nuestros días a existido un cambio radical en el modo de transferir la imagen al papel a través de la prensa y de esta manera podemos clasificarlo en cuatro tipos:
1- Imprenta
2- Litografía
3- Serigrafía
4- Huecograbado
1- Imprenta:
Es el más antiguo y el más versátil de los métodos de impresión existiendo equipos para tirajes cortos, medianos y largos: es utilizado común mente para el tiraje de libros, periódicos, revistas, etiquetas y decoraciones.
La imprenta imprime por medio de relieve, es el único proceso que utiliza tipo de imprenta directa. la impresión se hace a partir de una plancha fundida donde las áreas de impresión están en relieve sobre la superficie. Para este tipo de impresiones existen diferente tipo de prensas: prensa de platina, prensa de cama y cilindro y la rotativa.
2- Litografía:
El principio básico de la litografía es escribir en piedra, fue descubierto `por Alois Senefelder en Munich alrededor de 1798, trabajando sobre una piedra muy porosa, se dibuja el diseño con una sustancia grasosa la cual es absorbida por la piedra, luego se moja toda la superficie de la piedra, absorbiendo esta en las partes no dibujadas mientras que las otras la repelen, luego se esparce la tinta sobre la superficie y se nota que esta solo se adhiere sobre la superficie dibujada, luego de este proceso se utiliza la prensa para la impresión. A partir de este proceso se deriva el de Litografía Offset, consiste en el mismo método anterior pero sobre láminas de metal, es hoy día el más empleado.
3- Serigrafía:
Conocido inicialmente como Silk Screen (malla de seda) este método emplea un estencil poroso. Una malla fina de seda, montada en un marco en la cual se realiza la imagen o en su efecto se hace un clisé en cartón para ser estampado después de aplicar tinta sobre este y ser esparcido con una banda de caucho o rasqueta. Es muy utilizado en la estampación de ropa, afiches, pasacalles etc.
4- Huecograbado
Mientras en la imprenta y en la tipografía se imprime la parte superior en este tipo de técnica lo que se imprime es el hueco previamente entintado, este se desarrolla sobre laminas de metal, madera o acrílicos que son intervenidos de manera manual o por la acción de químicos abrasivos que realizan la incisión necesaria, estos toman diferentes nombres: aguafuerte, aguatinta, punta seca, linóleo, xilograbado, impresión indirecta, monotipo. Etc.
· Monotipo:
Se considera monotipo, el resultado de una matriz que no permite una serie o tiraje consecutivo, pero si un original o varios con diferentes resultados. Dentro de este tipo de copias podemos ubicar las pruebas de estado (P/E) o las pruebas de autor (P/A).
· Impresión indirecta:
Se considera impresión indirecta, el resultado obtenido después de transferir una imagen ya impresa por medio de disolventes sobre otra superficie deseada.
· Xilograbado:
Se considera xilograbado, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de madera. El procedimiento es censillo, si partimos de una zona ennegrecida sobre la superficie de madera y retiramos partes formando huecos con una herramienta corto punzante, construiremos a manera de dibujo las partes blancas de la imagen, la matriz de madera es entintada de manera superficial para realizar la impresión gráfica.
· Linóleo:
Se considera linóleo, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de un material sintético con el que se fabrican suelas para zapato. Se desarrolla el mismo procedimiento del xilograbado pero la impresión es de diferente calidad ya que este no posee texturas de tramas como el existente en la madera. El proceso mas cercano o idéntico a este proceso grafico son los sellos de las diferentes oficinas.
· Punta seca:
Se considera Punta seca, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal o lamina sintética. El procedimiento esta estrechamente relacionado con el rasgar, ya que la superficie es presionada por medio de un punzón que retira levemente el material de la superficie a lado y lado de la incisión, el material sobrante del procedimiento, de esta manera se deja impresa la imagen deseada sobre la matriz. Para desarrollar la impresión grafica; se esparce pintura dentro de las incisiones y se elimina el exceso de pintura existente sobre la superficie que luego es impresa sobre un soporte de papel por medio de una prensa de torniquete.
