HISTORIA ARTE MODERNO

¿HACIA DONDE VA EL ARTE?

¿Hacia donde va el arte? ¿Cuáles son las tendencias artísticas del siglo XXI? Los conceptos de uno de los críticos de arte mas calificados de Hispanoamérica. Su visión de perspectiva sobre las tendencias y corrientes contemporáneas.

Por Leonel Estrada
Para muchos amantes de la cultura, la única salvación que le queda al arte actual es un regreso a lo de antes. Volver a lo académico, al realismo y ante todo, despojarlo de sofisticamientos y de experimentaciones. Sin embargo, es bien distinto lo que piensa la mayoría de los artistas y creadores del mundo actual. Los constantes avances científicos y tecnológicos, el lógico evolucionar del gusto y de las modas, el distinto funcionamiento de la sociedad obligan a aceptar que estos hechos tienen que seguir influyendo en los constantes cambios que van a continuar revelando en actitudes diferentes ante él hecho estético.

Con la llegada en 1860 del Impresionismo se rompe con el tradicional concepto del cuadro como ”ventana abierta hacia el horizonte” y se inicia también las corrientes modernas que dan rienda suelta a la creatividad hasta producir un hastío que hace pensar, unos años mas tarde, en “ la muerte del arte”. Pero en verdad, no se sucede tal muerte y por el contrario, el ambiente del siglo XX esa de apertura y de búsqueda. Al comenzar el año 1900 toman fuerza además del Impresionismo, el Expresionismo y el Fauvismo. Siguieron a estos el Cubismo, el Futurismo y el Surrealismo, prácticamente estos movimientos fueron los que rompieron con la pintura académica y realista. Aparece luego el Arte Abstracto y sobre una nueva autopista para toda clase de libertades: el Geometrismo, el Tachismo, el Espacialismo, la pintura Matérica, y el Antiarte.

Pero las mayores empresas se suceden después de 1950. Surge el Antiarte, el Sonocinetismo y lo menos esperado, el Pop Art o arte de la sociedad de consumo que incorpora el arte comercial, lo urbano, las etiquetas de los supermercados, Etc. Posteriormente llegan los Happenings, el Arte Blando y el Arte de Borde Duro. Comenzando el año 1960, las revoluciones artísticas llegan a su acmé. Surgen aportes del cine, de las tiras cómicas, de la publicidad, etc. Los nuevos descubrimientos como la televisión, el vídeo, los escaners, los CDR, el fax, las multicopiadoras favorecen la inventiva y permiten realizar búsquedas que se relacionan con otras artes como la música, la poesía, la danza. Pero la marcha no se detiene, aparece el Arte Antimuseo, el Arte Corporal o Body Art, el Arte de Ideas, conocido como Arte Conceptual. Ya a finales del siglo XX aparecen el Deconstructivismo, el llamado Aperto 90, el Kalte Kunst o Arte Frío, el Arte Global, las Instalaciones, y los Espacios Poéticos, que son escenarios en que se combina la realidad con la ficción, lo objetivo con lo simulado, mas todas las tendencias y experiencias del momento. El panorama sigue cambiando y esto lo revelan eventos importantes como las bienales de Venecia con sus cien años de existencia, la de Florencia, la de Sao Paulo y la de Kassel en Alemania. Precisamente en esta ultima y a propósito de la pasada XI Documenta de Kassel del 2002 se opero un desconcertante cambio de orientación que fue de impacto. Su director, el nigeriano Okwui Enwezor, abrió todas las fronteras de la plástica y permitió pasar lo estético a un segundo plano para, en cambio, generar ideas y preguntas. Los 118 artistas participantes en ella no se preocuparon ni de soportes ni de medios plásticos. Se debatieron temas como la contaminación ambiental, la recuperación ecológica, la economía y otros asuntos tan extraños como la ética y la justicia social a través de la radio, la televisión y el teatro. Asuntos muy ajenos a la plástica que exigieron un público más sensibilizado y preparado. Pero aún estas ideas y planteamientos no resultaron nuevos. Ya los dadaístas en 1918 y más tarde los creadores de arte conceptual desde mediados del siglo XX, habían buscado desmaterializar el arte y acabar con las obras originales que se llevaban a los museos, a las galerías o las casas de los coleccionistas. Precisamente en la propia Alemania surgió a mediados de los 70 un soñador y visionario romántico, a la vez que reformador radical, Joseph Beuys quien buscó transformar el arte en conceptos sociológicos, en ideas políticas, en sentires. En nuestro continente americano, en la Argentina, también surge un artista que se atreve a realizar “intervenciones territoriales” Horacio Zabala es quien altera en mapas geográficos las fronteras soberanas de los países y hasta desvirtúa la extensión y el cubrimiento de los mares.