· Aguafuerte:
Se considera aguafuerte, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal (hierro, cobre, cinc). En el proceso de fabricación de la matriz son empleados asidos abrasivos que retiran el material para dejar la incisión requerida para representar la imagen. Nota: el mismo proceso se desarrolla para el aguatinta. Para desarrollar la impresión se desarrolla el mismo procedimiento empleado en la punta seca.
Como dijimos antes el grabado a existido desde que existe el hombre pero debemos destacar algunos grabadores en la historia del arte:
Juan Van Eyck, Aldo Manucio, Durero, Francesco Mazzuoli, Rafael, Rembrandt, Goya. Etc.
Lo impreso es algo que puede ser visto como empresa, ya que son multitud de usos los que pueden ser percibidos con nuestros ojos, sin tener en cuenta la multitud de formas de impresión.
Si miramos des de el hombre y su historia impresa, los primeros ensayos hechos por el hombre para tratar de tener un elemento visual de su vida data de hace 30000 años, todos ellos llamados Pictogramas y seguidos de los ideogramas, los cuiniformes Persas, los jeroglíficos Egipcios, y diez siglos después por la escritura de los Fenicios.
La evidencia del primer ejemplo de impresión por medio de tipos móviles fue descubierta en 1908 por un arqueólogo Italiano en la isla de Creta. El encontró un cilindro de arcilla en las ruinas del palacio de Faistos que data del año 1500 a.C.
La impresión de tipos móviles apareció en China y en Corea en el siglo XI. En 1041, un chino Pi-Sheng, desarrollo caracteres de arcilla endurecida. No tuvieron completo éxito. Luego en Corea se desarrollo un tipo de móviles fundidos en bronce que se utilizaron ampliamente también en China. Hasta que apareció el sistema de Johann Gutenberg de caracteres separados para la impresión con tinta en papel a partir de una prensa. Algunos consideran que este es el fin de la edad media y el inicio de la edad moderna.
A partir de ese momento hasta nuestros días a existido un cambio radical en el modo de transferir la imagen al papel a través de la prensa y de esta manera podemos clasificarlo en cuatro tipos:
1- Imprenta
2- Litografía
3- Serigrafía
4- Huecograbado
1- Imprenta:
Es el más antiguo y el más versátil de los métodos de impresión existiendo equipos para tirajes cortos, medianos y largos: es utilizado común mente para el tiraje de libros, periódicos, revistas, etiquetas y decoraciones.
La imprenta imprime por medio de relieve, es el único proceso que utiliza tipo de imprenta directa. la impresión se hace a partir de una plancha fundida donde las áreas de impresión están en relieve sobre la superficie. Para este tipo de impresiones existen diferente tipo de prensas: prensa de platina, prensa de cama y cilindro y la rotativa.
2- Litografía:
El principio básico de la litografía es escribir en piedra, fue descubierto `por Alois Senefelder en Munich alrededor de 1798, trabajando sobre una piedra muy porosa, se dibuja el diseño con una sustancia grasosa la cual es absorbida por la piedra, luego se moja toda la superficie de la piedra, absorbiendo esta en las partes no dibujadas mientras que las otras la repelen, luego se esparce la tinta sobre la superficie y se nota que esta solo se adhiere sobre la superficie dibujada, luego de este proceso se utiliza la prensa para la impresión. A partir de este proceso se deriva el de Litografía Offset, consiste en el mismo método anterior pero sobre láminas de metal, es hoy día el más empleado.
3- Serigrafía:
Conocido inicialmente como Silk Screen (malla de seda) este método emplea un estencil poroso. Una malla fina de seda, montada en un marco en la cual se realiza la imagen o en su efecto se hace un clisé en cartón para ser estampado después de aplicar tinta sobre este y ser esparcido con una banda de caucho o rasqueta. Es muy utilizado en la estampación de ropa, afiches, pasacalles etc.
4- Huecograbado
Mientras en la imprenta y en la tipografía se imprime la parte superior en este tipo de técnica lo que se imprime es el hueco previamente entintado, este se desarrolla sobre laminas de metal, madera o acrílicos que son intervenidos de manera manual o por la acción de químicos abrasivos que realizan la incisión necesaria, estos toman diferentes nombres: aguafuerte, aguatinta, punta seca, linóleo, xilograbado, impresión indirecta, monotipo. Etc.
· Monotipo:
Se considera monotipo, el resultado de una matriz que no permite una serie o tiraje consecutivo, pero si un original o varios con diferentes resultados. Dentro de este tipo de copias podemos ubicar las pruebas de estado (P/E) o las pruebas de autor (P/A).
· Impresión indirecta:
Se considera impresión indirecta, el resultado obtenido después de transferir una imagen ya impresa por medio de disolventes sobre otra superficie deseada.
· Xilograbado:
Se considera xilograbado, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de madera. El procedimiento es censillo, si partimos de una zona ennegrecida sobre la superficie de madera y retiramos partes formando huecos con una herramienta corto punzante, construiremos a manera de dibujo las partes blancas de la imagen, la matriz de madera es entintada de manera superficial para realizar la impresión gráfica.
· Linóleo:
Se considera linóleo, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de un material sintético con el que se fabrican suelas para zapato. Se desarrolla el mismo procedimiento del xilograbado pero la impresión es de diferente calidad ya que este no posee texturas de tramas como el existente en la madera. El proceso mas cercano o idéntico a este proceso grafico son los sellos de las diferentes oficinas.
· Punta seca:
Se considera Punta seca, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal o lamina sintética. El procedimiento esta estrechamente relacionado con el rasgar, ya que la superficie es presionada por medio de un punzón que retira levemente el material de la superficie a lado y lado de la incisión, el material sobrante del procedimiento, de esta manera se deja impresa la imagen deseada sobre la matriz. Para desarrollar la impresión grafica; se esparce pintura dentro de las incisiones y se elimina el exceso de pintura existente sobre la superficie que luego es impresa sobre un soporte de papel por medio de una prensa de torniquete.
· Aguafuerte:
Se considera aguafuerte, el resultado obtenido de manera grafica después de emplear una matriz de metal (hierro, cobre, cinc). En el proceso de fabricación de la matriz son empleados asidos abrasivos que retiran el material para dejar la incisión requerida para representar la imagen. Nota: el mismo proceso se desarrolla para el aguatinta. Para desarrollar la impresión se desarrolla el mismo procedimiento empleado en la punta seca.
Como dijimos antes el grabado a existido desde que existe el hombre pero debemos destacar algunos grabadores en la historia del arte:
Juan Van Eyck, Aldo Manucio, Durero, Francesco Mazzuoli, Rafael, Rembrandt, Goya. Etc.
TECNICA DE DIBUJO A LA TINTA
TECNICA DE DIBUJO A LA TINTA
En un sentido literal tinta es todo elemento colorante que tiñe una superficie. En el mercado existen un sin numero de materiales que cumplen tal objetivo de los cuales podemos mencionar: lapiceros, estilógrafos, tinta china, y además debemos incluir todos los materiales orgánicos que manchan cualquier tipo de superficie.
La mas mencionada en el mercado del arte es la tinta china, liquido resinoso extraído mediante la combustión de algunos arbustos, que permite un sin numero de tratamientos técnicos para la ejecución de obras artísticas.
El tratamiento gráfico más cotidiano es el lineal, que se ejecuta a partir de un instrumento conocido como plumilla (punta metálica con diferentes formas y durezas con una extensión) la cual permite una gran elaboración de trazos y valoraciones tonales al fluir la tinta sobre la superficie.
La plumilla permite un trazo continuo e uniforme por lo que su uso se hace indispensable en el dibujo a línea en tinta. El trazo realizado con plumilla puede ser entrecortado o bien continuo, teniendo que recargar la pluma de tinta cuando esta se haya agotado.