Imposible predecir que más puede venir ahora después del 2004. El hombre, el artista del siglo XXI (como lo hicieron en el siglo XX Picasso, Duchamp, Joseph Beuys, Christo Javacheff, Andy Warhol, etc.) continuará creando y muchos seguirán afirmando que el arte es “solo una simple huella en la arena del desierto”. La creatividad humana ayudada por la ciencia y con el aporte de los hemisferios cerebrales, seguirá produciendo inimaginables resultados y de esta manera cada país estará desarrollando su propia y original cultura: la cultura del siglo XXI.

BIBLIOGRAFÍA
ESTRADA, Leonel. El arte en el siglo XXII. El Colombiano, suplemento dominical, febrero 22 del 2004. PP 2, 3.

IMPRESIONISMO Y POS- IMPRESIONISMO

Otro gran sentimiento se llena en los corazones y es ¿cuándo empieza el arte moderno? ¿cuándo empieza a sentirce el bello aroma de nuestra época llena de cambios y adelantos en todos los ámbitos?

Podemos determinar a partir de la lectura de diferentes textos que ese momento es en el siglo XIX, ¿conque se da comienzo? O ¿conque obra representativa podemos dar ese comienzo? Creo que para cualquier interesado en las artes se le hace difícil y paradójico ubicar este santo grial.

No podemos entonces determinar cuando, como y por que se rompe alguna tendencia o manifestación artística, este es el verdadero caso de la aparición del Impresionismo que surge estrechamente ligado al Naturalismo, la suavidad de cambio estilístico no se hace casi notorio gracias a la estabilidad económica y social presente, ya que el año 1871 es un año relativamente transitorio en la historia de Francia a no ser por los grandes adelantos técnicos en su vida industrial. ¿podemos considerar estos grandes adelantos técnicos como precursores de una gran crisis intelectual y social? En cierta medida si, ya que el Hombre esta en continuo cambio y actualización, es eternamente moderno y competitivo y posee aquel impulso generador basado en el concepto de que lo nuevo es mejor.

La competencia va a la par de la velocidad técnica, a partir de esta premisa el intelectual de la época vivía una gran crisis alrededor de los nuevos centros urbanos, donde el tiempo y el hecho solo son elementos transitorios, donde la realidad no es un ser, sino un devenir, no un estado, sino un ocurrir. El intelectual de la época se preocupa por la representación de un equilibrio inestable que se funde en una experiencia concreta, temporal, y especialmente determinada: lo cotidiano la luz el color Etc.

Ante la aparición de un estilo o una nueva tendencia es prudente preguntare se trata realmente de una novedad o es la afloraciòn actualizada de ideas que coexistían vergonzosamente en épocas pasadas; podemos mencionar que ya en épocas pasadas como en el Romanticismo y en el Realismo ya existía un alto interés por el color y la luz e interpretaban estos fenómenos a través de diferentes estilos artísticos, algunos de estos estilos artistas que desarrollaron tal interés fueron: Jhon Constable, William Tuner, Gericault, Courbet, Camille Corot.

Courbet en cierta ocasión mencionaba “ El único tema posible en el arte es el realismo de la gente de la calle y la vida diaria” además este artista niega que la imaginación tenga algo que ver con el arte además afirmaba” El artista es capas de representar solamente lo que ve y toca y debe hacerlo con la mayor sencillez posible”. ¿ podemos nosotros considerar que esta aseveración pudo orientar a los artistas que le siguieron? Es de anotar que tal interés de Courbet le fue difícil ejecutar.

El anterior interés mencionado atrajo a dos jóvenes artistas del momento a Manet y Monet, Manet era el mayor de los dos con ocho años de diferencia, su interés pictórico se vio plasmado en escenas que fueron consideradas provocadoras para el momento con alto grado de interés que se salían de la realidad, y Claude Monet el menor quien fue considerado el jefe del grupo Impresionista y, mas que ningún otro pintor, el creador de la pintura del estilo en cuestión, párese no haber sentido interés por el arte del pasado y haber sentido terror hacia todas las teorías artísticas, su preocupación esencial durante toda su existencia fue el registrar sensaciones visuales a partir de colores primarios: amarillo, rojo, azul y sus tres complementarios y desapareciendo de sus paletas los colores terrosos y el negro.

Es de anotar que estos dos artistas no fueron los únicos interesados en el dilema también lo fueron sus amigos Frederic Bazille, Alfred Sisley, Pisarro, Auguste Renoir, Degas, Cesan y Berthe Morisot entre otros; su primera exposición fue en 1874 denominada la de los independientes ya que la mayoría de los trabajos fueron rechazados por el salón oficial.

A finales de 1880 se presenta una crisis en el arte impresionista, esta crisis ayuda a que dicha tendencia se salvara de llegar a la vulgarización del estilo, acompañada esta de los valores de la sociedad que se tornaron conflictivos a causa del cambio de siglo; esto contrajo ideas encontradas que generaron movimientos rivales pero frecuentemente relacionados y dirigidos respectivamente por George Seurat, Paul Gauguim y vincent Van Gogh.

Sgeorge Seurat, siendo un matemático deseoso por aclarar y clasificar e interesado por la pintura brillante determina una secuencia lógica de su ejecución así: primero el tono, luego el color, y finalmente la línea y la composición.

Paul Gauguin, este fue un artista visionario y rebelde comenzó con las ideas del impresionismo y las de Seurat pero después afirmo que el impresionismo era el creso error del naturalismo, al final y gran parte de su obra la podemos considerar simbolista dándole un sentido arbitrario al color obedeciendo a ideas expresivas.

Vincent Van Gogh, en la obra de este hombre podemos partir de su idea de que toda realidad es simbólica, esta afirmación la podemos constatar en cada una de sus cartas escritas a su hermano Teo y la percepción de cada una de sus obras sin afectar la maestría de este gran autor.
El tiempo tampoco fue misericordioso con la literatura, a diferencia de la pintura esta no fue tan definida, ya que sus inicios son apenas identificables en el complejo Naturalismo. Podemos identificar algunos elementos literarios marcados a finales del impresionismo pictórico y más concretamente en la decadencia del naturalismo que no es otra cosa que una crisis positivista del mundo donde los enemigos de la república en mayor parte son los enemigos del racionalismo, el materialismo y del progreso científico.

En esta tarea literaria estaba en manos de intelectuales estudiosos en su mayoría compuesto por burgueses del momento, su crisis gira alrededor de la cultura contaminada, es decir “ EL ARTE AL SERVICIO DE” su actitud fue tratar de ser mas espirituales y llenos de alma llegando al extremo de determinar que la naturaleza es fea y que solo se logra su belleza a través de la manifestación artística. Es decir la filosofía de “EL ARTE POR EL ARTE”

Algunos de estos literatos fueron Maupassant, Zola, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud Etc.

En la música durante este periodo especialmente Francia a mediados de 1870 se presenta cierta inclinación por el estatismo, cuya traducción estética seria el impresionismo. Este gusto entraña la noción del espacio que se manifiesta por el acorde en SI IMMOBILE y deplegado. Por otra parte, tiende a evitar las diversas atracciones melódicas y armónicas. No cabe duda de que, al proceder así, los compositores entran en conflicto con la esencia misma dando cabida a las melodías modales y a la música exótica.

Algunos de estos músicos fueron: César Franck y Camille Sain-Saëns.