El dibujo realizado con plumilla dura podrá ser reemplazado por el estilografo o por su efecto el lapicero de uso cotidiano.
Las degradaciones tonales están determinadas en unos casos por el entramado de líneas o por la saturación de la tinta.
Pero se debe mencionar que existe otro tipo de técnica, que parte de la utilización de pinceles, donde la tinta impresa logra diferente calidad de grises al disolverce en su vehículo dispersor.
La técnica de la aguada posee elementos pictóricos pero se encuentra mas cerca del dibujo ya que posee elementos monocromáticos durante su ejecución, es decir un solo tinte.
La aguada parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza de menos a mas, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros sean los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo es de suma importancia dejar establecido desde un primer momento cual va a ser la principal zona de trabajo en el dibujo; para de esta forma poder medir con exactitud que tonalidades de grises corresponden a cada zona.
El método más sencillo realizar boceto a lápiz y luego determinar los tonos por zonas y realizar reservas de blancos con pegaucho y en caso de equivocare utilizar papel absorbente en las zonas húmedas resientes.
En nuestra materia practicaremos la técnica de la tinta así:
· Los elementos lineales a partir de la utilización del lapicero de tinta negra o en su efecto azul.
· La aguada será trabajada a partir de la tinta del café instantáneo
BIBLIOGRAFIA
Parramon, Manual de Dibujo, 1996, Ed Parramon Pp 58-59, 70-75, 84-87
En un sentido literal tinta es todo elemento colorante que tiñe una superficie. En el mercado existen un sin numero de materiales que cumplen tal objetivo de los cuales podemos mencionar: lapiceros, estilógrafos, tinta china, y además debemos incluir todos los materiales orgánicos que manchan cualquier tipo de superficie.
La mas mencionada en el mercado del arte es la tinta china, liquido resinoso extraído mediante la combustión de algunos arbustos, que permite un sin numero de tratamientos técnicos para la ejecución de obras artísticas.
El tratamiento gráfico más cotidiano es el lineal, que se ejecuta a partir de un instrumento conocido como plumilla (punta metálica con diferentes formas y durezas con una extensión) la cual permite una gran elaboración de trazos y valoraciones tonales al fluir la tinta sobre la superficie.
La plumilla permite un trazo continuo e uniforme por lo que su uso se hace indispensable en el dibujo a línea en tinta. El trazo realizado con plumilla puede ser entrecortado o bien continuo, teniendo que recargar la pluma de tinta cuando esta se haya agotado.
El dibujo realizado con plumilla dura podrá ser reemplazado por el estilografo o por su efecto el lapicero de uso cotidiano.
Las degradaciones tonales están determinadas en unos casos por el entramado de líneas o por la saturación de la tinta.
Pero se debe mencionar que existe otro tipo de técnica, que parte de la utilización de pinceles, donde la tinta impresa logra diferente calidad de grises al disolverce en su vehículo dispersor.
La técnica de la aguada posee elementos pictóricos pero se encuentra mas cerca del dibujo ya que posee elementos monocromáticos durante su ejecución, es decir un solo tinte.
La aguada parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza de menos a mas, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros sean los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo es de suma importancia dejar establecido desde un primer momento cual va a ser la principal zona de trabajo en el dibujo; para de esta forma poder medir con exactitud que tonalidades de grises corresponden a cada zona.
El método más sencillo realizar boceto a lápiz y luego determinar los tonos por zonas y realizar reservas de blancos con pegaucho y en caso de equivocare utilizar papel absorbente en las zonas húmedas resientes.
En nuestra materia practicaremos la técnica de la tinta así:
· Los elementos lineales a partir de la utilización del lapicero de tinta negra o en su efecto azul.
· La aguada será trabajada a partir de la tinta del café instantáneo
BIBLIOGRAFIA
Parramon, Manual de Dibujo, 1996, Ed Parramon Pp 58-59, 70-75, 84-87
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