IDEAS FUNDAMENTALES

· El impresionismo es un cumulo de ideas pictoricas heredadas de periodos artísticos anteriores llevados a una culminación.
· Entre los precursores del impresionismo tenemos a Jhon Constable, Willliam Turner, Guastave Courbet, Camille Corot.
· La idea básica del impresionismo fue la luz, hace desaparecer los contornos, donde la forma no es el resultado de la degradación tonal, sino de la yuxtaposición de colores.
· Las sombras también son color.
· En el impresionismo el color es abundante pero no tridente.
· El pintor impresionista no utiliza el negro.
· El impresionismo quiere expresar la fugacidad de las impresiones visuales debido a la luz cambiante.
· El impresionismo evoluciono hacia caminos distintos y personales.
· La característica común es la luz y el color.
· El pos-impresionismo es el resultado de ideas independientes marcadas por las ideas impresionistas. Orientados hacia la búsqueda de nuevos modos de interpretar la naturaleza.
· Dentro de la diversidad del pos-impresionismo aboga por un costructivismo que revoluciona la forma.
· Los pos-impresionistas señalan a frontera entre la pintura imitativa y el valor estético del color.
· Los músicos dejan su propia huella en el lenguaje musical saliendoce de esquemas tradicionales.
· Los compositores tienen en cuenta los sonidos exóticos.
· La literatura esta marcada por un grupo de intelectuales burgueses bohemios inconformes con el naturalismo defienden la teoría del arte por el arte.

BIBLIOGRAFIA

· Como conocer los estilos, Ed Parramon, Barcelona, España, 2000, Pp 60 –67.
· Alan, Bowness, Las bellas artes impresionistas y pos-impresionistas, Ed Grolier, México, 1973, Pp7 –14.
· JJ. Martin, Gonzalez, Historia del arte, EdGredos, Madrid España, 1992, Pp 468 – 483.
· Arnold, Hauser, Historia Social de la literatura y el Arte, tomo II Pp 402-461

ARTE DEL SIGLO XX

A comienzos del siglo XX existió un gran impulso por el cambio y fue un cambio radical que rompió con el pasado. Ya que este se consideraba agotado – la poesía debía liberarse de la rima y de la métrica, la música de la escala diatónica y la pintura de la imitación de las apariencias naturales.

En la historia del arte hasta el momento no ha existido un periodo tan productivo como el que inicia entre los años 1890 -1914, generado por ese gran impulso hacia lo nuevo mediado en parte por los grandes descubrimientos y postulados científicos – teoría de la relatividad, invención del avión, etc.- Generaron en el hombre de época un enorme desarrollo intelectual.

El artista adquiere de cierta manera un alto grado de libertad aparente. ya que al mismo tiempo crea cierta dependencia hacia la tecnología generando en este un cierto desasosiego, reflejado en su cambio continuo y en una constante competencia con el tiempo y la tecnología.

El arte, desde ese gran momento de inicio de siglo reflejo un alto grado de libertad para inventar y crear, pero es evidente que durante todo ese siglo XX se vivió una competencia constante entre dos grandes paralelos entre el tiempo – tecnología e ideas – innovaciones, que generaron en el arte una gran dicotomía entre acierto y desacierto.

Entre los desaciertos, aciertos, moda y lo kitsch podemos mencionar los siguientes:

Posimpresionismo, Modernismo, Simbolismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Suprematismo, Neoplastisismo, Futurismo, Surrealismo, Dadaísmo, Dadaísmo Pop-Art, Hiperrealismo, Superrealismo, Abstracción, Pintura metafísica, , Pintura no figurativa, Cientismo o Op-Art, Escultura no tradicional, Arte del cuerpo y sus variantes Etc.

Simbolismo:
Estrictamente es una escuela literaria iniciada en Francia a finales del siglo XX que puso de moda el verso libre y se destacaron en su tiempo Verlaine, Mallarme y Rimbaud que influenciaron en su tiempo a la pintura que busca la expresión de ideas mediante la representación de símbolos teniendo su mayor auge en la pintura decorativa. Algunos de los artistas mas reconocidos tenemos a Bocklin, Klinger, Moreau, y Puvis de Chavannes.
Fauvismo y Expresionismo:
Fauvismo, este fue el expresionismo Francés, y en Alemania adopta el grupo Die Brucke, el expresionismo tanto en Alemania como en Francia tiene sus orígenes en la influencia permanente de las ideas antipositivistas generadas por los diferentes cambios científicos y filosóficos de la época, es de aclarar que es difícil definir tal tendencia pero podemos decir que este istmo es sin duda un arte de oposición. Ya que nace de una protesta critica antinaturalita, antiimpresioniosta. y sin duda lo que mas les molestaba era la felicidad y el alto hedonismo de los artistas. para aclarar tales ideas a continuación citare el primer discurso que sintetizaba las ideas expresionistas. Hermann Bahr 1916 “Nosotros ya no vivimos –Escribía- hemos vivido. Ya no tenemos libertad, ya no sabemos decidirnos; el hombre a sido privado del alma; la naturaleza a sido privada del Hombre…nunca hubo época mas turbada por la desesperación y por el horror de la muerte. Nunca un tan sepulcral silencio ha reinado en el mundo. Nunca el hombre fue tan pequeño. Nunca estuvo mas inquieto. Nunca la alegría estuvo tan ausente y la libertad mas muerta. Y he aquí gritar la desesperación: el Hombre pide gritando su alma; un solo grito de angustia se eleva en nuestro tiempo. También el Arte grita en las tinieblas, pide socorro e invoca al espíritu” y terminare tal ilustración con las palabras de Goethe “el oído es mudo, la boca es sorda.

Podríamos determinar que los padres del expresionismo fueron Van Gogh, Ensor, Munich, y Gauguin y capitalizado por Matisse, Derain, Kandinsky, klee, Vlaminck, Beckmann, Ensor, Kokoschka, Otto Dix. Etc.

Cubismo:
Este movimiento es el padre de todas las tendencias abstractas Picasso y Braque fueron sus fundadores, en su intento por sustituir los meros efectos visuales, tan caros a los impresionistas, por una concepción mas intelectual de la forma y el color. su punto de partida fue la obra de Cezanne, que se avía ya formulado objetivos similares, aunque ellos llevaron hasta limites mucho mas avanzados su convicción acerca de la unidad básica de la superficie bidimensional del cuadro así como el análisis de la interacción de las formas. Estas son las causas de que estos pintores abandonasen deliberadamente el intento de representar las cosas como realmente aparecen, proponiéndose , en cambio, proporcionar al publico una descripción de la totalidad de un objeto determinado así como de la posición que ocupa en el espacio. Ello presentaba, en la practica, combinar varias vistas del objeto, más o menos superpuestas, expresando al final la idea que el artista tenia del objeto antes que su visión de el.

Suprematismo:
Movimiento promovido por Malevic, desarrollado en Rusia en 1913-1915 y considerado uno de los fundamentos claves en el nacimiento de la pintura abstracta, su base es esencialmente teórica y conceptual, sus principios se hayan en el manifiesto denominado del cubismo al suprematismo 1915. en el cual se determina la absoluta in objetividad, el empleo absoluto de objetos geométricos.

Neoplastisismo:
Este surge en intimo consorcio con la arquitectura funcional, su finalidad estribaba en obtener acoplamiento cromático a base de colore primarios, blanco y negro, aplicados de tal manera que se sectorizan los espacios a partir de rectángulos verticales y horizontales de manera plana. De esta manera la obra de arte se reduce a la pura experiencia de la sensibilidad. La relación de esta tendencia es patente con el cubismo, pero difieren con el concepto del volumen.

Futurismo:
Surge en Francia a partir de un artículo publicado el 9 de febrero de 1909, que tenia como autor al poeta Marinetti, en el que anuncio “Una nueva belleza…un automóvil crepitante, que avanza como una ametralladora y es mas hermoso que la victoria halada de soma tracia…queremos glorificar la guerra…”los artistas se detienen en las maquinas y el movimiento.

Dadaísmo:
Con este nombre se conoce un movimiento artístico precursor del surrealismo, que apareció por primera vez en zurich durante la primera guerra mundial. Producto de la histeria y del shock emocional que pretendía por entonces la vida europea, su periodo de esplendor se sitúa entre 1915 -1922. este movimiento tomo desde el principio posiciones contrarias al sentido común y a la propia actividad artística , proponiéndose sus miembros , ante todo, , escandalizar y violentar al publico burgués . uno de sus mas alto representante fue Duchamp.

Superrealismo- Surrealismo:
Nació de la unión del collage y los aspectos constructivitas del cubismo y el nihilismo de dada, y afirma poseer una larga tradición artística que abarca incluso el arte de Bosch, Goya, y cualquier otro artista que haya expresado lo misterioso y lo fantástico. Después de la desaparición de Dada en 1922, Andre Breton reunió los miembros que quedaban del grupo y adoptaron la palabra Surrealista el cual lo definían como automatismo. El surrealismo se dirigió bajo dos conceptos: Fantasía pura y la construcción de un mundo de sueños los máximos representantes son Dali, Magritte, Chirico, Klee.

Pop-Art:
Tendencia artística basada en la aceptación y empleo de artefactos, medios d comunicación, tanto de publicidad como de prensa, y productos de la vida moderna. Este tipo de arte aparece en estados unidos a mediados de los años sesenta y es de anotar que no es un Arte romántico pero en ocasiones es gracioso.

Hiperrealismo o Súper-realismo:
Esta es la derivación del Pop-Art. Se trata de una derivación mediata y con otros matices aun dentro del marco figurativo y realista que caracteriza el Arte popular, y llama en su ayuda a la técnica académica tradicional para la representación meticulosa de los objetos. En otras palabras el propósito del artista es reproducir la realidad tan perfecta que supere a la realidad. El mas representativo es el Alemán Asmas.

Abstracción
Este tipo de Arte se basa en la presunción de que las formas y los colores poseen en si mismos unos valores estéticos específicos, completamente independientes del tema de la pintura o escultura. Se trata de una visión ya formulada por primera ves en épocas antiguas que a llevado por una parte a la producción de piezas artísticas de características semimágicas, mientras que , por otra, a originado una gran calidad de creaciones de simple producción decorativa. Este es la visión prevaleciente de los países Musulmanes ya que se les prohíbe cualquier representación de figura humana.

Nota: Los otros istmos y manifestaciones artísticas han sido tratados en documentos anteriores.

Al observar la anterior lista nos queda evidente ese desasosiego creativo mencionado en líneas anteriores y podemos afirmar que el Arte a través del tiempo siempre a tenido la constante del cambio que no es otra cosa que la competencia del tiempo cronológico con el tiempo cultural, y como sucede a menudo es la lucha del artista como creador con el mundo como espectador.

El nuevo Arte en pos de lo moderno ayer y hoy siempre a estado mediado por el espectador que podemos determinar primario, secundario, especializado…….o simple espectador. Que hoy más que nunca genera a la obra de arte su valor característico. Decía el filosofo y escritor Antioqueño Fernando González “nuestra visión artística es una visión prostituida; capturadora de gustos” el autor desde ese sentido nos considera seres eunucos.

El artista del siglo XX en búsqueda de lo moderno retorna al pasado, pero ya no en los clásicos, su búsqueda “Creativa” mira, copia y modifica las manifestaciones culturales de África, América, india etc.

¿Existe acaso entonces un Arte moderno?

¿Cual arte moderno?
¿Cuáles nuevas tendencias?

En Arte actual, no hay tendencia o corriente nueva, todo, es un reciclaje bueno y malo. Percibiéndose mas lo anterior; repetiendoce a diario lo que decía Martha Traba “Colombia y el mundo esta condicionada a la arbitrariedad y los gustos particulares de los críticos con poder” cabe también allí lo que decía Herbertread “siempre son los mismos fenómenos fundamentales los que se confieren a una obra de arte su valor estético. ¿Cuáles son esos fenómenos? Únicamente fenómenos formales exagerados, llamativos o sobre manera pregnantes, que nos hacen salir de nuestros hábitos visuales y enseguida surge el auto engaño de lo omnicompresivo”. He allí lo que muchos llaman arte contemporáneo.

Termino este texto con un poema.
¿Donde esta, el carácter e identidad de la obra de Arte moderno?

Camaleones voraces infestados de renombre de indulgencias compartidas
Copartidarios y afines
Lagartos de toda índole,
que solventáis tu trabajo en herbarios de renombre
Cuando el día y la noche caen a tus espaldas
Sientes el peso de aquel fetiche,
Al que llamas Arte
y
Dándote golpes de pecho,
Justificas la iluminación divina
Adquirida en tus galpones de crianza,
y ….en medio de directrices copartidarias
te haces o heces, en aquellos que te iluminaron……

Juan C. Florez Arcila